Manche Menschen hinterlassen eine Lücke. Janosch hinterlässt ein kleines Haus, in dem noch Licht brennt. Dort warten ein Bär und ein Tiger, dort ist Platz für Freundschaft und für die Gewissheit, dass man nicht stark sein muss, wenn jemand bei einem bleibt. Generationen von Kindern haben diesen Ort mit ihm gefunden. Und viele Erwachsene haben erst beim Vorlesen verstanden, wie sehr sie selbst ihn noch brauchen. Nun ist der Mann gestorben, der ihnen diesen Zufluchtsort gezeichnet hat. Janosch starb am 3. November auf Teneriffa, wie sein Verleger Bernhard Feil der Deutschen Presse-Agentur mitteilte. Er wurde 95 Jahre alt.
Es wäre leicht, ihn jetzt in jene Behaglichkeit einzuwickeln, die seine bekanntesten Bilder ausstrahlen. Ein freundlicher Geschichtenerzähler, ein paar liebenswerte Tiere, die gelb-schwarz gestreifte Tigerente: So könnte man ihn verabschieden. Aber man würde ihm damit etwas nehmen. Denn Janoschs Zärtlichkeit war keine Ahnungslosigkeit. Dieser Mann wusste, wie grausam Menschen sein können. Vielleicht berühren seine Geschichten gerade deshalb so tief: Ihre Wärme ist nicht selbstverständlich. Sie ist der Gegenentwurf eines Menschen, der als Kind viel zu wenig davon bekommen hatte.
Am 11. März 1931 kam er als Horst Eckert im oberschlesischen Hindenburg zur Welt, dem heutigen polnischen Zabrze. Seine Kindheit war von Alkohol und Schlägen geprägt. Beide Eltern tranken, beide schlugen ihn. Dazu kamen eine religiöse Erziehung voller Strafandrohungen und die Demütigungen in der Hitlerjugend. In einem Filmporträt des Bayerischen Rundfunks erinnerte er sich an die Quälereien: „Dann haben sie mich geschliffen, bis zum Umfallen.“ Das ist die dunkle Landschaft hinter den hellen Bildern. Wer sie kennt, sieht den kleinen Bären und den kleinen Tiger anders: als Bewohner einer Welt, in der niemand erniedrigt werden muss, um dazuzugehören
Ausgerechnet dieser verletzte Junge sollte später so vielen Menschen zeigen, wie sich Geborgenheit anfühlen kann. Nicht als großes Versprechen, nicht als Belohnung für Gehorsam. Sondern als etwas Einfaches: einen Freund haben, gemeinsam aufbrechen, sich umeinander kümmern. Janoschs Figuren müssen keine Helden werden. Sie dürfen klein bleiben. In einer Kinderwelt, die so oft vom Lernen, Leisten und Besserwerden handelt, liegt darin eine stille Befreiung. Seine Geschichten kommen ohne erhobenen Zeigefinger aus; Freiheit und Selbstbestimmung gehören zu ihrem innersten Wesen.
Wie weit der Weg zu diesen Bildern war, zeigte eine Ausstellung im Bauernhofmuseum Jexhof bei Schöngeising. „Janosch – Vom Ammersee bis nach Panama“ hieß sie, und mein Blog redaktion42 hielt ich am 29. Januar 2018 meine Begeisterung fest. Er habe sich „regelrecht in die Bilder verliebt“, schrieb der Autor. Heute liest sich dieser Satz wie ein kleiner Schlüssel zu Janoschs Wirkung: Man betrachtet seine Bilder nicht nur. Irgendwann lässt man sich auf sie ein. Die Ausstellung machte zugleich sichtbar, wie wenig die vertraute Tigerente allein über ihren Schöpfer erzählt. Sie führte zurück zu seinen Anfängen, zu frühen künstlerischen Versuchen und zu einem Mann, der seinen Platz erst suchen musste.
Mein Blogbeitrag zeichnet diesen Weg nach: die Ankunft in Westdeutschland nach dem Krieg, die Ausbildung als Textilzeichner, den Umzug nach München 1953 und den Versuch, an der Kunstakademie Fuß zu fassen. Horst Eckert schrieb, zeichnete, suchte nach Möglichkeiten. Er nannte sich „Aufschreiber“ – ein bescheidenes Wort für jemanden, der später so unverwechselbar erzählen sollte. Mit dem Verleger Georg Lentz kam die entscheidende Begegnung. 1960 erschien „Die Geschichte vom Pferd Valek“, sein erstes Kinderbuch, und aus Horst Eckert wurde Janosch. Am Ammersee begann jener Abschnitt seines Lebens, an den die Jexhof-Ausstellung erinnerte.
Es ist tröstlich, sich diesen Anfang nicht als geraden Weg zum Ruhm vorzustellen. Janosch war nicht einfach fertig da. Er probierte aus, scheiterte, wurde zurückgewiesen. Die Ausstellung zeigte auch abstrakte Arbeiten und machte deutlich, dass hinter dem später weltbekannten Zeichner ein suchender Künstler stand. Rund 150 Objekte, darunter etwa 120 Zeichnungen und Gemälde, ließen damals erkennen, wie viel größer dieses Werk war als sein populärstes Markenzeichen.
Zu diesem anderen Janosch gehört „Cholonek oder der liebe Gott aus Lehm“. In dem Roman kehrte er in das Milieu seiner oberschlesischen Kindheit zurück, schonungslos und zugleich voller Wehmut. Die Härte seiner Herkunft verschwand nicht, nur weil er später Tiere zeichnete, denen man am liebsten über den Kopf streichen möchte. Sie blieb in seinem Schreiben, in seiner Erinnerung, auch in seinen eigenen Kämpfen mit dem Alkohol. Das Dunkle und das Helle waren keine getrennten Lebenswerke. Sie kamen aus demselben Menschen.
Und dann, 1978, „Oh, wie schön ist Panama“. Ein kleiner Bär und ein kleiner Tiger machen sich auf, das Land ihrer Träume zu finden, und gelangen am Ende zurück an ihren Ausgangspunkt – nur sehen sie ihr Zuhause nun mit anderen Augen. Was für eine einfache Geschichte. Und was für ein großes Wissen darin liegt: dass Sehnsucht uns forttreibt und dass wir manchmal einen Umweg brauchen, um das Nahe zu erkennen. Mehr als zwei Millionen Mal wurde das Buch nach Angaben des Beltz-Verlags weltweit verkauft. Seine eigentliche Reichweite aber lässt sich schwerer zählen: in Vorleseabenden, in Kinderfragen, in Erinnerungen an eine Stimme am Bettrand.
Janosch selbst konnte den Zauber dieser Geschichte mit einer einzigen Bemerkung gegen den Strich bürsten. „Ich wollte ein Kitschbuch machen“, sagte er im BR-Filmporträt über ihre Entstehung. Ein Kuschelbär müsse hinein, eine Reise, ein Freund. Da sprach keiner, der sich ehrfürchtig vor das eigene Denkmal stellte. Da sprach ein Spötter, der seiner Rührung misstraute und sie trotzdem zuließ. Vielleicht bewahrte gerade diese Mischung seine Geschichten vor dem Süßlichen: die Zärtlichkeit und der Widerhaken, das weiche Herz und die schnodderige Bemerkung.
Auch der Strich passte dazu. Nicht glatt, nicht makellos, nicht darauf bedacht, alles unter Kontrolle zu halten. Die Cheflektorin des Bilderbuchbereichs bei Beltz & Gelberg, Katrin Hartmann, beschrieb seine „heute geradezu erleichternd wirkende Unperfektheit“. Man kann darin mehr sehen als eine künstlerische Eigenart. In diesen Bildern darf etwas schief sein und trotzdem stimmen. Vielleicht ist auch das ein Grund, weshalb Erwachsene bei Janosch manchmal eine Entlastung finden, nach der sie gar nicht bewusst gesucht haben.
Der Erfolg brachte allerdings nicht nur Freiheit. Aus Figuren wurden Marken, aus Bildern Produkte. Die Tigerente wanderte auf Brotboxen, Becher und Kleidungsstücke. Schon der Jexhof-Besuch von mir führte deshalb über die Bewunderung hinaus zu Fragen nach Vermarktung und Rechten. Mein Beitrag schilderte, dass andere an Janoschs Kunst mitverdienten und der Künstler dabei keineswegs immer gut abschnitt. Auch Ulrich Kypke, langjähriger Weggefährte und Vorsitzender der Janosch Gesellschaft, berichtete von verstreuten Rechten und schwierigen Auseinandersetzungen. So stand neben der kleinen Welt der Freundschaft eine sehr viel unübersichtlichere Welt des Geschäfts.
1980 zog Janosch nach Teneriffa. Mein Blogbeitrag beschreibt diesen Abschied vom Ammersee auch als Rückzug eines angeschlagenen Künstlers. Dort, weit entfernt von vielem, was um seine Figuren herum geschah, lebte er weiter. Ganz verschwunden ist der scharfe Beobachter hinter den Tiergeschichten dabei nie. Noch als „Herr Wondrak“ dachte er in der „Zeit“ über das Leben und seine Zumutungen nach. Auf die Frage, was gewesen wäre, hätten Tiger und Bär Smartphones besessen, lautete seine Antwort: „Sie hätten Panama einfach gegoogelt und wären im Übrigen am Tisch sitzen geblieben.“ Ein kleiner Witz, und plötzlich ist eine ganze Gegenwart beschrieben, die alles nachschlagen kann und dabei womöglich das Aufbrechen verlernt.
Sein Weggefährte Kypke sagte einmal, Janosch habe das Bittere und Tragische so darstellen können, dass plötzlich „das kleine Licht des Humors“ aufscheine. Das trifft etwas Wesentliches. Janosch hat die Dunkelheit nicht weggeredet. Er hat ihr etwas entgegengesetzt, das unscheinbarer wirkte und sich doch als erstaunlich haltbar erwies: einen Witz, eine Freundschaft, ein Bild, das einen Menschen für einen Moment weniger allein sein lässt.
Nun ist er gestorben. Und mit ihm geht einer, der uns keine heile Welt beweisen musste, um uns eine freundlichere vorstellen zu können. Seine Bücher bleiben aufgeschlagen zwischen den Generationen. Irgendwo wird heute Abend wieder ein Kind neben einem Erwachsenen sitzen, und beide werden mit dem kleinen Bären und dem kleinen Tiger aufbrechen. Vielleicht wird der Erwachsene an die eigene Kindheit denken. Vielleicht wird er beim Lesen kurz innehalten.
Das kleine Haus ist noch da. Janosch hat uns den Schlüssel dagelassen.
Sie hat den politischen Umbruch in Osteuropa journalistisch begleitet, aus Kriegsgebieten im ehemaligen Jugoslawien berichtet, für private und öffentlich-rechtliche Fernsehsender gearbeitet und setzt sich heute für die Rechte und den Schutz von Kindern ein. Christine Kehrer blickt auf eine außergewöhnliche journalistische Laufbahn zurück. Im Podcast „Nah dran“ des PresseClubs München sprach Vorstandsmitglied Christine Kehrer mit Matthias J. Lange über gefährliche Auslandseinsätze, prägende Begegnungen, die Veränderungen des Journalismus und ihre heutige Tätigkeit bei den SOS-Kinderdörfern. Dabei wurde deutlich, dass für die erfahrene Fernsehjournalistin eines immer im Mittelpunkt stand: der Mensch und seine Geschichte.
„Ich habe mir eigentlich immer mein soziales Umfeld bewahrt, egal wo ich war“, erklärte Christine Kehrer zu Beginn des Gesprächs. Familie und verlässliche Beziehungen seien ihr trotz zahlreicher Auslandsreisen stets wichtig gewesen. Gleichzeitig habe sie immer wieder neue Herausforderungen gesucht, unbekannte Länder bereist und Geschichten entdeckt, häufig ohne große Absicherung. Ihr Lebensmotto „Altes bewahren und Neues wagen“ beschreibt damit nicht nur ihre berufliche Laufbahn, sondern auch ihre persönliche Haltung. Hier ist der Podcast
Dabei war der Journalismus keineswegs von Anfang an ihr festgelegtes Berufsziel. Auf Wunsch ihres Vaters begann Kehrer zunächst ein Betriebswirtschaftsstudium, stellte jedoch schnell fest, dass ihre Interessen anders gelagert waren. Geschichte, gesellschaftliche Zusammenhänge und vor allem Begegnungen mit Menschen faszinierten sie wesentlich mehr. Nach Studien in verschiedenen geisteswissenschaftlichen Disziplinen sammelte sie erste journalistische Erfahrungen bei der Mittelbayerischen Zeitung. Die Arbeit im Lokaljournalismus bezeichnet sie rückblickend als wichtige Schule. „Man hat einen riesigen Respekt vor den Kollegen, die im Lokalen heute sich die Beine ausreißen“, betonte sie.
Eine entscheidende berufliche Prägung erfuhr Kehrer durch den Fernsehproduzenten János Zolcer, für den sie nach ihrer Zeit bei Tele 5 arbeitete. Der aus politischen Gründen geflüchtete Produzent interessierte sich weniger für akademische Abschlüsse als für praktische journalistische Fähigkeiten. Christine Kehrer erinnerte sich daran, wie sie unmittelbar einen Beitrag für den WDR erstellen sollte. Der Sender kaufte die Geschichte, und daraus entwickelte sich eine fast zehnjährige Zusammenarbeit. „Das war eine ganz knochenharte Schule“, berichtete sie. Geregelte Arbeitszeiten habe es praktisch nicht gegeben, dafür aber zahlreiche Möglichkeiten, journalistisch zu arbeiten und Erfahrungen zu sammeln.
Besonders intensiv waren ihre Einsätze in Osteuropa während der politischen Umbrüche nach dem Ende des Kalten Krieges. Christine Kehrer berichtete aus Russland und erlebte die Veränderungen unter Michail Gorbatschow und Boris Jelzin. Die journalistischen Arbeitsbedingungen unterschieden sich grundlegend von heute. Internet, Smartphones und digitale Recherchemöglichkeiten standen nicht zur Verfügung. Informationen mussten über persönliche Kontakte, lokale Mitarbeiter und vertrauenswürdige Netzwerke beschafft werden. „Das Wichtige waren eben authentische, verlässliche Kontakte und ein Netzwerk, dem man vertrauen konnte“, erklärte sie.
Durch die Verbindungen ihres damaligen Produzenten erhielt sie Zugang zu Geschichten, die anderen Journalisten verschlossen blieben. Sie berichtete über gesellschaftliche Veränderungen in Moskau, über wirtschaftliche Entwicklungen, die Technoszene und organisierte Kriminalität. Für das investigative Fernsehmagazin „frontal“ beschäftigte sie sich unter anderem mit Schutzgelderpressung gegen deutsche Unternehmer durch kriminelle russische Netzwerke. Dabei begleitete sie auch einen gefährlichen Polizeieinsatz. Auf die Frage, ob sie damals eine Schutzweste getragen habe, antwortete sie knapp: „Ich hatte keine.“ Rückblickend bezeichnete sie dieses Verhalten selbst als leichtsinnig.
Ihre Erfahrungen in Russland führten auch zu einer politischen Einschätzung, die sie bis heute beschäftigt. Nach ihrer Beobachtung verschwanden die alten Machtstrukturen mit dem Zusammenbruch der Sowjetunion keineswegs vollständig. Vielmehr hätten frühere Eliten ihre wirtschaftliche und politische Macht in veränderter Form behalten. „Es gab eine Öffnung, ja, aber eine richtige Erneuerung, dass Entmachtung stattgefunden hätte, laut meiner Einschätzung eigentlich nicht“, sagte Christine Kehrer.
Noch belastender waren ihre Erfahrungen während der Kriege im ehemaligen Jugoslawien. In Kroatien und anderen Konfliktregionen erlebte sie Gewalt, Zerstörung und menschliches Leid unmittelbar. Besonders die Begegnungen mit verwundeten Kindern und verzweifelten Zivilisten haben sich tief in ihr Gedächtnis eingeprägt. Kehrer schilderte eine Frau, die sie während einer Recherche geradezu anflehte zu bleiben, weil die Anwesenheit der Journalistin für sie eine Art Lebensversicherung bedeutete. Auch die Folgen versteckter Sprengsätze, durch die Kinder schwerste Verletzungen erlitten, gehören zu den Erinnerungen, die sie bis heute begleiten.
„Das geht an die Substanz“, sagte Christine Kehrer über die psychischen Belastungen der Kriegsberichterstattung. Zwar müsse ein Journalist versuchen, unterschiedliche Perspektiven einzunehmen und ausgewogen zu berichten. Doch angesichts schwerster Menschenrechtsverletzungen stoße die persönliche Distanz an Grenzen. „Das nimmt einen sehr mit“, räumte sie ein. Hinzu kamen Zensurversuche, Behinderungen bei der Übertragung von Fernsehbeiträgen und Drohungen im Zusammenhang mit investigativen Recherchen.
Schließlich entschied sie sich bewusst, die Kriegsberichterstattung aufzugeben. Sie habe festgestellt, dass die ständige Konfrontation mit Gewalt und die Suche nach immer drastischeren Geschichten ihren Preis forderten. Der zunehmende Quotendruck habe diese Entwicklung zusätzlich verstärkt. Auch angesichts des heutigen Krieges in der Ukraine verspürt Kehrer keinen Wunsch, erneut als Kriegsreporterin zu arbeiten. Die Konflikte seien durch Cyberangriffe, digitale Manipulation und internationale Interessen noch komplexer und unberechenbarer geworden.
Dass Journalismus auch ganz andere Geschichten hervorbringen kann, zeigt eine ihrer ungewöhnlichsten Begegnungen. Für das Bayerische Fernsehen gelang es Kehrer, die als äußerst medienscheu bekannte Pumuckl-Erfinderin Ellis Kaut für ein ausführliches Fernsehporträt zu gewinnen. Zahlreiche Kollegen waren zuvor gescheitert. Kehrer wählte einen ungewöhnlichen Weg: Sie klingelte unangemeldet an Kauts Wohnungstür und stellte eine überraschende Frage. „Wie schafft man es als gebürtige Stuttgarterin, das erste Münchner Kindl zu werden?“ Die Frage wirkte. Kaut ließ sie herein, und aus der Begegnung entwickelte sich ein Vertrauensverhältnis. Schließlich erklärte die Schriftstellerin gegenüber dem Bayerischen Fernsehen, dass ausschließlich Christine Kehrer das Porträt drehen dürfe.
Für Christine Kehrer ist diese Geschichte ein Beispiel dafür, wie wichtig Vorbereitung, Einfühlungsvermögen und die richtige Interviewtechnik sind. „Es lebt für meine Begriffe immer von den Protagonisten und auch von einer guten Interviewtechnik“, erklärte sie. Nicht allein die Antworten seien entscheidend, sondern vor allem die Fähigkeit des Interviewers, Vertrauen aufzubauen und Menschen zum Erzählen zu bringen. „Das ist schon eine Kunst des Interviewens.“
Diese Haltung prägt auch ihren Blick auf den technischen Wandel der Medien. Smartphones ermöglichen heute hochwertige Videoaufnahmen und die unmittelbare Veröffentlichung von Nachrichten aus nahezu jedem Winkel der Welt. Kehrer sieht darin durchaus Chancen, warnt aber davor, technische Möglichkeiten mit journalistischer Qualität gleichzusetzen. „Was es aber nicht ersetzt, ist ein gutes journalistisches Handwerk.“ Quellen müssten überprüft, Informationen eingeordnet und unterschiedliche Perspektiven miteinander verbunden werden. Einfach nur eine Kamera auf ein Ereignis zu richten, reiche nicht aus.
Dabei macht sie keinen grundsätzlichen Qualitätsunterschied zwischen privatem und öffentlich-rechtlichem Fernsehen. Die Formate, Zielgruppen und Erzählgeschwindigkeiten seien unterschiedlich, das journalistische Handwerk bleibe jedoch dasselbe. Während manche öffentlich-rechtlichen Produktionen mehr Raum für Hintergründe ließen, arbeiteten private Sender häufig mit kürzeren Schnitten, anderer Musik und stärker verdichteten Texten. Entscheidend sei, die jeweilige journalistische Form zu beherrschen.
Eine besondere Anerkennung ihrer Arbeit erhielt Kehrer 2003 mit dem Caritas-Journalistenpreis für ihren Beitrag „Freudentanz“. Darin porträtierte sie eine engagierte Frau, die mit einem interkulturellen Tanzprojekt Kindern und Jugendlichen mit Migrationsgeschichte neue Perspektiven eröffnete. Auch hier stand nicht das spektakuläre Ereignis, sondern eine Persönlichkeit mit ihrer Motivation und ihrem gesellschaftlichen Engagement im Mittelpunkt. „Ich mag Menschen“, brachte Kehrer ihre journalistische Grundhaltung auf den Punkt.
Seit 2011 arbeitet sie für die SOS-Kinderdörfer und verantwortet dort den Bereich TV- und Video-Marketing. Der Wechsel vom klassischen Journalismus in die Kommunikation einer internationalen Hilfsorganisation hatte mehrere Gründe. Neben dem beruflichen Angebot spielte die familiäre Situation eine entscheidende Rolle. Mit zwei schulpflichtigen Kindern und einem ebenfalls beruflich viel reisenden Ehemann wurde die Planbarkeit des Alltags zunehmend wichtiger. Gleichzeitig eröffnete die neue Tätigkeit die Möglichkeit, weiterhin internationale Geschichten zu erzählen und Menschen in schwierigen Lebenssituationen zu begegnen.
Besonders wichtig ist Christine Kehrer dabei der Schutz der Kinder. Während in der klassischen Kriegsberichterstattung früher häufig drastische Bilder von Leid und Elend gezeigt wurden, gelten bei den SOS-Kinderdörfern strenge Kinderschutzrichtlinien. „Kinderschutz ist die oberste Priorität“, stellte sie unmissverständlich klar. Kinder dürften nicht auf ihre Not reduziert oder durch Filmaufnahmen bloßgestellt werden. Ihre Geschichten müssten in einen größeren Zusammenhang eingeordnet werden, der auch Perspektiven und Hilfsmöglichkeiten sichtbar macht.
Die Kinder selbst werden deshalb nicht zu ihren traumatischen Erlebnissen befragt. Stattdessen kommen beispielsweise Eltern, Betreuungspersonen oder Sozialarbeiter zu Wort. Für Kehrer ist das keine Einschränkung journalistischer Qualität, sondern Ausdruck einer besonderen Verantwortung. „Kinder in ihrer Not, in ihrem Elend, also singulär darzustellen, ist jetzt bei der Marke der SOS-Kinderdörfer absolutes Tabu“, betonte sie.
Auch ihr Engagement im Vorstand des PresseClubs München versteht Kehrer als Ausdruck dieser Verantwortung. Der PresseClub sei für sie weit mehr als ein berufliches Netzwerk. „Der Presseclub ist für mich eigentlich ein Forum, wo ich auch Leute treffe, die meine Geisteshaltung teilen, mit denen man sich auf Augenhöhe austauschen kann.“ Besonders wichtig seien ihr demokratische Werte, journalistische Glaubwürdigkeit und der Austausch unterschiedlicher Perspektiven.
Im Vorstand möchte sie ihre langjährigen Kontakte, ihre internationale Erfahrung und ihre Kenntnisse der Medienbranche einbringen. Dabei sieht sie sich auch als Unterstützerin und Mentorin, die andere Menschen ermutigen möchte, sich zu engagieren. Zugleich gehe es darum, die Bekanntheit und Reichweite des PresseClubs zu stärken und neue Kooperationen zu ermöglichen.
Zum Abschluss des Gesprächs fragte Matthias J. Lange nach jener Geschichte, die Kehrer verwirklichen würde, wenn Geld, Personal und Sendeplätze keine Rolle spielten. Ihre Antwort führte zurück zu den gesellschaftlichen Fragen, die sie seit Jahrzehnten beschäftigen. Sie würde sich mit den Veränderungen durch Cyberkriminalität, digitale Manipulation und Deepfakes auseinandersetzen und untersuchen, wie Glaubwürdigkeit und humanitäre Werte in einer zunehmend digitalisierten Gesellschaft bewahrt werden können.
Dabei interessieren sie nicht nur prominente Persönlichkeiten, sondern gerade jene Menschen, die abseits der großen Öffentlichkeit ihren eigenen Weg durch gesellschaftliche Umbrüche finden. Wie können Werte vermittelt werden, wenn Informationen zunehmend manipulierbar sind? Welche Bedeutung haben Vertrauen, Glaubwürdigkeit und Menschlichkeit in einer Welt, die sich technologisch immer schneller verändert?
Das Gespräch im PresseClub München machte deutlich, dass Christine Kehrer trotz jahrzehntelanger Berufserfahrung ihre journalistische Neugier nicht verloren hat. Wenige Tage nach der Podcastaufzeichnung sollte sie erneut nach Somaliland reisen, um für die SOS-Kinderdörfer zu arbeiten. Ihr beruflicher Weg führte sie von den politischen Umbrüchen Osteuropas über die Schrecken des Krieges bis zur humanitären Kommunikation. Geblieben ist ihre Überzeugung, dass gute Geschichten von Menschen leben und Journalismus mehr bedeutet als das bloße Vermitteln von Informationen.
Oder, wie Christine Kehrer es selbst formulierte: „Ich mag Menschen.“
Für mich ist Tolkien mehr als nur ein Autor. Er hatte mich mit seinen Geschichten as Jugendlicher in neue Welten entführt und das habe ich nicht vergessen. Daher nimmt das Werk des Briten einen besonderen Platz in meinem Herzen ein. J. R. R. Tolkien war für mich nicht nur ein begnadeter Geschichtenerzähler, sondern auch ein leidenschaftlicher Sprachkünstler und Dichter. Seine Sammlung „Lieder der Hobbits“ eröffnet einen besonderen Zugang zur Welt von Mittelerde. Die Gedichte und Lieder spiegeln die Lebensfreude, den Humor, die Sehnsüchte und die Melancholie jener kleinen Geschöpfe wider, die in Tolkiens großen Werken eine so entscheidende Rolle spielen. Dabei reicht die Stimmung von heiteren Versen über gesellige Zusammenkünfte bis hin zu nachdenklichen Betrachtungen über Freundschaft, Heimat, Abenteuer und Vergänglichkeit. Gerade die scheinbar einfachen Lieder zeigen Tolkiens außergewöhnliches Gespür für Rhythmus, Sprache und die Erschaffung einer glaubwürdigen Mythologie. Die liebevolle Gestaltung mit einer Illustration im typischen Tolkien-Stil macht die kleine Ausgabe zusätzlich reizvoll. „Lieder der Hobbits“ ist eine schöne Ergänzung für Liebhaber von „Der Hobbit“ und „Der Herr der Ringe“ und erinnert daran, dass Mittelerde nicht allein aus großen Schlachten und heldenhaften Taten besteht, sondern auch aus Musik, Poesie und der Freude an den kleinen Dingen des Lebens. Die drei Büchlein sind inzwischen vergriffen, aber als Gebrauchbuch noch erhältlich.
Seine Verse leben von einem ausgeprägten Gefühl für Sprachrhythmus, Klang und musikalische Strukturen. Tolkien, der sich intensiv mit altenglischer und mittelalterlicher Dichtung beschäftigte, greift auf traditionelle Reimformen, Alliterationen und volksliedhafte Wiederholungen zurück. Manche Gedichte besitzen die Leichtigkeit von Kinderreimen, andere erinnern an alte Balladen oder melancholische Volksweisen. Besonders reizvoll ist der Wechsel zwischen scheinbar naiver Heiterkeit und überraschender philosophischer Tiefe. Hinter einfachen Worten verbergen sich Gedanken über die Vergänglichkeit des Lebens, die Sehnsucht nach Heimat, den Lauf der Zeit und die Ungewissheit des Schicksals.
Die Lyrik der Hobbits zeichnet sich besonders durch ihre Bodenständigkeit aus. Essen, Trinken, Wandern, Natur und Geselligkeit werden zu poetischen Motiven. Tolkien erhebt das Alltägliche zum Gegenstand der Dichtung und verleiht ihm damit eine besondere Würde. Gleichzeitig durchzieht viele seiner Verse eine leise Melancholie. Das Vertraute ist kostbar, weil es verloren gehen kann. Gerade dieser Gegensatz zwischen Lebensfreude und Vergänglichkeit macht den besonderen Reiz seiner Gedichte aus.
Interessant ist auch Tolkiens spielerischer Umgang mit Sprache. Wortwitz, ungewöhnliche Bilder, rhythmische Überraschungen und gelegentlich absurde Einfälle zeigen einen Autor, der Freude am Experimentieren besitzt. Seine Gedichte funktionieren häufig auch unabhängig von den großen Erzählungen Mittelerdes. Sie lassen sich laut lesen, besitzen einen eigenen musikalischen Charakter und erinnern daran, dass Dichtung ursprünglich eng mit dem gesprochenen und gesungenen Wort verbunden war. „Lieder der Hobbits“ ist deshalb weit mehr als eine literarische Zugabe für Tolkien-Fans. Die Sammlung eröffnet einen Zugang zu einem Schriftsteller, dessen Fantasie nicht allein aus epischen Schlachten, erfundenen Sprachen und komplexen Mythologien bestand. In seiner Lyrik zeigt sich Tolkien als genauer Beobachter des Lebens, als Sprachmusiker und als Dichter, der selbst den kleinen Dingen einen Hauch von Ewigkeit verleihen konnte.
Was zeichnet guten Journalismus aus, welche Verantwortung tragen Medien für die Demokratie und wie verändert die digitale Kommunikation das Verhältnis zwischen Journalisten und ihrem Publikum? Mit diesen Fragen beschäftigte sich Dr. Uwe Brückner, Vorsitzender des PresseClubs München, bei einer Veranstaltung des Fördervereins des PresseClubs vor Lehrerinnen und Lehrern. In seinem ebenso persönlichen wie medienkritischen Vortrag plädierte er für einen Journalismus, der unterschiedliche Positionen sichtbar macht, sorgfältig recherchiert und die Menschen in den Mittelpunkt stellt. Zugleich warnte er vor einer zunehmenden Skandalisierung und Zuspitzung in der medialen Berichterstattung. Hier die Aufzeichnung:
„Ein guter Journalist ist ein Grenzgänger“, erklärte Brückner zu Beginn seines Referats. Damit meine er keineswegs die Missachtung gesellschaftlicher oder ethischer Grenzen. Vielmehr müsse Journalismus bereit sein, unterschiedliche Perspektiven zu erkunden, Positionen zu hinterfragen und sich auch mit unbequemen Themen auseinanderzusetzen. Jedes Thema besitze mehrere Grenzen, an denen verschiedene Interessen, Erfahrungen und Überzeugungen aufeinandertreffen. Diese sichtbar zu machen, gehöre zu den wesentlichen Aufgaben journalistischer Arbeit.
Wie sehr diese Haltung seine eigene Biografie geprägt hat, verdeutlichte Brückner anhand seiner Kindheit im oberfränkischen Bad Rodach, nur wenige Hundert Meter von der damaligen innerdeutschen Grenze entfernt. Dort wuchs er mit westdeutschen und ostdeutschen Medien auf. Während er im DDR-Fernsehen unter anderem die Nachrichtensendung „Aktuelle Kamera“ verfolgte, lernte er durch Gespräche mit seiner Mutter, politische Aussagen kritisch einzuordnen. Die unterschiedlichen Darstellungen derselben Wirklichkeit hätten früh sein Interesse an Medien, politischen Zusammenhängen und der Bedeutung unabhängiger Informationen geweckt.
Brückner stammt aus einer Lehrerfamilie und besuchte ein musisches Gymnasium. Seine journalistischen Anfänge reichen bis in die Schulzeit zurück. Ein Schülerpressetag weckte sein Interesse an der Zeitungsproduktion und an der Fotografie. Bereits als Jugendlicher berichtete er über kulturelle Veranstaltungen und sammelte erste Erfahrungen als freier Mitarbeiter. Diese frühen praktischen Begegnungen mit dem Journalismus seien für seine weitere Entwicklung entscheidend gewesen.
Sein beruflicher Weg verlief allerdings keineswegs geradlinig. Nach erfolglosen Bewerbungen an der Deutschen Journalistenschule gelang ihm die Aufnahme an der Hochschule für Fernsehen und Film in München. Dort entwickelte er ein besonderes Interesse am Dokumentarfilm und an gesellschaftlichen Themen, die in der Öffentlichkeit häufig verdrängt wurden.
Als Beispiel schilderte er einen frühen Dokumentarfilm über sterbende Menschen. Für das Projekt arbeitete er zuvor mehrere Monate als Hilfspfleger in einem Krankenhaus, um die Lebenssituation der Betroffenen kennenzulernen und Vertrauen aufzubauen. Vor der Kamera sprachen schwer kranke Menschen über ihre Ängste, Hoffnungen und ihre letzten Lebenswochen. Dabei wurden auch familiäre Sprachlosigkeit und der gesellschaftliche Umgang mit dem Sterben sichtbar. Für Brückner war diese Arbeit eine grundlegende journalistische Erfahrung: Entscheidend sei nicht allein die technische Qualität einer Produktion, sondern vor allem die Fähigkeit, Menschen zuzuhören und ihnen Raum für ihre persönliche Geschichte zu geben.
Diese Überzeugung prägte auch seine spätere Tätigkeit im Fernsehen. Brückner gehörte zu den frühen Akteuren des deutschen Privatfernsehens und war nach eigenen Angaben am Aufbau zahlreicher Fernsehprogramme beteiligt, darunter regionale Sender und Formate sowie Produktionen für RTL. Seine beruflichen Stationen führten ihn unter anderem zum Münchner Kabelpilotprojekt, zu RTL Plus und in den Bereich des Lokalfernsehens.
Ausführlich beschäftigte er sich mit der Entwicklung der journalistischen Bildsprache. Geprägt habe ihn dabei insbesondere sein Kameradozent an der Münchner Filmhochschule, der ihm die Bedeutung unterschiedlicher Einstellungsgrößen und räumlicher Distanzen vermittelte. Eine Kamera dürfe nicht lediglich aus sicherer Entfernung beobachten. Wer Menschen verstehen und authentische Aussagen erhalten wolle, müsse sich ihnen auch räumlich und emotional nähern.
Brückner kritisierte in diesem Zusammenhang die traditionelle Produktionsweise vieler Fernsehinterviews. Umfangreiche Technik, große Aufnahmeteams und mehrfach wiederholte Aussagen könnten dazu führen, dass Gesprächspartner zunehmend distanziert und formelhaft antworteten. Eine kleinere Kamera, unmittelbarer Blickkontakt und eine persönliche Gesprächssituation ermöglichten dagegen häufig offenere und glaubwürdigere Begegnungen.
Diesen Ansatz verfolgte er auch bei der Entwicklung und Etablierung des Videojournalismus. Die Verbindung von Recherche, Kameraarbeit und Schnitt in einer Person eröffne neue Möglichkeiten einer unmittelbaren Berichterstattung. Nicht die technische Perfektion allein entscheide über die journalistische Wirkung, sondern die Nähe zum Geschehen und die Fähigkeit, Vertrauen herzustellen.
Ein weiteres Beispiel für seinen Anspruch, journalistische Grenzen zu verschieben, war die Fernsehsendung „Der heiße Stuhl für Kinder“. Das Format entstand als Gegenentwurf zu einer konfrontativen Erwachsenensendung. Kinder im Alter zwischen neun und vierzehn Jahren diskutierten darin mit Erwachsenen über gesellschaftspolitische Fragen. Themen waren unter anderem der Umgang mit ausländischen Mitbürgern, persönliche Freiheit und Tierversuche.
Brückner berichtete, dass die Sendung zunächst auf erhebliche Vorbehalte gestoßen sei. Kritiker hätten bezweifelt, dass Kinder in der Lage seien, komplexe politische und gesellschaftliche Themen öffentlich zu diskutieren. Die Erfahrungen hätten jedoch das Gegenteil gezeigt. Kinder argumentierten direkt, stellten unbequeme Fragen und ließen sich von der gesellschaftlichen Stellung ihrer erwachsenen Gesprächspartner kaum beeindrucken. Nach Brückners Angaben erreichte das Format zeitweise einen Marktanteil von 52 Prozent.
Für den Referenten war dies ein Beleg dafür, dass politische Kommunikation nicht ausschließlich Erwachsenen vorbehalten bleiben dürfe. Junge Menschen hätten eigene Erfahrungen, Interessen und Positionen, die in der öffentlichen Diskussion berücksichtigt werden müssten. Gerade vor einem Publikum aus Lehrerinnen und Lehrern unterstrich diese Erfahrung die Bedeutung einer frühen Auseinandersetzung mit gesellschaftlichen Fragen und demokratischer Streitkultur.
Einen Schwerpunkt seines Vortrags bildete der tiefgreifende Wandel der Medien durch das Internet und die sozialen Netzwerke. Über Jahrzehnte habe die klassische Medienwelt nach einem weitgehend einseitigen Sender-Empfänger-Modell funktioniert. Zeitungen, Radio und Fernsehen verbreiteten Informationen, während Leser, Hörer und Zuschauer überwiegend die Rolle passiver Empfänger einnahmen.
Mit der Digitalisierung habe sich dieses Verhältnis grundlegend verändert. Heute könne jeder Mensch selbst Inhalte produzieren, veröffentlichen und verbreiten. Die Bürger seien nicht länger ausschließlich Publikum, sondern zunehmend selbst Akteure öffentlicher Kommunikation.
Brückner erinnerte an die Erkenntnis eines früheren Kollegen aus dem Privatfernsehen, der bereits vor vielen Jahren auf die entscheidende Veränderung hingewiesen habe: Künftig würden die Zuschauer selbst zurücksenden. Diese Entwicklung habe die traditionellen Medien zunächst vor erhebliche Herausforderungen gestellt. Während Fernsehsender vergleichsweise schnell mit Mediatheken und digitalen Angeboten reagierten, hätten viele Zeitungsverlage die Bedeutung der neuen Kommunikationsmöglichkeiten erst spät erkannt.
Besonders aufmerksam beobachtet Brückner inzwischen die Plattform TikTok. Dort interessiere ihn weniger die reine Unterhaltung als vielmehr die Frage, welche Themen Menschen eigenständig aufgreifen und öffentlich verhandeln. Gesundheit, persönliche Krisen, Beziehungen, gesellschaftliche Konflikte und individuelle Lebensgeschichten spielten dabei eine große Rolle.
Die sozialen Netzwerke machten sichtbar, welche Bedürfnisse nach Austausch, Information und öffentlicher Aufmerksamkeit von den klassischen Medien möglicherweise nicht ausreichend berücksichtigt würden. Gleichzeitig entstünden neue Formen unmittelbarer und emotionaler Kommunikation. Für den Journalismus ergebe sich daraus die Aufgabe, diese Entwicklungen ernst zu nehmen, ohne die eigenen professionellen Maßstäbe aufzugeben.
Deutliche Kritik übte der Vorsitzende des PresseClubs München an der zunehmenden Skandalisierung journalistischer Berichterstattung. Insbesondere im digitalen Wettbewerb um Aufmerksamkeit würden politische Auseinandersetzungen häufig mit Begriffen aus dem Bereich von Krieg, Terror und Katastrophen beschrieben. Differenzierte Debatten gerieten dadurch in den Hintergrund.
Brückner verwies auf die Berichterstattung über politische Koalitionen und gesellschaftliche Konflikte. Demokratische Politik bestehe wesentlich darin, unterschiedliche Interessen auszuhandeln, Kompromisse zu finden und gegensätzliche Positionen auszuhalten. Wenn Medien diese Prozesse überwiegend als Kampf oder Zerwürfnis darstellten, werde ein verzerrtes Bild parlamentarischer Demokratie vermittelt.
Die Zuspitzung diene häufig der digitalen Reichweite und dem sogenannten Clickbaiting. Emotional aufgeladene Schlagzeilen sollten Aufmerksamkeit erzeugen und Nutzer zum Anklicken bewegen. Diese Entwicklung betrachtete Brückner kritisch, weil sie das Vertrauen in die Medien und das Verständnis demokratischer Entscheidungsprozesse beeinträchtigen könne.
„Weg von Skandalisierung, hin zu einem demokratischen Gegeneinander, Miteinander, Ringen um Gemeinsamkeiten“, formulierte er seinen journalistischen Anspruch.
Der PresseClub München verstehe sich deshalb auch als Ort der kritischen Auseinandersetzung mit journalistischen Arbeitsweisen. In Veranstaltungen und Diskussionen würden Entscheidungen von Redaktionen hinterfragt, medienethische Fragen aufgegriffen und aktuelle Entwicklungen der Branche diskutiert. Journalismus müsse bereit sein, nicht nur andere gesellschaftliche Akteure zu kontrollieren, sondern auch das eigene Handeln kritisch zu überprüfen.
Ein zentrales Anliegen Brückners war die Bedeutung verlässlicher Quellen. In einer digitalen Öffentlichkeit, in der Informationen innerhalb kürzester Zeit verbreitet werden können, müsse sorgfältige Recherche weiterhin das Fundament professioneller journalistischer Arbeit bilden.
Das Internet selbst sei keine hinreichende Quelle. Entscheidend sei vielmehr, wer eine Information ursprünglich verbreitet habe, welche Interessen dahinterstünden und ob sich die Aussage unabhängig überprüfen lasse. Journalisten müssten deshalb unterschiedliche Informationsquellen erschließen, Kontakte aufbauen und über lange Zeit pflegen.
Brückner verwies auf seine eigenen Erfahrungen als Reporter, unter anderem bei der Berichterstattung über internationale Konflikte. Verlässliche Informanten seien häufig über Jahrzehnte gewachsene Kontakte. Gerade bei schwierigen politischen und gesellschaftlichen Themen komme es darauf an, Aussagen einordnen, Widersprüche erkennen und unterschiedliche Perspektiven miteinander vergleichen zu können.
Daraus leitete er eine grundsätzliche journalistische Haltung ab: „Parteifrei, staatsfern, bürgernah.“ Diese drei Begriffe beschreiben nach seiner Auffassung die notwendige Unabhängigkeit des Journalismus gegenüber politischen Parteien und staatlichen Institutionen sowie seine Verpflichtung gegenüber den Menschen.
Journalisten dürften sich nicht mit einer politischen Position identifizieren, sondern müssten unterschiedliche Standpunkte sichtbar machen. Dabei gehe es nicht um Beliebigkeit, sondern um die nachvollziehbare Darstellung von Interessen, Argumenten und überprüfbaren Tatsachen.
Auch die Rolle des Journalisten selbst müsse kritisch reflektiert werden. Brückner sprach sich dafür aus, bei Recherchen möglichst unaufdringlich aufzutreten. Bereits die erkennbare Anwesenheit eines Journalisten könne das Verhalten von Menschen verändern. Gesprächspartner formulierten dann möglicherweise nicht mehr ihre tatsächlichen Gedanken, sondern Aussagen, von denen sie annähmen, dass diese öffentlich erwünscht seien. Beobachtung, Zurückhaltung und die Fähigkeit zuzuhören seien deshalb wichtige Voraussetzungen authentischer Berichterstattung.
Für die anwesenden Lehrerinnen und Lehrer bot der Vortrag zahlreiche Anknüpfungspunkte zur Medienbildung. Die zunehmende Verbreitung digitaler Inhalte macht es erforderlich, junge Menschen frühzeitig für journalistische Qualitätskriterien, die Überprüfung von Quellen und den Unterschied zwischen Information, Meinung und gezielter Emotionalisierung zu sensibilisieren.
Dabei wurde deutlich, dass Medienkompetenz weit über die technische Bedienung digitaler Plattformen hinausgeht. Sie umfasst die Fähigkeit, Informationen kritisch zu hinterfragen, unterschiedliche Perspektiven zu erkennen und die Mechanismen öffentlicher Kommunikation zu verstehen.
Brückners Referat verband persönliche Erfahrungen aus mehreren Jahrzehnten Fernsehjournalismus mit einer grundsätzlichen Auseinandersetzung über die gesellschaftliche Verantwortung der Medien. Trotz aller technischen Veränderungen, neuer Plattformen und veränderter Nutzungsgewohnheiten bleibt für ihn der Kern journalistischer Arbeit unverändert: sorgfältige Recherche, glaubwürdige Quellen, Unabhängigkeit und die unmittelbare Nähe zu den Menschen.
Der Journalist als Grenzgänger müsse bereit sein, unbequeme Fragen zu stellen, neue Wege zu gehen und vertraute Sichtweisen zu hinterfragen. Gerade in einer zunehmend polarisierten Öffentlichkeit sei es Aufgabe des Journalismus, nicht zusätzliche Gräben aufzureißen, sondern durch Information, Einordnung und kritische Diskussion zum demokratischen Verständnis beizutragen.
Nur wenige Wochen vor ihrem Tod sprach Marilyn Monroe so offen wie selten zuvor über Ruhm, Einsamkeit und den Kampf um ihre künstlerische Selbstbestimmung. Mehr als sechs Jahrzehnte später führt ein neuer Bildband dieses Gespräch erstmals vollständig mit Hunderten lange unveröffentlichten Aufnahmen zusammen.
Der zunächst unter dem Arbeitstitel Untitled on Marilyn Monroe: The Lost Photographs, the Last Interview angekündigte Band erschien im Mai 2026 unter dem endgültigen Titel Marilyn: The Lost Photographs, the Last Interview. Das 256 Seiten umfassende Buch enthält das vollständige Transkript von Monroes letztem ausführlichen Interview sowie mehr als 400 restaurierte Fotografien des LIFE-Fotojournalisten Allan Grant. Ein Großteil des Materials war zuvor nie öffentlich zu sehen.
Im Sommer 1962 befand sich Marilyn Monroe beruflich und persönlich an einem Wendepunkt. Die 36-Jährige war in einen Konflikt mit dem Filmstudio 20th Century Fox um die unvollendet gebliebene Komödie Something’s Got to Give geraten. Zugleich versuchte sie, sich von dem Bild der unzuverlässigen, austauschbaren „Blondine“ zu lösen und mehr Kontrolle über ihre Karriere zu gewinnen. In dieser Situation traf sie den LIFE-Journalisten Richard Meryman zu einem Gespräch, das ursprünglich lediglich vom Leben mit dem Ruhm handeln sollte. Aus dem geplanten Porträt entwickelte sich jedoch eine insgesamt etwa vierstündige Unterhaltung über ihre Kindheit, ihre Ehen, Hollywood, Arbeit, Alter, Sexualisierung und Einsamkeit.
Monroe bestand darauf, möglichst in ihren eigenen Worten wiedergegeben zu werden. Gerade darin liegt die historische Bedeutung des Materials: Es zeigt sie nicht nur als Gegenstand fremder Erinnerungen oder späterer Spekulationen, sondern als aktive Erzählerin ihres eigenen Lebens. Sie spricht über ihre Kindheit in Pflegefamilien, über ihren frühen Aufstieg und über die Erfahrung, von der Filmindustrie zugleich begehrt und unterschätzt zu werden. Auch ihr Unbehagen darüber, als Sexsymbol eher wie ein Objekt denn wie ein Mensch behandelt zu werden, zieht sich durch das Gespräch.
Die Fotografien entstanden während Monroes letzter formeller Porträtsitzung in ihrem Haus im Los-Angeles-Stadtteil Brentwood. Allan Grant fotografierte sie nicht in einem Filmstudio oder auf einem roten Teppich, sondern in privater Umgebung und legerer Kleidung. Die Bilder zeigen wechselnde Stimmungen: Monroe erscheint ausgelassen, nachdenklich, konzentriert und gelegentlich verletzlich. Lediglich acht Aufnahmen wurden damals zusammen mit dem gekürzten LIFE-Text veröffentlicht; der weitaus größere Teil des Archivs blieb jahrzehntelang verwahrt.
Der ursprüngliche LIFE-Artikel erschien am 3. August 1962. Nur zwei Tage später wurde Monroe tot in ihrem Haus gefunden; als Todesursache wurde eine akute Barbituratvergiftung festgestellt und ihr Tod offiziell als wahrscheinlicher Suizid eingestuft. Das vollständige Interview und die Tonaufnahmen verschwanden anschließend in Merymans Archiv, während Grants Fotografien größtenteils in dessen Besitz blieben. Erst die spätere Zusammenführung und Restaurierung beider Bestände ermöglichte die Veröffentlichung des heutigen Bandes.
Die zeitliche Nähe zu Monroes Tod verleiht dem Werk zwangsläufig eine düstere Wirkung. Dennoch sollte das Interview nicht ausschließlich als Abschiedsdokument gelesen werden. Vieles darin weist nicht auf Resignation, sondern auf beruflichen Ehrgeiz und den Wunsch nach Veränderung hin. Monroe äußert sich selbstbewusst über ihr schauspielerisches Handwerk, kritisiert die Machtverhältnisse der Studios und macht deutlich, dass sie ernst genommen werden wollte. Die Aufnahmen vermitteln deshalb nicht nur Verletzlichkeit, sondern auch Humor, Wachheit und Widerstandskraft.
Genau hier liegt der besondere Wert von The Lost Photographs, the Last Interview. Der Band widerspricht der verbreiteten Tendenz, Marilyn Monroe fast ausschließlich durch ihren frühen Tod zu betrachten. Bilder und Gespräch dokumentieren eine Künstlerin, die sich der Mechanismen ihres eigenen Ruhms sehr bewusst war und gegen die von Hollywood geschaffene Kunstfigur anzukämpfen versuchte.
Allerdings bleibt auch diese Veröffentlichung Teil der fortdauernden Vermarktung Monroes. Die Bezeichnung der Materialien als „verloren“ ist vor allem im Sinne von lange unveröffentlicht oder unzugänglich zu verstehen: Die Aufzeichnungen und Negative waren nicht spurlos verschwunden, sondern in privaten Archiven aufbewahrt worden. Zudem ersetzt das Interview keine umfassende historische Biografie. Es zeigt Monroes Perspektive in einer bestimmten Lebensphase – außergewöhnlich unmittelbar, aber dennoch geprägt von der Interviewsituation, der späteren redaktionellen Bearbeitung und der heutigen Präsentation.
Als Quellenband und fotografisches Zeitdokument eröffnet das Buch dennoch einen seltenen Zugang. Es lässt Marilyn Monroe für einen Moment aus dem Schatten der Legenden, Verschwörungserzählungen und nachträglichen Deutungen hervortreten. Was sichtbar wird, ist keine vollständig entschlüsselte Ikone, sondern eine intelligente, widersprüchliche und ehrgeizige Frau, die darum kämpfte, nicht länger nur angesehen, sondern tatsächlich gehört zu werden.
Mit „Der Mann fürs Bunte“ legen die Historiker Norbert Frei, Tim Scharnetzky und Sybille Steinacher eine Untersuchung vor, die weit über eine klassische Unternehmerbiografie hinausgeht. Im Mittelpunkt steht Franz Burda, der Gründer des späteren Burda-Verlagsimperiums – und die Frage, welche Rolle Nationalsozialismus, persönliche Anpassung und wirtschaftlicher Opportunismus bei seinem Aufstieg spielten.
Dass die Untersuchung im Auftrag von Hubert Burda entstand, macht das Buch besonders interessant. Hier wird Familiengeschichte nicht ausgespart, sondern wissenschaftlicher Prüfung ausgesetzt. Das Ergebnis ist kein schlichtes Schwarz-Weiß-Bild. Die Autoren beschreiben Franz Burda als autoritären und ehrgeizigen Unternehmer, der 1937 in die NSDAP eintrat und während der NS-Zeit wirtschaftlich vom System profitierte. Zugleich zeichnen sie ihn nicht als überzeugten nationalsozialistischen Ideologen. Gerade diese Differenzierung gehört zu den Stärken des Buches.
Der Titel „Der Mann fürs Bunte“ spielt dabei geschickt mit dem späteren Image des Verlegers und seiner Medienwelt. Denn die entscheidende Frage lautet nicht allein, ob Franz Burda ein „Mann fürs Braune“ war. Viel aufschlussreicher ist die Untersuchung jener Grauzonen, in denen wirtschaftlicher Ehrgeiz, politische Anpassung und persönliche Verantwortung ineinandergreifen.
Besonders schwer wiegt die Übernahme einer jüdischen Großdruckerei im Jahr 1938. Deren Eigentümer waren unter den Bedingungen der nationalsozialistischen Verfolgung zum Verkauf gezwungen. Die Autoren bewerten Burdas Verhalten in diesem Zusammenhang moralisch deutlich. Damit berührt das Buch eines der zentralen Themen der deutschen Wirtschaftsgeschichte des „Dritten Reiches“: Wie stark profitierten Unternehmer von Entrechtung, „Arisierung“ und Verfolgung, auch wenn sie selbst nicht zu den ideologischen Antreibern des Regimes gehörten?
Gerade deshalb ist „Der Mann fürs Bunte“ lesenswert. Das Buch entzieht sich der bequemen Versuchung, historische Verantwortung allein danach zu bemessen, ob jemand überzeugter Nationalsozialist war oder nicht. Es zeigt vielmehr, dass ein diktatorisches System auch von Menschen getragen und genutzt werden kann, deren wichtigste Motive Karriere, Geschäft und gesellschaftlicher Aufstieg sind.
Frei, Scharnetzky und Steinacher betreiben dabei keine nachträgliche Heldenverehrung, aber ebenso wenig eine pauschale Verurteilung. Sie versuchen, Franz Burda in seiner Zeit und anhand der Quellen zu erfassen. Das macht die Studie gerade für die Geschichte deutscher Medienunternehmen interessant. Denn hinter den Erfolgsgeschichten der Nachkriegszeit liegen bisweilen Biografien, deren entscheidende Weichen bereits während der NS-Diktatur gestellt wurden.
„Der Mann fürs Bunte“ ist deshalb mehr als eine Familien- und Verlagsgeschichte. Es ist ein Buch über Opportunismus, wirtschaftliche Verantwortung und die unbequeme Frage, wie viel Anpassung notwendig war – und wie viel davon dem eigenen Vorteil diente. Gerade weil die Antworten nicht immer eindeutig ausfallen, lohnt die Auseinandersetzung mit diesem Buch.
Was passiert, wenn 15 Krimiautorinnen gemeinsam eine Geschichte entwickeln, fünf Jahre daran arbeiten und ihre unterschiedlichen literarischen Handschriften miteinander verbinden? Das Ergebnis trägt den vielversprechenden Titel „Beichte & Bestechung“ und ist eine ebenso ungewöhnliche wie unterhaltsame Sammlung miteinander verflochtener Klosterkrimis. Ich habe drei Autorinnen Hannelore Koch, Bhavya Heubisch und Thea Lehmannn zusammen mit Büchereileiterin Beate Seyschab in einem 360 Grad Interview zu unserem Seitensprung Extra-Podcast eingeladen. Hier das VR 360 Grad Interview
Das Buch selbst erschien am März 2025 im myshow Verlag, umfasst 296 Seiten und kostet 16 Euro. Herausgegeben wurde es von Thea Lehmann. Die Idee und Konzeption entstanden unter Mitwirkung von Claudia Westhagen und dem Verlag. Beteiligt waren Autorinnen aus dem Umfeld des Vereins Mörderische Schwestern, der sich für die von Frauen geschriebene Kriminalliteratur engagiert.
Bereits die Ausgangssituation verspricht eine gehörige Portion schwarzen Humors. In einem bayerischen Kloster herrscht Krisenstimmung. Der Nachwuchs bleibt aus, die finanziellen Mittel werden knapp, und die Zukunft der geistlichen Einrichtung steht auf dem Spiel. Doch Äbtissin Fabiola denkt nicht daran, ihr Kloster kampflos aufzugeben. Sie entwickelt eine ebenso fromme wie gewagte Geschäftsidee: Eine Selbsthilfegruppe für Menschen mit krimineller Vergangenheit soll nicht nur der Resozialisierung dienen, sondern zugleich neues Leben in die alten Klostermauern bringen.
Allerdings entwickelt sich die gut gemeinte Initiative anders als erwartet. Statt reuiger Sünder erscheinen zwielichtige Gestalten, ehemalige Mafiosi, Betrüger und andere Persönlichkeiten, deren Verhältnis zu Recht und Gesetz ausgesprochen flexibel ist. Bald wird das Kloster zum Treffpunkt der Unterwelt. Zwischen Gebeten, Beichten und kriminellen Machenschaften entstehen absurde Situationen, überraschende Wendungen und mörderische Verwicklungen. Besonders verdächtig erscheint der ehemalige Mafioso Salvatore, der sich als Gärtner betätigt und dessen Rosen auf geradezu unheimliche Weise gedeihen. Was steckt hinter dieser außergewöhnlichen Blütenpracht?
Fünfzehn Autorinnen und eine gemeinsame literarische Welt Die eigentliche Besonderheit von „Beichte & Bestechung“ liegt jedoch weniger in seiner Handlung als in seiner Entstehung. Fünfzehn Autorinnen haben über einen Zeitraum von rund fünf Jahren an einem gemeinsamen literarischen Projekt gearbeitet. Dabei entstand kein klassischer Roman, bei dem eine einzige Erzählerin die Handlung bestimmt, sondern ein Geflecht aus vierzehn Geschichten, die durch einen gemeinsamen Schauplatz, wiederkehrende Figuren und eine übergeordnete Rahmenhandlung verbunden sind.
Ein solches Projekt verlangt erheblich mehr Abstimmung als eine gewöhnliche Anthologie. Schließlich muss jede Autorin ihre eigene Geschichte entwickeln können, ohne die Logik der gemeinsamen Erzählwelt zu beschädigen. Figuren müssen wiedererkennbar bleiben, Ereignisse aufeinander abgestimmt werden und die unterschiedlichen Erzählstränge miteinander harmonieren. Gerade bei Kriminalgeschichten, deren Wirkung häufig auf präzise konstruierten Überraschungen beruht, ist dies eine besondere Herausforderung.
Die unterschiedlichen literarischen Stimmen sind zugleich eine Stärke des Buches. Wo eine Autorin auf Spannung setzt, bevorzugt eine andere möglicherweise groteske Situationen, psychologische Abgründe oder pointierte Dialoge. Dadurch entsteht Abwechslung, ohne dass die gemeinsame Grundidee verloren geht. Das Buch bewegt sich zwischen Kriminalkomödie, klassischer Kurzgeschichte und einer episodenhaft aufgebauten Romanhandlung.
Dass diese Konstruktion anspruchsvoll ist, bestätigt auch Herausgeberin Thea Lehmannn über die Arbeit an Gemeinschaftsprojekten. Sie beschreibt die Schwierigkeit, einzelne Autorinnen bei der Ausgestaltung einer übergeordneten Rahmenhandlung zu begrenzen, damit das Zusammenspiel der Geschichten funktioniert. Für „Beichte & Bestechung“ wurde deshalb besonderer Wert darauf gelegt, die Figuren über die einzelnen Erzählungen hinweg miteinander zu verbinden.
Zwischen schwarzem Humor und menschlichen Abgründen Literarisch lebt „Beichte & Bestechung“ vom reizvollen Gegensatz zwischen dem vermeintlich heiligen Ort und den ausgesprochen unheiligen Absichten seiner Besucher. Ein Kloster steht traditionell für Besinnung, Vergebung und moralische Orientierung. Hier wird es zum Schauplatz von Täuschung, krimineller Energie und menschlichen Schwächen. Diese Umkehrung vertrauter Vorstellungen liefert reichlich Stoff für Situationskomik und satirische Zuspitzungen.
Interessant ist dabei die Frage nach Schuld und Sühne. Können Menschen mit krimineller Vergangenheit tatsächlich einen neuen Weg einschlagen? Ist Reue eine Frage des Glaubens oder der persönlichen Überzeugung? Und wie weit darf jemand gehen, um eine vermeintlich gute Sache zu retten? Hinter dem unterhaltsamen Kriminalgeschehen verbergen sich damit durchaus ernsthafte Fragen nach Moral, Verantwortung und menschlicher Veränderung.
Die Verbindung von Religion und Verbrechen hat in der Kriminalliteratur eine lange Tradition. Schon Umberto Ecos „Der Name der Rose“ nutzte das Kloster als abgeschlossene Welt, in der sich Macht, Geheimnisse und Mord begegnen. Allerdings verfolgt „Beichte & Bestechung“ einen wesentlich leichteren Ansatz. Statt philosophischer Schwere dominieren schwarzer Humor, skurrile Charaktere und die Lust an überraschenden Verwicklungen.
Die besondere Stärke des Konzepts liegt in der Vielfalt der Perspektiven. Jede Autorin bringt ihre eigene Vorstellung davon ein, was einen gelungenen Krimi ausmacht. Dadurch entsteht ein literarisches Mosaik, das seinen Reiz gerade aus den unterschiedlichen Erzählweisen bezieht.
Allerdings birgt diese Konstruktion auch Risiken. Nicht jede Geschichte kann dieselbe Spannung entwickeln, nicht jede Pointe wird bei allen Leserinnen und Lesern gleichermaßen funktionieren. Auch die wechselnden Schreibstile können den Lesefluss gelegentlich unterbrechen. Wer einen streng durchkomponierten Kriminalroman mit kontinuierlich steigender Spannung erwartet, dürfte deshalb mit einer anderen Erwartung an das Buch herangehen müssen.
Frauen schreiben Krimis – und bestimmen die Spielregeln Auch der Hintergrund des Projekts verdient Aufmerksamkeit. Die beteiligten Schriftstellerinnen stehen teilweise dem Netzwerk der Mörderischen Schwestern nahe. Dieser Zusammenschluss engagiert sich für die Förderung deutschsprachiger Kriminalliteratur von Frauen und unterstützt Autorinnen bei ihrer literarischen Arbeit.
„Beichte & Bestechung“ zeigt, welches kreative Potenzial in einer solchen Zusammenarbeit steckt. Statt ausschließlich auf die individuelle Leistung einer einzelnen Schriftstellerin zu setzen, steht hier die gemeinsame Entwicklung einer Geschichte im Mittelpunkt. Die Autorinnen müssen Ideen teilen, Kompromisse eingehen und sich auf die Figuren und Handlungsentwicklungen ihrer Kolleginnen einlassen.
Dass daraus nach fünf Jahren tatsächlich ein veröffentlichtes Buch entstanden ist, kann bereits als bemerkenswerte Gemeinschaftsleistung gelten. Denn kreatives Schreiben ist häufig ein einsamer Prozess. Hier wurde daraus ein langfristiges Gemeinschaftsprojekt, bei dem unterschiedliche Temperamente, Erfahrungen und literarische Vorlieben zusammenfinden mussten.
Autorenlesung in der Gemeindebücherei Maisach Vor kurzem stellten Hannelore Koch, Bhavya Heubisch und Herausgeberin Thea Lehmann das Buch in der Gemeindebücherei Maisach vor. Die Veranstaltung bot die Gelegenheit, nicht nur ausgewählte Geschichten kennenzulernen, sondern auch mehr über die außergewöhnliche Entstehung des Werkes zu erfahren.
Im Anschluss waren die drei Autorinnen zu Gast in einer Extra-Ausgabe des Podcasts „Seitensprung“ der Gemeindebücherei Maisach. Büchereileiterin Beate Seyschab und Journalist Matthias J. Lange sprachen mit ihnen über das gemeinsame Schreiben, die Herausforderungen eines Projekts mit 15 Beteiligten und die Frage, wie aus zahlreichen individuellen Ideen eine zusammenhängende literarische Welt entstehen kann.
Hermann Hesse gehört zu jenen Schriftstellern, die viele Leser bereits in jungen Jahren entdecken und die sie anschließend ein Leben lang begleiten können. Dazu gehöre auch ich. Ich habe meinen Hesse geliebt. Und genau von einer solchen Beziehung handelt Hilmar Klutes Buch Hermann Hesse oder Der Aufbruch ins Leben aus dem C.H. Beck-Verlag. Es ist weder eine klassische Biografie noch eine streng literaturwissenschaftliche Untersuchung. Klute nähert sich Hesse vielmehr als Leser, Schriftsteller und Literaturkritiker. Er verbindet Hesses Lebensgeschichte mit dessen Werk und zugleich mit der eigenen Leseerfahrung. Daraus entstand ein sehr persönliches, aber keineswegs unkritisches Porträt eines Autors, dessen Gedanken Klute erstaunlich häufig auf die Gegenwart bezieht.
Die Struktur des Buches verrät bereits, worum es Klute geht. Seine Kapitel tragen Überschriften wie „Lesen und Schreiben“, „Gehen und Bleiben“, „Kinder und Eltern“, „Innen und Außen“, „Ich und die Anderen“, „Körper und Seele“, „Arbeit und Müßiggang“, „Dank und Gruß“, „Krieg und Frieden“ sowie „Ernst und Spaß“. Das sind bewusst Gegensatzpaare. Hesse erscheint dadurch nicht als Persönlichkeit, die sich auf eine einfache Formel reduzieren ließe, sondern als Mensch voller Spannungen und Widersprüche.
Ausgangspunkt ist Klutes eigene Begegnung mit Hesse. Als Jugendlicher aus einem nach eigener Beschreibung bildungsfernen Elternhaus entdeckt er Hesses Essay Eine Bibliothek der Weltliteratur. Diese Lektüre wird für ihn zu einer Art Initialzündung. Bildung erscheint plötzlich nicht mehr als schulische Pflicht oder gesellschaftliches Statussymbol, sondern als etwas, das seinen Wert in sich selbst trägt. Hesse wird zum Wegweiser in die Literatur. Entsprechend versteht Klute ihn nicht als autoritären Bildungsbürger, der einen Kanon vorschreibt, sondern als Begleiter, der zum selbstständigen Lesen ermutigt.
Hier liegt eine zentrale These des Buches: Hesses Literatur handelt vom Aufbruch. Der Mensch soll sich entwickeln, Gewissheiten überprüfen, Räume verlassen und seinen eigenen Weg suchen. Klute findet dieses Prinzip in Romanen wie Peter Camenzind, Demian, Siddhartha, Der Steppenwolf und Das Glasperlenspiel, aber ebenso in Essays, Gedichten und Briefen. Schon Peter Camenzind enthält für ihn wesentliche Lebensthemen Hesses: die Suche nach Wahrheit in unterschiedlichen Kulturen, die Selbstfindung durch Schreiben und die Vorstellung, dass Kindheit und Jugend entscheidende Voraussetzungen des späteren Lebens bilden.
Besondere Bedeutung erhält dabei das berühmte Gedicht „Stufen“. Klute löst es aus der etwas abgegriffenen Verwendung seiner bekanntesten Zeile vom „Zauber“ des Anfangs und liest es als ernsthafte Aufforderung zur Veränderung. Aufbruch bedeutet bei Hesse nicht zwangsläufig Fortschrittsoptimismus. Er kann schmerzhaft sein, mit Verlust verbunden und sogar scheitern. Entscheidend ist vielmehr die Bereitschaft, sich nicht im Erreichten einzurichten. Diese Haltung verbindet Klute auch mit Josef Knecht im Glasperlenspiel: Wissen und Bildung dürfen nicht zum abgeschlossenen Selbstzweck einer Elite werden, sondern müssen wieder in die Welt und zu den Menschen zurückkehren.
Klute zeichnet Hesse dabei keineswegs als makelloses Vorbild. Besonders deutlich wird das beim Thema Familie. Der Schriftsteller, der die Empfindungen und Verletzungen von Kindern außergewöhnlich sensibel darstellen konnte, erwies sich im eigenen Familienleben als schwieriger Vater. Nach der Trennung von seiner Frau Maria wurden die drei Söhne Bruno, Heiner und Martin anderen Menschen anvertraut. Klute betrachtet Hesses Selbstdeutung dieser Jahre mit deutlicher Distanz. Er erkennt einen Künstler, der sein eigenes Leiden sehr genau wahrnimmt, die Belastungen seiner Umgebung aber gelegentlich vor allem als zusätzliche Belastung für sich selbst versteht.
Hesse erscheint hier als „Beziehungsflüchtling“, der im Konfliktfall zum Rückzug neigte und sein Werk im Zweifel über familiäre Verpflichtungen stellte. Gerade diese Widersprüche machen Klutes Hesse-Porträt interessant. Der gefeierte Individualist brauchte andere Menschen. Der Einsiedler schrieb unzählige Briefe. Der Kritiker moderner Medien arbeitete selbst höchst produktiv journalistisch. Der Kulturpessimist war zugleich ein leidenschaftlicher Kulturenthusiast. Und der angeblich weltabgewandte Dichter war politischer, als sein verbreitetes Image vermuten lässt.
Dieser politische Hesse gehört für mich zu den stärksten Aspekten des Buches. Klute arbeitet insbesondere dessen Pazifismus heraus. Der Erste Weltkrieg erschütterte Hesses Vertrauen in Deutschland und dessen Kultur tief. Seine Ablehnung des Krieges brachte ihm massive Anfeindungen ein. Später erkannte er früh die Gefahren des Nationalismus und des Nationalsozialismus. Während der NS-Zeit unterstützten Hermann und Ninon Hesse Verfolgte und Emigranten; ihr Haus in Montagnola wurde zeitweise zum Zufluchtsort. Hesse versuchte außerdem, Visa und Papiere für Menschen auf der Flucht zu beschaffen.
Klute interpretiert das Glasperlenspiel vor diesem Hintergrund auch als geistige Gegenwelt zum Nationalsozialismus. Hesses Widerstand bestand demnach auf zwei Ebenen: in konkreter Unterstützung und publizistischer Opposition einerseits sowie in der literarischen Konstruktion einer Welt des Geistes andererseits. Hesses Individualismus bedeutet dabei gerade nicht Gleichgültigkeit gegenüber der Gesellschaft. Sein „Eigensinn“ soll den Einzelnen vielmehr widerstandsfähig gegen Ideologien, Massenbewegungen und vorgefertigte Wahrheiten machen.
Darin entdeckt Klute eine auffällige Aktualität. Hesses Skepsis gegenüber der Beschleunigung des Lebens, der Vermarktung von Kultur und der Übermacht von Medien verbindet er mit heutigen Erfahrungen von sozialen Netzwerken, Informationsüberflutung und künstlicher Intelligenz. Solche Gegenwartsbezüge sind bewusst zugespitzt. Klute behauptet nicht, Hesse habe unsere digitale Welt vorhergesagt. Er zeigt vielmehr, dass dessen Frage nach der Selbstständigkeit des Individuums unter dem Druck äußerer Einflüsse heute erneut gestellt werden kann.
Ein weiteres wichtiges Thema ist Hesses Verhältnis zu Krankheit, psychischen Krisen und dem Tod. Klute romantisiert diese dunklen Seiten nicht. Hesse erscheint als zeitweise schwer verzweifelter Mensch, der sich mit Gedanken an Selbsttötung beschäftigte. Gleichzeitig entdeckt Klute bei ihm eine überraschende Fähigkeit zur Selbstironie und zur Rückkehr ins Leben. Gerade in scheinbar kleinen Augenblicken kann die Todessehnsucht wieder in Lebensbejahung umschlagen. Der „Aufbruch ins Leben“ des Buchtitels bekommt dadurch eine tiefere Bedeutung: Aufbruch ist bei Hesse kein einmaliges biografisches Ereignis, sondern eine immer wieder notwendige Bewegung aus Erstarrung, Verzweiflung und Selbstverlust heraus.
Besonders sympathisch ist Klutes Versuch, mit einem weiteren Hesse-Klischee aufzuräumen: dem angeblich völlig humorlosen Dichter des deutschen Seelenschmerzes. Das letzte Kapitel „Ernst und Spaß“ zeigt einen Hesse, der parodieren, spotten und vor allem über sich selbst lachen konnte. Klute widerspricht ausdrücklich Kurt Tucholskys Urteil, Hesse fehle es an Humor und Selbstironie. Nicht alle humoristischen Texte Hesses seien gelungen, einige seien in ihrer Zivilisationskritik schlecht gealtert. Andere aber zeigten beträchtliches komisches Talent. Klute verweist zudem auf Hesses Bewunderung für Joachim Ringelnatz und Karl Valentin und sieht gerade in der Selbstironie einen wichtigen Bestandteil seines Wesens.
Auch Hesses umfangreiche Korrespondenz spielt eine wichtige Rolle. Sie korrigiert das Bild vom weltabgewandten Einsiedler. Hesse suchte das Gespräch und benötigte geistige Verbündete. Besonders die Verbindung mit Stefan Zweig und Romain Rolland interpretiert Klute als eine Art europäische Friedenskultur. Die Briefe sind für ihn deshalb nicht bloß biografisches Begleitmaterial, sondern Bestandteil von Hesses Werk.
Das Besondere an Hermann Hesse oder Der Aufbruch ins Leben besteht letztlich darin, dass Klute keinen Anspruch auf endgültige Deutung erhebt. Sein Buch ist eine Einladung zum Wiederlesen. Dabei verschweigt er seine Verehrung nicht. Hesse war für ihn eine prägende literarische Erfahrung, und diese persönliche Bindung bestimmt den Ton des gesamten Buches. Gerade deshalb ist Klutes Darstellung keine distanzierte Biografie. Sie ist vielmehr ein literarischer Essay über einen Schriftsteller und darüber, was Literatur im Leben eines Menschen bewirken kann.
Diese Nähe ist zugleich Stärke und mögliche Schwäche des Buches. Wer eine systematische Hesse-Biografie oder eine nüchterne literaturhistorische Neubewertung erwartet, wird hier nicht vollständig bedient. Klute verteidigt Hesse deutlich gegen manche seiner Kritiker und betrachtet ihn mit großer Sympathie. Gelegentlich geraten die Aktualisierungen – etwa bei sozialen Medien, Technik oder künstlicher Intelligenz – sehr nahe an unsere Gegenwart und entfernen sich damit vom historischen Hesse. Doch Klute macht aus dieser Subjektivität kein Geheimnis. Sein Verfahren besteht gerade darin, Hesse aus der musealen Distanz herauszuholen.
Daraus entsteht ein ausgesprochen zugängliches und lebendiges Buch. Klute zeigt Hesse nicht als bronzenen Nobelpreisträger, sondern als widersprüchlichen Menschen: verletzlich und selbstbezogen, großzügig und schwierig, weltabgewandt und politisch hellwach, depressiv und humorvoll, kulturkritisch und zugleich von Literatur und Kunst begeistert. Vor allem aber erscheint Hesse als Schriftsteller des Individuums. Seine zentrale Frage lautet in Klutes Lesart immer wieder: Wie kann ein Mensch unter dem Druck von Familie, Schule, Gesellschaft, Politik, Ideologien und eigenen Ängsten zu sich selbst finden, ohne sich von der Welt abzuwenden?
Gerade darin liegt die bleibende Aktualität, die Klute seinem Autor zuschreibt. Hesse liefert keine fertige Weltanschauung. Im Gegenteil: Er misstraut denjenigen, die solche Gewissheiten anbieten. Seine Literatur fordert dazu auf, selbst zu lesen, selbst zu denken, Zweifel auszuhalten und immer wieder neu anzufangen. Hilmar Klutes Buch macht überzeugend deutlich, weshalb diese Haltung Hermann Hesse weit über die Rolle eines einstigen Kultautors jugendlicher Sinnsucher hinaushebt. Es ist eine kenntnisreiche und bewusst persönliche Wiederentdeckung eines Schriftstellers, dessen Werk weniger Antworten bereithält als die Aufforderung, den eigenen Weg überhaupt erst zu suchen.
Verlassene Fabriken, vergessene Bauernhöfe, geplünderte Krankenhäuser und die Geschichten hinter zerfallenden Mauern: Im PresseClub München gewährte die Lost-Places-Fotografin Agnes Hörter faszinierende Einblicke in ihre Arbeit. Im Gespräch mit Matthias J. Lange, Beirat im Vorstand des PresseClubs München, sprach sie über die Ästhetik des Verfalls, ihre fotografische Leidenschaft, gefährliche Begegnungen, den verantwortungsvollen Umgang mit verlassenen Orten und die zerstörerischen Auswirkungen sozialer Medien. Die Veranstaltung bildete zugleich den Auftakt einer neuen Reihe zur Fotografie im PresseClub München.
Es sind Orte, die ihre ursprüngliche Bestimmung längst verloren haben. Gebäude, in denen einst Menschen lebten, arbeiteten, feierten oder litten. Heute stehen sie leer, verfallen langsam und werden von der Natur zurückerobert. Für viele Menschen sind solche Ruinen lediglich Schandflecken oder gefährliche Überreste vergangener Zeiten. Für Agnes Hörter dagegen sind sie faszinierende Zeitzeugen, die Geschichten erzählen. Die Fotografin beschäftigt sich seit vielen Jahren mit sogenannten Lost Places und hat ihre Entdeckungen bereits in drei Büchern dokumentiert. Hier die Aufzeichnung des Gesprächs im PresseClub.
„Ich bin fest davon überzeugt, dass jeder Ort seine Geschichte selbst erzählt“, erklärte Hörter im PresseClub München. „Der eine gibt mehr oder weniger von sich preis.“ Genau diese Geschichten sind es, die sie antreiben. Dabei geht es ihr nicht ausschließlich um spektakuläre Bilder, sondern um die Menschen, die Geschichte und die gesellschaftlichen Veränderungen, die sich hinter verlassenen Mauern verbergen.
Mit der Veranstaltung eröffnete der PresseClub München eine neue Reihe, die sich verstärkt der Fotografie widmen soll. Moderator Matthias J. Lange betonte zur Begrüßung die Bedeutung der Fotografie als Bestandteil journalistischer Arbeit. Bilder seien weit mehr als Illustrationen. Sie dokumentierten Wirklichkeit, vermittelten Zusammenhänge und könnten Geschichten erzählen, die sich mit Worten allein kaum beschreiben ließen. Mit Agnes Hörter habe man bewusst eine Fotografin eingeladen, die sich einem ungewöhnlichen fotografischen Genre verschrieben habe.
Eine verlassene Möbelfabrik als Beginn einer Leidenschaft
Der Ursprung von Hörters Begeisterung liegt in einer zufälligen Entdeckung. Bei einem Spaziergang stieß sie auf eine verlassene Möbelfabrik. Eine eingestürzte Industriehalle, überwucherte Gleise und die Überreste einer längst eingestellten Produktion weckten ihre Neugier. „Das ist schon irre, wenn man sich vorstellt, dass da mal produziert wurde und dann wachsen da Farne, kleine Bäume, Moose, Pilze“, erinnerte sie sich. „Da, wo früher gearbeitet wurde, das ist so ein ganz neuer kleiner Kosmos.“
Was von außen wie eine gewöhnliche Ruine ausgesehen habe, entpuppte sich im Inneren als geheimnisvolle Welt. „Das ist auch so ganz anders wie das, was man sonst sieht. Und das sieht man nicht, wenn man nicht in dieses Gebäude kommt.“ Aus dieser ersten Entdeckung entwickelte sich eine Leidenschaft, die Hörter bis heute nicht losgelassen hat. Die Faszination beginnt für sie bereits vor dem Betreten eines Gebäudes. „Ich glaube, in allererster Linie bin ich aufgeregt. Es ist spannend. Ich habe da was gefunden. Und dann juckt es mich so ein bisschen in den Fingern.“
Allerdings unterscheidet sie deutlich zwischen verlassenen Industrieanlagen und ehemaligen Wohnhäusern. Während Fabriken vor allem ihre Neugier auf technische und historische Zusammenhänge wecken, lösen zurückgelassene Wohnungen und Bauernhöfe häufig ganz andere Gefühle aus. „Ich glaube, das berührt einen schon, wenn du plötzlich in einem Zimmer stehst und da ist noch ganz viel drin“, sagte Hörter. „Da fühlt man sich dann schon so als Eindringling.“
Besonders bewegend sei der Anblick vollständig eingerichteter Häuser, deren Bewohner offenbar eines Tages verschwunden seien. Möbel, Kleidung, Zeitungen und persönliche Gegenstände ließen erahnen, wie die Menschen einst gelebt hätten. „Das ist dann auch so ein Moment, wo man sich überlegt: Mache ich das jetzt eigentlich? Gucke ich mich in einem fremden Leben um oder lasse ich es lieber?“ Ihre Antwort fiel bemerkenswert offen aus: „Aber meistens, muss ich zugeben, bin ich einfach zu neugierig und das ist zu spannend.“
Wenn verlassene Häuser von Einsamkeit erzählen
Wie intensiv sich Hörter mit den Geschichten hinter ihren Motiven beschäftigt, verdeutlichte sie anhand eines verlassenen Bauernhofs. Dessen ehemaliger Bewohner war ein hochdekorierter Feuerwehrkommandant gewesen. In seinen letzten Lebensjahren hatte er offenbar nur noch wenige Räume im Erdgeschoss genutzt. Die oberen Stockwerke waren über Jahrzehnte weitgehend unverändert geblieben, während Teile des Gebäudes bereits einstürzten.
Für die Fotografin entstand daraus ein berührendes Bild menschlicher Vergänglichkeit. Wie konnte ein Mann, der beruflich große Verantwortung getragen hatte, am Ende unter derart schwierigen Bedingungen leben? „Da fragt man sich unwillkürlich, was ist da passiert?“, erzählte Hörter. Vielleicht sei der Mann zu stolz gewesen, um Hilfe anzunehmen. Vielleicht habe er seine Selbstständigkeit nicht aufgeben wollen. Sie machte allerdings deutlich, dass solche Überlegungen Interpretationen seien und keine gesicherten Erkenntnisse. „Das sind natürlich alle Spekulationen.“
Gerade hier zeigte sich die besondere Verbindung zwischen Fotografie und journalistischem Erzählen. Denn Hörter möchte nicht bloß den Verfall dokumentieren. Sie versucht, den Menschen hinter den zurückgelassenen Gegenständen gerecht zu werden. „Ich glaube, es gibt auch eine Grenze dessen, was man zeigen kann oder zeigen sollte.“
Im Fall des ehemaligen Feuerwehrkommandanten entschied sie sich deshalb, vor allem die erhalten gebliebenen schönen Wohnbereiche und dessen Engagement bei der Feuerwehr zu dokumentieren. Die Verwahrlosung sollte nicht im Mittelpunkt stehen. „Man muss ja nicht das Schlechte hervorheben“, betonte sie.
Damit berührte das Gespräch eine zentrale Frage des dokumentarischen Journalismus: Darf alles gezeigt werden, nur weil es fotografiert werden kann? Und welche Verantwortung trägt derjenige, der private Lebensgeschichten öffentlich macht? Für Hörter gehört der Respekt vor den früheren Bewohnern untrennbar zu ihrer fotografischen Arbeit.
Die Fotografie zwischen Dokumentation und Kunst
Ein weiterer Schwerpunkt des Gesprächs war die fotografische Arbeitsweise. Hörter besitzt eine künstlerische Ausbildung, betrachtet ihre Arbeit aber nicht ausschließlich unter ästhetischen Gesichtspunkten. „Ich glaube, jedes Foto ist irgendwo auch ein bisschen künstlerisch“, erklärte sie.
Entscheidend sei zunächst, die besondere Atmosphäre eines Ortes einzufangen. Dabei arbeite sie mit vergleichsweise überschaubarer Ausrüstung. Neben einer kleinen Digitalkamera nutzt sie inzwischen eine zweite Kamera, ein Weitwinkelobjektiv, ein Stativ und bei Bedarf zusätzliche Beleuchtung. Die Ausrüstung müsse vor allem zuverlässig funktionieren. Schließlich seien die Bedingungen in verlassenen Gebäuden selten ideal. Häufig herrsche Zeitdruck, Räume seien dunkel und manche Orte könnten nur schwer erreicht werden. „Manchmal weißt du einfach, du hast nicht viel Zeit, du musst dich beeilen. Dann brauchst du eine kleine Kamera, auf die du dich verlassen kannst.“
Bei größeren Fabrikanlagen könne eine fotografische Erkundung durchaus sechs oder acht Stunden dauern. Deshalb gehörten neben Kameras und Taschenlampen auch Proviant und Verbandsmaterial zur Ausrüstung. Hörter versucht, jeden Raum möglichst vollständig zu dokumentieren. Neben Gesamtansichten entstehen Detailaufnahmen von Maschinen, Möbeln, Werkzeugen oder persönlichen Gegenständen. „Ich versuche immer, das Raum für Raum vorzugehen“, beschrieb sie ihre Methode.
Dabei habe sie durchaus aus Fehlern gelernt. Einmal sei sie aus einem großen Bauernhaus mit zahlreichen gelungenen Detailaufnahmen zurückgekehrt, habe aber vergessen, einen besonders interessanten Raum vollständig zu fotografieren. „Da habe ich mich aber geärgert.“
Die digitale Nachbearbeitung ihrer Bilder hält Hörter bewusst zurückhaltend. Sie fotografiert überwiegend im JPEG-Format und korrigiert anschließend vor allem Kontraste, Helligkeit und Farben. „Ich versuche vorrangig, die Stimmung vor Ort zu transportieren. Und im Grunde braucht es da nicht sehr viel.“ Auch HDR-Techniken setzt sie gelegentlich ein, etwa um verborgene Strukturen oder alte Tapetenmuster sichtbar zu machen. Allerdings gilt für sie der Grundsatz: „So wenig wie möglich, nur das, was nötig ist.“
Besonders interessant war ihre Haltung zum Bewegtbild. Obwohl sie mittlerweile auch eine Drohne besitzt, möchte sie sich nicht unbedingt zur Videoproduzentin entwickeln. „Ich glaube, Videos wird nicht so mein Ding“, sagte sie. Das Internet sei bereits von zahllosen, häufig reißerisch aufgemachten Videos überschwemmt. Sie sehe keinen Grund, sich diesem Trend anschließen zu müssen.
Drohnen eröffnen neue Perspektiven
Die Drohnenfotografie betrachtet Hörter dagegen als wertvolle Ergänzung ihrer Arbeit. Gerade bei weitläufigen Industrieanlagen ermögliche der Blick aus der Luft Erkenntnisse, die vom Boden aus kaum zu gewinnen seien. „Denn eine große Kristallfabrik oder so, du kriegst ja diesen ganzen Komplex nie zusammen“, erläuterte sie.
Aus 60 oder 70 Metern Höhe ließen sich beispielsweise Produktionshallen, Lagerflächen und Transportwege erkennen. Mitunter würden dadurch sogar historische Produktionsabläufe verständlich. Auch ehemalige Schwimmbäder oder Freizeitparks entwickelten aus der Vogelperspektive eine eigene Ästhetik. Die Anordnung von Wasserbecken, Rutschen und Gebäuden werde erst aus der Luft vollständig sichtbar.
Hörter betonte allerdings, dass der Einsatz einer Drohne zusätzliche technische Kenntnisse und die Beachtung gesetzlicher Vorschriften erfordere. Besonders bei Flügen innerhalb einsturzgefährdeter Gebäude sei sie zurückhaltend.
Wenn aus Fotografieren ein Polizeieinsatz wird
Dass Lost-Places-Fotografie nicht nur romantische Entdeckungen bereithält, sondern durchaus gefährlich werden kann, verdeutlichte Hörter mit einer spektakulären Geschichte aus Hessen. Gemeinsam mit zwei Begleitern erkundete sie einen verlassenen Krankenhauskomplex. Die Eingangstür stand offen. Im Keller begegnete die Gruppe zunächst mehreren mutmaßlichen Kabeldieben, die sich beim Anblick der Fotografen erschreckten und flüchteten.
Die Fotografen setzten ihre Erkundung fort. Wenig später hörte Hörter plötzlich schwere Schritte und den Ruf: „Hände hoch, Polizei!“ Zunächst glaubte sie an einen Scherz anderer Besucher. Doch die Situation wurde schnell ernst. Schwer ausgerüstete Polizisten durchsuchten das Gebäude und kontrollierten ihre Begleiter. „In dem Moment merkst du, okay, das ist ernst.“
Hörter selbst hatte sich zunächst in einem Raum aufgehalten und wurde schließlich ebenfalls entdeckt. Rückblickend berichtete sie mit trockenem Humor von ihrer Reaktion. „Ich war vielleicht so schockiert, dass ich gar keine Angst mehr haben konnte. Ich war eigentlich nur besorgt um meine Fotos.“
Wie sich herausstellte, waren die Fotografen mitten in eine verdeckte Polizeiaktion gegen Kabeldiebe geraten. „Das war echt ungünstig“, kommentierte Hörter die Situation. Nachdem die Personalien aufgenommen worden waren, durfte die Gruppe das Gebäude verlassen. Konsequenzen habe die Begegnung für sie nicht gehabt.
Eine weitere abenteuerliche Geschichte spielte in einem ehemaligen Swingerclub, dessen Räume aufwendig künstlerisch gestaltet worden waren. Ein Ägyptenzimmer, ein Dschungelzimmer und weitere Themenräume machten das Gebäude zu einem außergewöhnlichen fotografischen Motiv. Allerdings fühlten sich Hörter und ihre Begleitung zunehmend unwohl. Als im Keller plötzlich ein rotes Warnlicht aufleuchtete, ertönte der vereinbarte Alarmruf: „Lauf!“
„Was dazu geführt hat, dass ich dann einen Hechtsprung aus dem Fenster gemacht habe. James Bond hätte es nicht besser machen können.“
Nach Hörters Schilderung gehörte das Gebäude einer Rockergruppe. Ob tatsächlich Gefahr bestanden habe, blieb offen. Hörter war jedenfalls froh, den Ort verlassen zu haben. Solche Erlebnisse seien jedoch keineswegs der Grund, weshalb sie Lost Places fotografiere. Auf die Frage nach ihrer Abenteuerlust erklärte sie: „Da bin ich eher so zurückhaltend. Abenteuer brauche ich nicht unbedingt. Also manchmal ist mir das entspannte Fotografieren lieber.“
„Zu ist zu“ – der schwierige Ehrenkodex der Lost-Places-Szene
Ausführlich diskutierten Hörter und Lange über die rechtlichen und moralischen Grenzen der Lost-Places-Fotografie. Ein Grundsatz, den Hörter auch in ihren Büchern vertritt, lautet: „Zu ist zu.“
Sie selbst breche keine Türen auf und zerstöre keine Schlösser. Gleichzeitig räumte sie offen ein, dass viele ihrer fotografischen Entdeckungen nur deshalb möglich seien, weil andere Menschen zuvor unbefugt Zugänge geschaffen hätten. „Die Krux an der Geschichte ist, ich würde in die meisten Gebäude ja nicht reinkommen, wenn nicht vorher jemand eingebrochen oder aufgebrochen hätte.“
Das sei ein Widerspruch, mit dem sie leben müsse. Viel lieber würde sie offizielle Genehmigungen erhalten. Doch gerade bei leerstehenden Gebäuden seien Eigentumsverhältnisse häufig kompliziert und Ansprechpartner schwer zu erreichen. „Es wäre mir schon lieber, ich würde eine Genehmigung bekommen. Aber da rennst du ja oft gegen Wände.“
Hörter warnte zugleich davor, die gesamte Lost-Places-Szene pauschal als verantwortungsbewusste Gemeinschaft darzustellen. „Es heißt immer, ja, das sind die Lost-Place-Fotografen, die machen sowas nicht. Aber ich glaube, es gibt nichts, was es nicht gibt.“
Tatsächlich gebe es auch Fotografen, die Motive bewusst zerstörten, nachdem sie ihre eigenen Bilder aufgenommen hätten, damit andere diese Aufnahmen nicht mehr machen könnten. „Ich glaube, es ist schon so ein bisschen eine Blase zu sagen, wir sind die Guten.“ Der Ehrenkodex existiere durchaus noch. Doch Hörter beobachtet mit Sorge, dass er zunehmend an Bedeutung verliere.
Wenn die Veröffentlichung zur Zerstörung führt
Besonders eindringlich wurde das Gespräch, als es um die Verantwortung von Medien und sozialen Netzwerken ging. Hörter machte deutlich, dass die Veröffentlichung von Lost-Places-Fotografien schwerwiegende Folgen für die dokumentierten Orte haben könne. „Man sagt immer so, die sozialen Medien sind dafür verantwortlich. Ich habe aber die Erfahrung gemacht, dass es auch Presseberichte sind. Ganz eindeutig.“
Problematisch seien vor allem Veröffentlichungen, die genaue Standorte nennen und zugleich darauf hinweisen, dass Gebäude unbewacht seien. „Gerade wenn noch explizit herausgearbeitet wird, dass da schon lange keiner mehr ist und da sich niemand drum kümmert.“
Als Beispiel schilderte sie eine ehemalige Westernstadt bei Nürnberg. Nachdem ein Onlineartikel über den verlassenen Ort erschienen war, hätten sich zahlreiche Besucher auf den Weg gemacht. Innerhalb kürzester Zeit seien Zäune beschädigt, Gegenstände gestohlen und Scheiben eingeschlagen worden. „Es ist wirklich ein echtes Problem.“
Die Entwicklung habe sich durch soziale Medien dramatisch beschleunigt. Während sich früher kleine Gruppen von Fotografen untereinander austauschten, würden heute Standortdaten teilweise systematisch gesammelt und sogar verkauft. „Inzwischen werden Apps gemacht. Du kannst dir eine App runterladen, die dir, wenn du rumfährst, gleich bimmelt, wenn da irgendwo was ist.“
Teilweise würden Koordinaten gegen Bezahlung angeboten. Was früher mühsame Recherche erforderte, sei heute mit wenigen Klicks verfügbar. „Heute kann es wirklich eine Woche dauern. Ein Ort wird gefunden, kommt in so eine Karte. Du siehst zehn, zwanzig, dreißig Fotos, Videos und Filmchen im Internet. Und danach war es das.“
Besonders erschütternd sei die Entwicklung bei verlassenen Schwimmbädern, Krankenhäusern und Hotels. Ein bekannt gewordener Standort ziehe nicht nur Fotografen an, sondern auch Diebe, Randalierer und Menschen, die gezielt Zerstörung suchten.
Der Rosenhof: Ein Beispiel für den Verlust eines Kulturguts
Eine besonders traurige Geschichte erzählte Hörter über einen alten Bauernhof, den sie als Rosenhof bezeichnete. Das Gebäude war liebevoll eingerichtet und dekoriert worden. Möbel, Bilder und zahlreiche persönliche Gegenstände vermittelten einen Eindruck vom früheren Leben seiner Bewohner. Ein wunderschöner Rosengarten ergänzte das Anwesen.
Doch nachdem Aufnahmen des Hauses im Internet aufgetaucht waren, begann dessen Plünderung. Ein Bekannter habe ihr schließlich Bilder von Möbeln geschickt, die auf einer tschechischen Kleinanzeigenplattform angeboten wurden. Hörter erkannte die Einrichtungsgegenstände des Bauernhofs wieder. „Und beim Ranzoomen hat man gesehen, auch die Farbfehler. Das waren genau die Möbel aus diesem Hof.“
Offenbar waren große Teile der Einrichtung systematisch abtransportiert worden. „Es ist komplett ausgeräumt worden.“ Als Hörter später zurückkehrte, fand sie ein verwüstetes Gebäude vor. Die einstige Atmosphäre war unwiederbringlich zerstört.
Besonders bitter: Die Erben hatten offenbar versucht, das Anwesen zu schützen. Nach Hörters Schilderung deuteten Aufnahmen einer Überwachungskamera auf den Abtransport von Gegenständen hin. „Und das alles, weil es ein Video im Internet gab“, sagte Hörter.
Die Geschichte verdeutlichte ein grundlegendes Dilemma ihrer Arbeit: Fotografien können historische Orte bewahren, indem sie deren Zustand dokumentieren. Gleichzeitig können genau diese Bilder Menschen anlocken, die zur endgültigen Zerstörung beitragen.
Respektlosigkeit, Vandalismus und die Frage nach den Ursachen
Im weiteren Verlauf berichtete Hörter von zahlreichen verlassenen Gebäuden, die nach ihrer Entdeckung mutwillig zerstört wurden. Besonders erschütternd sei für sie der Zustand einer ehemaligen Klinik in Höchenschwand im Schwarzwald gewesen. „Das sind so Momente, die machen mich wirklich sprachlos und wütend.“
Dabei gehe es längst nicht mehr ausschließlich um Diebstahl. Zwar würden professionelle Täter weiterhin Kupferleitungen, Kabel und andere wertvolle Materialien aus leerstehenden Gebäuden entfernen. Doch daneben gebe es Menschen, die offenbar aus reiner Zerstörungslust handelten. „Wirklich zu fünft, zu sechst nachts in so ein Gebäude einzudringen und es von oben bis unten klein zu klopfen. Das ist leider so.“
Auf die Frage aus dem Publikum, woher diese Wut komme, konnte auch Hörter keine abschließende Antwort geben. „Ich glaube, es gibt wirklich Leute, die Frust ablassen wollen.“
Sie schilderte einen ehemaligen Hotelkomplex am Tegernsee, in dem Waschbecken, Türen und andere Einrichtungsgegenstände mit einer Axt zerstört worden waren. Gleichzeitig hätten Diebe bereits Metallbeschläge für den Abtransport bereitgelegt. Besonders bemerkenswert sei gewesen, dass sich das Gebäude mitten in einem belebten Ort befunden habe. „Also auch wenn das sehr prominent ist, das Hausgebäude, das hilft nicht, dass so was passiert.“
Hörter kritisierte außerdem eine Entwicklung, bei der sich Menschen beim Eindringen in verlassene Gebäude selbst filmten und ihre Aktionen anschließend in sozialen Netzwerken veröffentlichten. „Inzwischen siehst du ganz viele Videos, wo sich Leute zeigen, wie sie in ein Gebäude einsteigen.“
Hinzu komme eine zunehmende Inszenierung. Gegenstände würden verschoben, Räume dekoriert oder zurückgelassene Kostüme für Videos verwendet. Für Hörter ist dies mit ihrer Vorstellung dokumentarischer Fotografie kaum vereinbar. „Ich fasse ja teilweise nicht mal was an“, erklärte sie. „Und ich finde auch, dass es sehr respektlos diesem Ort gegenüber ist.“
Selbst vermeintlich gut gemeinte Aufräumaktionen betrachtet sie kritisch. Denn wenn Menschen Möbel umstellen, Müll beseitigen und Räume dekorieren, verändern sie den ursprünglichen Zustand und damit die Geschichte des Ortes. Allerdings räumte sie ein: „Die Leute sind mir dann doch lieber als die, die alles zerstören.“
Industriekultur als Gedächtnis einer Gesellschaft
Eine besondere Leidenschaft entwickelt Hörter für historische Industrieanlagen, insbesondere in den ostdeutschen Bundesländern. Dort dokumentiert sie nicht nur verlassene Fabriken, sondern beschäftigt sich intensiv mit der wirtschaftlichen und technischen Vergangenheit. „Es macht mich manchmal auch sprachlos, wenn ich sehe, was da passiert ist“, erklärte sie.
Besonders faszinierend sei für sie die Vielfalt der ehemaligen volkseigenen Betriebe der DDR. „Ich hätte gar nicht gewusst, es gab auch wirklich für alles eine Fabrik. Nur für Hausschuhe. Und eine Fabrik nur für irgendwelche Bolzen.“
Je intensiver sie sich mit einem Betrieb beschäftige, desto mehr Zusammenhänge würden sichtbar. Lieferketten, Produktionsverfahren und Verbindungen zwischen verschiedenen Unternehmen ergäben ein immer komplexeres Bild. „Man hat mal so angefangen zu graben. Das wird immer größer.“
Gerade die historische Industriekultur sei deshalb für sie ein nahezu unerschöpfliches Forschungsgebiet. Hörter verwies dabei auch auf die Veränderungen durch Digitalisierung und künstliche Intelligenz. Wie frühere industrielle Umbrüche würden auch diese Entwicklungen Unternehmen, Produktionsstätten und ganze Berufsbilder verändern.
Die Frage, welche Spuren unsere heutige Gesellschaft für kommende Generationen hinterlassen werde, schwang dabei mit. Während historische Fabriken mit ihren Backsteinfassaden, Maschinenhallen und Schornsteinen häufig eine besondere architektonische Qualität besäßen, könnten moderne Zweckbauten diese Faszination möglicherweise nur schwer vermitteln.
Ein viertes Buch über Kunst in Ruinen
Neben ihren bisherigen drei Büchern arbeitet Agnes Hörter bereits an einem weiteren Projekt. Diesmal soll es um die Verbindung zwischen verlassenen Gebäuden und zeitgenössischer Kunst gehen. Im Mittelpunkt stehen Graffiti, großflächige Wandbilder und künstlerische Installationen in ehemaligen Industrieanlagen.
Dabei unterscheidet Hörter deutlich zwischen wahllosen Schmierereien und anspruchsvoller Street-Art. „Aber es gibt auch richtig gute Leute“, sagte sie über die Graffiti-Künstler. „Und da habe ich so nach und nach Sachen gesehen, da war ich echt sprachlos und hab mir gedacht, das muss ich den Leuten zeigen.“
Das geplante Buch soll deshalb nicht nur fotografische Dokumentationen enthalten, sondern auch einzelne Künstler porträtieren. Besonders interessant findet Hörter organisierte Kunstprojekte, bei denen leerstehende Industriegebäude vorübergehend für internationale Künstler geöffnet werden.
Dabei entstehen großformatige Wandbilder, Installationen und andere Kunstwerke, die den verlassenen Räumen für kurze Zeit neues Leben verleihen. Anschließend können Besucher die Gebäude im Rahmen von Veranstaltungen besichtigen. Historische Führungen vermitteln zusätzlich die ursprüngliche Bedeutung der Anlagen.
Für Hörter ist das ein überzeugendes Konzept: Industriekultur wird nicht einfach dem Verfall überlassen, sondern für Kunst und Öffentlichkeit neu erschlossen.
Wie groß ihre Leidenschaft für besondere Motive ist, zeigte eine weitere Geschichte. Jahrelang hatte sie nach einem außergewöhnlichen Graffiti in einem ehemaligen Kraftwerk gesucht. Schließlich gelang es ihr, den Standort durch aufwendige Recherchen einzugrenzen. Als sich eine Gelegenheit ergab, konnte sie das Gebäude schließlich fotografisch erkunden. „Wir haben sechs Stunden lang gesucht, nur für dieses eine Foto.“ Ein Aufwand, der eindrucksvoll verdeutlicht, wie viel Geduld und Beharrlichkeit hinter ihren Bildern stecken.
Schiffswracks als neue fotografische Herausforderung
Zum Abschluss des moderierten Gesprächs richtete Matthias J. Lange den Blick auf einen weiteren Traum der Fotografin: die Dokumentation versunkener Schiffe. „Ja, definitiv“, antwortete Hörter auf die Frage, ob diese Idee noch aktuell sei.
Bereits an der französischen Atlantikküste hatte sie zwei Schiffswracks entdeckt, die bei Niedrigwasser zugänglich waren. Mithilfe von Satellitenbildern und Informationen über die Gezeiten gelang es ihr, die Überreste aufzuspüren. „Wir hatten dann ungefähr eine halbe Stunde Zeit, um die dann zu fotografieren.“
Besonders beeindruckend seien die Drohnenaufnahmen gewesen, auf denen sich die Wracks im Sand und im zurückkehrenden Wasser abzeichneten. Inzwischen hat Hörter sogar eine Unterwasserdrohne angeschafft. Erste Versuche auf bayerischen Seen erwiesen sich allerdings als schwieriger als erwartet. „Ich hatte null Ahnung, wo dieses Ding unter Wasser rumfährt.“
Vor allem die schlechte Sicht unter Wasser mache die Navigation kompliziert. Doch aufgeben möchte sie nicht. „Ich habe es noch nicht aufgegeben. Die meisten Wracks werden ja auch noch eine Weile liegen bleiben.“ Damit dürfte sich für die Fotografin möglicherweise ein weiteres Kapitel ihrer Arbeit eröffnen.
Eine Archäologin der jüngeren Vergangenheit?
In der anschließenden Publikumsdiskussion wurden Fragen nach Eigentumsrechten, Drohnenvorschriften, Vandalismus und dem gesellschaftlichen Wert der Lost-Places-Fotografie vertieft. Besonders interessant war die Frage eines Besuchers, ob Hörter sich als eine Art Archäologin verstehe. „Werden Sie beleidigt, wenn ich Sie als Archäologin bezeichne?“, wollte er wissen. „Nein, überhaupt nicht“, antwortete sie.
Tatsächlich gibt es bemerkenswerte Parallelen zwischen ihrer Arbeit und archäologischer Forschung. Beide beschäftigen sich mit den materiellen Hinterlassenschaften vergangener Lebenswelten. Beide versuchen, aus Gegenständen, Gebäuden und räumlichen Zusammenhängen Rückschlüsse auf die Menschen zu ziehen, die diese Orte einst nutzten.
Allerdings handelt es sich bei Hörters Arbeit nicht um wissenschaftliche Archäologie, sondern um eine Verbindung aus fotografischer Dokumentation, historischer Recherche und persönlicher Interpretation. Gerade diese Mischung macht ihre Bilder und Bücher interessant. Sie dokumentiert nicht nur den Zustand eines Gebäudes, sondern fragt nach seiner ursprünglichen Funktion, seinen Bewohnern und seiner Bedeutung für die Gesellschaft.
Dabei kommt ihr eine Eigenschaft zugute, die auch für journalistische Arbeit unverzichtbar ist: Neugier. „Also mich interessiert es unheimlich“, erklärte sie über ihre historischen Recherchen. „Und wenn ich sowas finde, dann muss ich auch immer gucken, dass das nicht alles zu ausufernd wird.“
Die Fotografien bilden den Ausgangspunkt. Doch häufig beginnt die eigentliche Geschichte erst danach.
„Diese verlorenen Orte sind für mich Orte der Ruhe und der Stille“
Die vielleicht persönlichste Antwort des Abends gab Agnes Hörter auf die Frage nach ihrer tiefsten Motivation. Warum zieht es sie immer wieder in verlassene Gebäude, obwohl diese oft schmutzig, gefährlich und schwer zugänglich sind? Warum verbringt sie Stunden in dunklen Fabrikhallen, einsturzgefährdeten Bauernhäusern und überwucherten Industrieanlagen?
Hörter verwies auf eine Fernsehdokumentation über ihr Leben, die unter dem Titel „Weibsbilder“ im Bayerischen Fernsehen gezeigt wurde. Darin werde deutlich, was diese Orte für sie persönlich bedeuteten. „Diese verlassenen, verlorenen Orte, wo andere sich gruseln, die sind eher für mich Orte der Ruhe und der Stille.“
Gerade die Abwesenheit anderer Menschen mache einen wesentlichen Teil ihrer Faszination aus. „Ich möchte auch am liebsten niemandem begegnen. Ich hasse das, wenn da noch andere rumlaufen.“ Was für Außenstehende wie eine unwirtliche Ruine erscheint, empfindet Hörter als Rückzugsort. „Aber für mich ist das so eine Oase der Stille, der Ruhe. Und das zieht mich an.“
Dann wurde die Fotografin ungewöhnlich persönlich. Vielleicht, so überlegte sie, gebe es eine Verbindung zwischen den verlassenen Orten und eigenen Erfahrungen aus ihrer Kindheit. „Diese verlorenen Orte haben so ein bisschen auch das, was ich vielleicht als Kind so, diese Verlorenheit, die ich hatte.“
Es sei schwer, diese Verbindung genau zu erklären. Doch sie spüre, dass darin ein wesentlicher Teil ihrer Motivation liege. „Wir haben uns da schon irgendwie gefunden.“
Dabei romantisiere sie die tatsächlichen Bedingungen keineswegs. „Es stinkt, es ist dreckig, man saut sich ein. Du musst gucken, wegen Schimmel und Zeug. Es ist, weiß Gott, nichts, was irgendwie heimelig ist.“ Ein gewöhnlicher Spaziergang im Wald wäre sicherlich angenehmer. „Aber ich kann es nicht lassen.“
Mit diesen Worten endete ein ebenso unterhaltsamer wie nachdenklich stimmender Abend im PresseClub München. Moderator Matthias J. Lange dankte Agnes Hörter für ihre Offenheit, ihre eindrucksvollen Fotografien und die vielen persönlichen Geschichten. Zugleich kündigte er an, dass sich der PresseClub künftig verstärkt mit unterschiedlichen Facetten der Fotografie beschäftigen wolle.
Der Auftakt machte deutlich, wie eng Fotografie, Geschichtsschreibung und Journalismus miteinander verbunden sind. Bilder können Erinnerungen bewahren, historische Zusammenhänge sichtbar machen und Menschen für den Wert vergessener Orte sensibilisieren. Sie können allerdings auch Begehrlichkeiten wecken und damit unbeabsichtigt zur Zerstörung dessen beitragen, was sie dokumentieren.
Agnes Hörter bewegt sich seit Jahren in diesem Spannungsfeld. Ihre Fotografien sind Momentaufnahmen einer verschwindenden Welt, ihre Bücher zugleich Erinnerungsarbeit und persönliche Spurensuche.
Am Ende blieb vor allem eine Erkenntnis: Verlassene Orte sind nicht geschichtslos. Ihre Geschichten sind lediglich verstummt. Menschen wie Agnes Hörter sorgen dafür, dass sie wieder gehört und gesehen werden – bevor die letzten Spuren für immer verschwinden.
Verlassene Fabrikhallen, zerfallene Schlösser, aufgegebene Krankenhäuser, stillgelegte Bahnhöfe oder längst vergessene Hotels: Sie alle haben etwas gemeinsam. Einst waren sie voller Leben, heute herrscht dort Stille. Die Natur erobert sich langsam zurück, was der Mensch hinterlassen hat. Fenster zerbrechen, Farbe blättert von den Wänden, Feuchtigkeit dringt in das Mauerwerk und Pflanzen wachsen durch die Böden. Was auf den ersten Blick wie ein trauriges Zeugnis des Verfalls erscheint, entwickelt für immer mehr Fotografen eine geradezu magische Anziehungskraft. Die sogenannte Lost-Places-Fotografie hat sich zu einer eigenständigen fotografischen Ausdrucksform entwickelt, die dokumentarische Arbeit, künstlerische Gestaltung und historische Spurensuche miteinander verbindet. Ich darf am Dienstag, 13. Oktober um 11 Uhr im PresseClub München eine Diskussionsrunde mit der Fotografin Agnes Hörter durchführen. Anmeldung und Infos hier.
Der Begriff „Lost Places“ stammt aus dem Englischen und bezeichnet verlassene oder aufgegebene Orte. Häufig handelt es sich um Gebäude, die ihre ursprüngliche Funktion verloren haben und seit Jahren oder Jahrzehnten nicht mehr genutzt werden. Manche stehen unmittelbar vor dem Abriss, andere befinden sich in einem langsamen Prozess des Verfalls. Wieder andere sind bereits von der Natur überwuchert und kaum noch als ehemalige menschliche Lebensräume zu erkennen. Für Fotografen bieten diese Orte eine außergewöhnliche Mischung aus Architektur, Geschichte, Licht und Atmosphäre.
Dabei geht es keineswegs ausschließlich um spektakuläre Ruinen oder den Nervenkitzel, einen verlassenen Ort zu betreten. Gute Lost-Places-Fotografie ist vor allem eine Form visueller Geschichtsschreibung. Die Bilder dokumentieren, wie Menschen früher gelebt, gearbeitet und ihre Freizeit verbracht haben. Eine verlassene Werkbank mit zurückgelassenem Werkzeug erzählt von industrieller Produktion, ein gedeckter Tisch in einem aufgegebenen Gasthaus von vergangenen Begegnungen und ein verstaubtes Kinderzimmer von einer Familie, deren Geschichte längst an einem anderen Ort weitergegangen ist.
Besonders faszinierend ist dabei die eigentümliche Gegenwart der Vergangenheit. In vielen verlassenen Gebäuden scheint die Zeit stehen geblieben zu sein. Kalender hängen noch an den Wänden, Zeitungen liegen auf Tischen, Aktenordner stehen in Regalen und Maschinen warten scheinbar darauf, wieder eingeschaltet zu werden. Die Menschen sind verschwunden, doch ihre Spuren sind geblieben. Genau diese Spannung zwischen Anwesenheit und Abwesenheit macht einen wesentlichen Teil der fotografischen Faszination aus.
Eine Fotografin, die sich dieser besonderen Bildwelt mit großer Leidenschaft widmet, ist Agnes Hörter. In unserem Gespräch im Presseclub werden wir ausführlich diskutieren.
Hörter interessiert sich sowohl für monumentale Industrieanlagen als auch für kleine, unscheinbare Gebäude. Besonders beeindruckt ist sie von ehemaligen Industriestandorten wie der Maxhütte oder der Völklinger Hütte. Dort bilden gewaltige Maschinen, rostige Rohre, Schornsteine und weitläufige Produktionshallen eine faszinierende Kulisse. Gleichzeitig berühren sie die persönlichen Hinterlassenschaften in verlassenen Wohnhäusern und Gaststätten. Eine zurückgelassene Brille, eine Zeitung oder eine Wasserflasche können dabei eine ebenso starke emotionale Wirkung entfalten wie eine riesige Fabrikhalle.
Ihre fotografische Herangehensweise ist bemerkenswert zurückhaltend. Hörter versucht, die Orte möglichst authentisch zu dokumentieren. Aufwendige Inszenierungen oder künstlich arrangierte Szenen stehen nicht im Mittelpunkt. Vielmehr möchte sie die Atmosphäre festhalten, die sie beim Betreten eines Gebäudes vorfindet. Damit bewegt sie sich zwischen klassischer Dokumentarfotografie und künstlerischer Interpretation.
Technisch stellt die Lost-Places-Fotografie besondere Anforderungen. Viele Gebäude verfügen über keine funktionierende Stromversorgung. Die Lichtverhältnisse sind schwierig, Fenster teilweise zugemauert oder durch Pflanzen verdeckt. Häufig dringt nur wenig Tageslicht in die Räume. Gerade diese Bedingungen können jedoch außergewöhnliche fotografische Ergebnisse ermöglichen.
Ein einzelner Sonnenstrahl, der durch ein zerbrochenes Fenster fällt und Staubpartikel sichtbar macht, kann eine beinahe mystische Stimmung erzeugen. Das diffuse Licht eines bewölkten Tages betont dagegen die Farben verblasster Tapeten und die Strukturen verwitterter Oberflächen. Besonders eindrucksvoll sind Aufnahmen, bei denen Licht und Schatten die räumliche Tiefe unterstreichen und den Blick des Betrachters gezielt durch das Bild führen.
Fotografisch spielen deshalb Belichtung, Perspektive und Bildkomposition eine entscheidende Rolle. Weitwinkelobjektive ermöglichen es, große Räume und architektonische Zusammenhänge darzustellen. Ein Stativ hilft bei längeren Belichtungszeiten, wenn nur wenig Licht vorhanden ist. Gleichzeitig eröffnen Detailaufnahmen völlig andere erzählerische Möglichkeiten. Eine verrostete Türklinke, eine zerbrochene Uhr oder ein verlassenes Paar Schuhe können mehr über die Geschichte eines Ortes vermitteln als eine vollständige Ansicht des Gebäudes.
Agnes Hörter arbeitet nach eigenen Angaben unter anderem mit einer Sony Alpha 6000, einem Weitwinkelobjektiv und einem Stativ. Für besondere Perspektiven setzt sie außerdem eine Drohne ein. Ihre Arbeit zeigt, dass nicht unbedingt die teuerste Kameraausrüstung entscheidend ist. Wesentlich wichtiger sind Geduld, ein geschulter Blick und die Fähigkeit, eine Geschichte fotografisch zu erzählen.
Ein besonderer Reiz der Lost-Places-Fotografie liegt im bewussten Umgang mit Vergänglichkeit. Während die klassische Architekturfotografie häufig darauf abzielt, Gebäude in einem möglichst perfekten Zustand zu präsentieren, richtet sich der Blick bei Lost Places auf das Unvollkommene. Risse, Rost, Schimmel, abgeplatzter Putz und überwucherte Fassaden werden zu gestalterischen Elementen. Der Verfall wird nicht versteckt, sondern zum eigentlichen Motiv erhoben.
Damit berührt diese Fotografie auch ein altes kunsthistorisches Thema: die Vanitas, die Vergänglichkeit allen irdischen Lebens. Bereits in der Malerei des Barock erinnerten verwelkende Blumen, Totenschädel und erloschene Kerzen daran, dass menschlicher Reichtum, Macht und Schönheit nicht von Dauer sind. Lost-Places-Fotografien übertragen diesen Gedanken in die Gegenwart. Ein einst luxuriöses Hotel, dessen Kronleuchter inzwischen von der Decke gefallen sind, oder eine verlassene Fabrik, in der früher Hunderte Menschen arbeiteten, werden zu modernen Sinnbildern der Vergänglichkeit.
Zugleich besitzt diese Fotografie eine gesellschaftliche Dimension. Verlassene Gebäude sind häufig sichtbare Folgen wirtschaftlicher und sozialer Veränderungen. Fabriken schließen, weil Produktionsstandorte verlagert werden. Bahnhofsgebäude verlieren ihre Funktion durch die Automatisierung des Fahrkartenverkaufs. Hotels und Gaststätten verschwinden, weil sich Reisegewohnheiten verändern oder Nachfolger fehlen. Militärische Anlagen werden nach politischen Umbrüchen aufgegeben. Die Fotografien dokumentieren damit nicht nur Architektur, sondern auch Strukturwandel, wirtschaftliche Entwicklungen und gesellschaftliche Veränderungen.
Besonders deutlich wird dieser dokumentarische Wert, wenn die fotografierten Gebäude später abgerissen werden. Dann bleiben die Aufnahmen möglicherweise als einzige visuelle Zeugnisse erhalten. In ihrem Bildband „Lost Places in Bayern“, der im Volk Verlag erschienen ist, widmet sich Agnes Hörter zahlreichen verlassenen Orten im Freistaat. Auf 208 Seiten verbindet sie atmosphärische Fotografien mit Informationen über die Geschichte der Gebäude. Darunter befinden sich ehemalige Industrieanlagen, Hotels, Bauernhöfe, Bunker und Freizeiteinrichtungen.
Solche Arbeiten können einen wichtigen Beitrag zur regionalen Erinnerungskultur leisten. Nicht jedes verlassene Gebäude steht unter Denkmalschutz, und nicht jede ehemalige Fabrik wird später zu einem Museum umgebaut. Oft verschwinden ganze Anlagen, ohne dass ihre Geschichte umfassend dokumentiert wurde. Fotografen können deshalb eine wichtige Rolle übernehmen, indem sie diese Orte festhalten, bevor sie unwiederbringlich verloren gehen.
Allerdings wirft die Lost-Places-Fotografie auch rechtliche und ethische Fragen auf. Nicht jedes verlassene Gebäude darf betreten werden. Auch wenn ein Haus seit Jahrzehnten leer steht, kann es sich weiterhin in Privatbesitz befinden. Ein offenes Fenster oder eine unverschlossene Tür bedeuten keineswegs automatisch, dass der Zutritt erlaubt ist. Hinzu kommen erhebliche Sicherheitsrisiken durch einsturzgefährdete Decken, beschädigte Treppen, offene Schächte oder gesundheitsschädliche Stoffe.
Agnes Hörter betont deshalb den respektvollen Umgang mit den Orten. Ihr Grundsatz lautet: „Zu ist zu.“ Verschlossene Gebäude werden nicht gewaltsam geöffnet. Dabei sollte grundsätzlich gelten, dass vor dem Betreten die Zustimmung der Berechtigten eingeholt wird.
Ein großes Problem stellt außerdem der zunehmende Vandalismus dar. Sobald die Standorte besonders attraktiver Lost Places öffentlich bekannt werden, steigt mitunter die Gefahr von Zerstörung und Diebstahl. Hörter berichtet beispielsweise von einem Hotel im Schwarzwald, das bei ihrem ersten Besuch noch weitgehend eingerichtet war, kurze Zeit später jedoch massiv verwüstet wurde. Auch der sogenannte Rosenhof wurde nach ihrer fotografischen Dokumentation geplündert.
Solche Erfahrungen zeigen, wie wichtig ein verantwortungsvoller Umgang mit den Informationen über verlassene Orte ist. Viele Fotografen verzichten bewusst darauf, genaue Standorte zu veröffentlichen. Dahinter steht der Gedanke, dass die Dokumentation eines Gebäudes nicht zu dessen weiterer Zerstörung beitragen darf.
Eine weitere spannende Entwicklung betrifft die Digitalisierung und die künstliche Intelligenz. Moderne Bildbearbeitungsprogramme ermöglichen es, selbst unter schwierigen Lichtbedingungen beeindruckende Fotografien zu erstellen. Unterschiedliche Belichtungen können kombiniert, stürzende Linien korrigiert und Details in dunklen Bildbereichen sichtbar gemacht werden. Gleichzeitig stellt sich die Frage, wie weit solche Eingriffe gehen dürfen, wenn die Fotografie auch einen dokumentarischen Anspruch erhebt.
Mit generativer künstlicher Intelligenz lassen sich inzwischen sogar vollständig erfundene Ruinen und verlassene Gebäude darstellen. Solche Bilder können künstlerisch reizvoll sein, besitzen jedoch nicht denselben historischen Zeugniswert wie authentische Fotografien realer Orte. Gerade deshalb könnte die dokumentarische Lost-Places-Fotografie künftig noch an Bedeutung gewinnen. Sie hält fest, was tatsächlich existiert hat, und bewahrt damit ein Stück Wirklichkeit in einer zunehmend digital erzeugten Bilderwelt.
Die Faszination der Lost-Places-Fotografie geht letztlich weit über das Fotografieren alter Gebäude hinaus. Sie ist eine Auseinandersetzung mit Erinnerung, Veränderung und Vergänglichkeit. Sie zeigt, dass selbst scheinbar wertlose Ruinen eine Geschichte besitzen und dass die Spuren menschlichen Lebens auch dann noch sichtbar bleiben, wenn ihre ursprünglichen Bewohner längst verschwunden sind.
Fotografen wie Agnes Hörter machen diese Geschichten wieder sichtbar. Ihre Bilder laden dazu ein, genauer hinzusehen, Fragen zu stellen und sich mit der Vergangenheit auseinanderzusetzen. Wer hat hier gelebt? Wer hat an diesen Maschinen gearbeitet? Warum wurde dieser Ort verlassen? Und was wird von unserer heutigen Welt in einigen Jahrzehnten noch übrig sein?
Vielleicht liegt genau darin die besondere Kraft dieser Fotografie. Sie zeigt nicht einfach verlassene Räume, sondern erinnert an das Leben, das diese Räume einst erfüllte. Lost Places sind deshalb keine geschichtslosen Orte. Sie sind stille Zeitzeugen, deren Geschichten erst durch den aufmerksamen Blick der Fotografie wieder lebendig werden.
