Wird Gesundheit in Deutschland zunehmend zu einer Frage des Geldbeutels? Welche Belastungen kommen auf gesetzlich Versicherte zu, und wie sozial gerecht sind die geplanten Veränderungen im Gesundheitswesen? In der aktuellen Ausgabe des Podcasts „Dombo bewegt“ aus dem Zentrum für Gesundheit Dombo in Maisach diskutieren Geschäftsführer Norman Dombo und Journalist Matthias J. Lange über die Gesundheitsreform 2027, steigende Eigenbeteiligungen, mögliche Leistungskürzungen und die gesellschaftlichen Folgen einer Gesundheitspolitik, die nach ihrer Einschätzung vor allem diejenigen trifft, die ohnehin wenig Geld zur Verfügung haben. Dabei geht es nicht nur um Zahlen und gesetzliche Regelungen, sondern auch um soziale Verantwortung, politische Glaubwürdigkeit und die Frage, wie viel Gesundheit sich die Menschen künftig noch leisten können.
Es ist diesmal ein ungewöhnlich ernstes Thema, das Norman Dombo und Matthias J. Lange in ihrem Podcast aufgreifen. Während sonst häufig Bewegung, Therapie, Prävention und Gesundheit im Mittelpunkt stehen, richtet sich der Blick diesmal auf die große Gesundheitspolitik. Die angekündigten Veränderungen für 2027 sorgen bei beiden Gesprächspartnern für erhebliche Bedenken. Schon zu Beginn macht Norman Dombo deutlich, dass er mit dem Begriff Gesundheitsreform wenig anfangen kann. „Aus meiner Sicht ist das keine Reform. Es ist einfach nur eine Verschlechterung eines Zustands“, erklärt der Geschäftsführer des Maisacher Gesundheitszentrums. Für ihn stellt sich grundsätzlich die Frage, warum politische Maßnahmen, die mit höheren Kosten und Einschränkungen verbunden sind, unter dem positiv besetzten Begriff Reform verkauft werden. Matthias J. Lange greift diesen Gedanken auf und fordert mehr Ehrlichkeit in der politischen Kommunikation. Wenn Leistungen teurer werden und gespart werden müsse, dann solle die Politik dies auch offen aussprechen, anstatt Verteuerungen als Fortschritt darzustellen. Dombo stimmt ihm zu: „Die Ehrlichkeit zu sagen, wir müssen sparen. Und die Frage ist immer, wo und wie wir sparen.“
Besonders kritisch betrachtet Norman Dombo die möglichen Auswirkungen auf Menschen mit geringem Einkommen. Aus seiner Sicht droht eine Entwicklung, bei der ausgerechnet diejenigen stärker belastet werden, die ohnehin jeden Euro umdrehen müssen. „Es trifft wieder die Ärmeren. Es trifft wieder die, die am meisten darunter leiden“, lautet seine Einschätzung. Gerade im Gesundheitswesen könnten steigende Eigenbeteiligungen dazu führen, dass notwendige Behandlungen aus finanziellen Gründen hinausgezögert oder ganz vermieden werden. Für einen Physiotherapeuten, der täglich mit Patienten und deren gesundheitlichen Problemen zu tun hat, ist dies keine abstrakte politische Diskussion, sondern eine Frage mit unmittelbaren Auswirkungen auf den Alltag.
Im Mittelpunkt des Gesprächs stehen zunächst die Zuzahlungen für Medikamente und Heilmittel. Nach den im Podcast diskutierten Plänen könnten diese spürbar steigen. Genannt werden beispielsweise höhere Eigenanteile bei Verordnungen sowie zusätzliche Belastungen für Patienten, die regelmäßig Physiotherapie, Ergotherapie oder Logopädie benötigen. Norman Dombo verweist darauf, dass sich selbst vermeintlich kleine Beträge bei Menschen mit chronischen Erkrankungen oder dauerhaftem Therapiebedarf schnell summieren können. „Also richtig Geld“, kommentiert er die möglichen Mehrkosten. Besonders betroffen wären Menschen, die auf regelmäßige medizinische Versorgung angewiesen sind und deren finanzielle Spielräume ohnehin begrenzt sind. Der Weg zur Apotheke oder in die therapeutische Praxis könnte damit zu einer zusätzlichen wirtschaftlichen Belastung werden.
Ein weiterer Schwerpunkt ist der Zahnersatz. Im Gespräch werden mögliche Kürzungen bei den gesetzlichen Festzuschüssen für Kronen, Brücken und Prothesen angesprochen. Sollte die finanzielle Beteiligung der Krankenkassen sinken, müssten Versicherte einen größeren Teil der Behandlungskosten selbst tragen. Dombo befürchtet erhebliche Auswirkungen: „Das tut richtig weh.“ Dabei geht es nicht allein um finanzielle Belastungen, sondern auch um die grundsätzliche Frage, ob medizinisch notwendige Versorgung zunehmend vom persönlichen Einkommen abhängig wird.
Differenzierter fällt die Diskussion über homöopathische Arzneimittel und Cannabisblüten aus. Die im Podcast angesprochenen möglichen Einschränkungen bei der Kostenübernahme bewertet Norman Dombo teilweise positiv. Er macht deutlich, dass er persönlich mit einer Streichung homöopathischer Leistungen leben könnte, räumt aber zugleich ein, dass Patienten unterschiedliche Erfahrungen und Überzeugungen haben. „Die einen oder anderen werden es nicht können, weil die sagen: Ja, aber das hat mir geholfen“, erklärt er. Als Beispiel führt er die Akupunktur an, deren therapeutischer Nutzen lange kontrovers diskutiert wurde und die inzwischen bei bestimmten Erkrankungen unter festgelegten Voraussetzungen von gesetzlichen Krankenkassen übernommen wird. Damit berührt die Diskussion auch die Frage, nach welchen wissenschaftlichen Kriterien Leistungen in den Katalog der gesetzlichen Krankenversicherung aufgenommen oder daraus gestrichen werden sollten.
Neben möglichen Leistungskürzungen beschäftigen sich die Gesprächspartner mit der Finanzierung des Gesundheitssystems. Dabei geht es um steigende Beitragsbemessungsgrenzen, höhere Einkommensgrenzen für einen Wechsel in die private Krankenversicherung und mögliche Veränderungen bei der beitragsfreien Familienversicherung. Insbesondere die diskutierte zusätzliche Belastung von Familien ab 2028 sehen die beiden kritisch. Die Debatte macht deutlich, wie schwierig die Finanzierung eines solidarischen Gesundheitssystems geworden ist. Einerseits steigen die Kosten für medizinische Leistungen, Personal und Versorgung, andererseits wächst die Sorge, dass zusätzliche Belastungen die Akzeptanz des Systems schwächen könnten.
Besonders eindringlich wird Norman Dombo, als er die verschiedenen finanziellen und gesellschaftlichen Entwicklungen miteinander verknüpft. Er beschreibt beispielhaft eine Rentnerin, die bereits am Existenzminimum lebt und künftig mehr Geld für Medikamente und therapeutische Behandlungen aufbringen müsste. Wenn gleichzeitig weitere soziale Leistungen eingeschränkt würden und kommunale Einrichtungen wie Schwimmbäder aus finanziellen Gründen schließen müssten, entstünde eine Spirale zunehmender Einschränkungen. „Ich glaube, das wird für viele dann nochmal eine richtige Einschränkung“, befürchtet Dombo. Sein Fazit fällt nachdenklich aus: „Das Land ändert sich.“
Die Diskussion führt schließlich über das Gesundheitswesen hinaus zur grundsätzlichen Frage nach dem Zustand des deutschen Sozialstaats. Norman Dombo engagiert sich seit vielen Jahren als Vorsitzender des VdK-Ortsverbandes Maisach und erlebt dort, wie groß der Bedarf an sozialer Beratung und Unterstützung ist. Die steigenden Mitgliederzahlen des Sozialverbandes betrachtet er deshalb mit gemischten Gefühlen. Einerseits freue er sich über das Vertrauen der Menschen, andererseits zeige diese Entwicklung, wie dringend viele Bürger Unterstützung benötigten. „Es ist ja bedauerlich, dass der Vaterstaat es nötig macht, dass es solche Dinge gibt, dass wir Tafeln brauchen, dass wir den VdK brauchen, dass wir soziales Engagement brauchen, dass wir Ehrenamt brauchen“, sagt Dombo. Für ihn ist dies ein Hinweis darauf, dass das soziale Sicherungssystem an vielen Stellen unter Druck steht. Die wachsende Unzufriedenheit und das schwindende Vertrauen in politische Entscheidungen seien deshalb nicht überraschend.
Zum Ende des Gesprächs richtet Matthias J. Lange den Blick wieder auf den Alltag im Zentrum für Gesundheit Dombo. Wissen die Patienten überhaupt, welche Veränderungen auf sie zukommen könnten? Wird in der Physiotherapiepraxis bereits über die Gesundheitsreform gesprochen? Norman Dombo berichtet, dass das Thema bislang kaum eine Rolle spiele. „Für die ist das ganz abstrakt, für die ist das weit weg“, stellt er fest. Die meisten Menschen beschäftigten sich verständlicherweise zunächst mit ihren unmittelbaren gesundheitlichen Beschwerden. Politische Entscheidungen und deren langfristige finanzielle Auswirkungen würden häufig erst dann wahrgenommen, wenn sie tatsächlich im eigenen Geldbeutel ankommen.
Dabei erinnert sich Dombo an frühere Veränderungen im Gesundheitswesen, insbesondere an die Einführung des Heilmittelkatalogs. Schon damals habe er versucht, frühzeitig auf die Konsequenzen für Versicherte aufmerksam zu machen. Zunächst sei das öffentliche Interesse gering gewesen. Erst kurz vor dem Inkrafttreten der neuen Regelungen hätten auch Medien erkannt, welche Bedeutung die Veränderungen für Millionen Menschen besaßen. Eine ähnliche Entwicklung befürchtet er nun erneut. „Jetzt ist es rasant notwendig, dass wir darüber berichten“, fordert Dombo. Angesichts der Vielzahl politischer Entscheidungen bestehe die Gefahr, dass die Menschen den Überblick verlören und erst spät bemerkten, welche Auswirkungen einzelne Maßnahmen auf ihre persönliche Situation hätten.
Mit dieser Ausgabe von „Dombo bewegt“ wollen Norman Dombo und Matthias J. Lange deshalb eine öffentliche Diskussion anstoßen. Es geht ihnen darum, über mögliche Veränderungen zu informieren, Fragen aufzuwerfen und Betroffene zu Wort kommen zu lassen. Dabei legen beide Wert auf eine sachliche Auseinandersetzung. „Bitte sachlich und nicht polemisch, weil wir wollen hier keine Polemik, sondern wir wollen informieren“, betont Norman Dombo zum Abschluss. Zuschauer und Zuhörer sind ausdrücklich eingeladen, ihre Erfahrungen, Fragen und Einschätzungen in den Kommentaren zu teilen.
Die zentrale Frage dieser Podcastfolge bleibt damit bestehen: Wie lässt sich ein leistungsfähiges und finanzierbares Gesundheitssystem erhalten, ohne dass notwendige medizinische Versorgung für immer mehr Menschen zu einer finanziellen Belastungsprobe wird? Für Norman Dombo steht fest, dass darüber offen, ehrlich und vor allem rechtzeitig gesprochen werden muss. Denn Gesundheit betrifft alle – unabhängig von Alter, Einkommen und gesellschaftlicher Stellung.
Es gibt Häuser, deren Geschichte sich in Speisekarten und Jahreszahlen nur unvollständig erzählen lässt. Man muss auch von den Menschen sprechen, die geblieben sind, von Freundschaften, die über Jahrzehnte tragen, und von der Liebe zu einem Beruf, der anderen Menschen glückliche Stunden schenken kann. Der Gasthof Heinzinger in Rottbach ist so ein Haus. Am 7. Oktober 2026 feierte Denis Michael Kleinknecht hier sein zehnjähriges Wirken. Unter dem Namen „Denis & Friends“ kamen langjährige Weggefährten zusammen, um für 44 Gäste zu kochen. Ein Geburtstag, dessen schönste Zutat die gemeinsame Geschichte war.
Wer sich diesem Wirtshaus nähert, begegnet einem Stück gewachsenem Bayern. Die hauseigene Chronik führt seine Geschichte bis zu einer 1389 erwähnten Taferne zurück. Reisende fanden hier einst Unterkunft und Verpflegung; später entdeckten auch Maler die Landschaft und ihre Wirtshäuser. Seit 1929 gehört das Anwesen der Familie Heinzinger. Man kann sich kaum einen passenderen Ort vorstellen, um Menschen an einen Tisch zu bringen: ein Haus, das seit Jahrhunderten davon lebt, seine Türen zu öffnen.
Als Kleinknecht 2016 die Verantwortung übernahm, brachte er Erfahrungen aus ganz unterschiedlichen Küchen mit. Sein Weg hatte ihn zu Otto Koch ins Münchner „Le Gourmet“, nach Oxford, ins „Acquarello“ und bis nach Santa Monica geführt. In Rottbach fanden diese Stationen einen neuen Mittelpunkt. Hier konnte aus gesammeltem Können eine eigene Handschrift werden – getragen von der Vertrautheit eines bayerischen Gasthofs und der Neugier auf das, was kulinarisch noch möglich ist. Sehr emotional ist die Begegnung mit Rainer Radach, dem Lehrmeisters Kleinknechts,
Die Menükarte des Geburtstagsabends las sich dabei wie eine kleine Reise durch Freundschaft und Fantasie. Auf Amuse-Bouche, Brot und Butter folgte Lena Lamys Tasting mit viererlei Sturia-Kaviar. Ich habe mit dieser lebenslustigen Dame ein kleines Interview über Kaviar geführt. Der Gruß aus der Küche wurde übrigens mit Äpfeln aus unserem Garten gezaubert.
Schon dieser Auftakt lud dazu ein, aufmerksam zu werden, Unterschiede zu entdecken und sich Zeit zu lassen. Karlheinz Drews setzte mit „Beef Tamtam“ den nächsten Akzent, bevor der Gastgeber selbst einem scheinbar bescheidenen Gemüse die Bühne überließ.
Fünfmal Kohlrabi stand auf der Karte. In dieser beharrlichen Wiederholung lag ein reizvolles Versprechen: Wie viel lässt sich entdecken, wenn man einer einzigen Zutat seine ganze Aufmerksamkeit schenkt? Gerade ein vertrautes Gemüse kann Erinnerungen wecken – an Gärten, an Familienküchen, an Gerichte aus der Kindheit. In einem Festmenü bekommt es die Gelegenheit, noch einmal ganz neu kennengelernt zu werden.
Auch die „Falsche Prinzregenten-Torte“ trug eine persönliche Geschichte in sich. Der auf der Karte genannte Otto Koch war verhindert; Kleinknecht und Rainer Radach übernahmen seinen Beitrag. Radach hatte Kleinknecht einst ausgebildet. Dass Lehrmeister und ehemaliger Schüler nun gemeinsam diesen Gang zubereiteten, gab ihm eine Bedeutung, die über jede Rezeptur hinausreichte. Manche Verbindungen bleiben bestehen, auch wenn längst jeder seinen eigenen Weg gegangen ist.
Mit Radachs „Oktopussy“ ging die Reise weiter, gefolgt von Peter Greppmayrs „King Fish“ mit grüner Tomate. Christoph Altmann brachte mit seinem „Zwiebelrostbraten 2.0“ einen vertrauten Wirtshausnamen ins festliche Menü, ehe Jürgen Beyers „D’Nachspeis“ den süßen Schlusspunkt setzte. Dazu standen Weine des Weinguts Wageck auf der Karte: Chardonnay und Weißburgunder, eine Rosé-Cuvée und die rote Cuvée Luise. Namen, Gänge und Gläser fügten sich zu einer Einladung, den Alltag für eine Weile vor der Tür zu lassen.
So lässt sich dieser zehnte Geburtstag auch als Liebeserklärung lesen: an das Kochen, an alte Weggefährten und an einen Ort, dem jemand seine Kraft und seine Ideen anvertraut hat. Ein Wirtshaus lebt von solchen Bindungen. Von Menschen in Küche und Service, von Gästen, die wiederkommen, und von einem Gastgeber, der den nächsten gedeckten Tisch bereits vor Augen hat.
Die Zukunft hat beim Heinzinger schon einen Namen: „1389 – Fine Dining“, auf der Website als kommendes Angebot angekündigt. Die alte Jahreszahl darf damit einen neuen Anfang begleiten.
Vielleicht liegt darin die leise Romantik dieses Jubiläums: Ein Haus bleibt lebendig, weil Menschen immer wieder etwas von sich hineingeben. Zehn Jahre lang hat Denis Michael Kleinknecht das in Rottbach getan. Zum Geburtstag kamen Freunde und Wegbegleiter zusammen und schenkten dieser Geschichte einen gemeinsamen Abend – Gang für Gang, mit Zeit füreinander und mit der Liebe zum Kochen, die sie verbindet.
Bei meinen Weg ins Arbeitszimmer gehe ich an dieser Zeichnung von Horst Jansen vorbei. Immer wieder bleibe ich stehen und meine Gedanken drehen sich um dieses Bild. Als Kunstfan kann ich mich in diese Kunst eintauchen.
Das auf den 28. November 1982 datierte Selbstbildnis von Horst Janssen (1929–1995) zeigt viele jener Elemente, die Janssens Kunst so unverwechselbar machen: einen virtuosen, scheinbar beiläufigen Strich, schonungslose Selbstbeobachtung, Melancholie, schwarzen Humor und eine starke autobiografische Dimension. Bei Janssen verschwimmen Kunst und Leben immer wieder miteinander – seine Zeichnungen können wie Seiten eines sehr persönlichen Tagebuchs wirken.
Im Mittelpunkt der Zeichnung steht Janssen selbst. Er sitzt an einem Tisch und hat den Kopf darauf abgelegt. Seine charakteristische Brille ist deutlich zu erkennen, ein Arm liegt angewinkelt unter oder neben seinem Kopf. Die Körperhaltung vermittelt Erschöpfung und Resignation und lässt zugleich die Möglichkeit offen, dass Alkohol im Spiel ist. Gerade diese Mehrdeutigkeit passt zu Janssens Selbstinszenierungen. Er zeigt sich nicht als souveränen Künstlerfürsten, sondern als verletzlichen, erschöpften und mitunter tragikomischen Menschen.
Ein besonders interessantes Detail ist eine feine Linie, die offenbar vom Rücken beziehungsweise Nacken des Künstlers zur Lehne des hinter ihm stehenden Stuhls führt und dort befestigt scheint. Diese Fesselung lässt sich symbolisch lesen: Janssen erscheint als Gefangener seiner selbst, seiner Leidenschaften, seiner Beziehungen oder auch seines unablässigen künstlerischen Schaffens. Die Zeichnung bekommt dadurch trotz ihrer scheinbaren Leichtigkeit eine beklemmende Dimension. Der Künstler ruht nicht einfach am Tisch – er scheint an seine Situation gebunden zu sein.
Vor ihm steht ein kleines Glas, das durch einen roten Akzent hervorgehoben wird. Angesichts von Janssens Biografie liegt die Assoziation mit Alkohol nahe. Gleichzeitig wird dieses unscheinbare Glas durch die zeichnerische Hervorhebung fast zu einem zweiten Protagonisten der Szene. Es steht dem erschöpften Künstler gegenüber und kann als Hinweis auf Rausch, Selbstzerstörung, Trost oder Abhängigkeit verstanden werden. Wie häufig bei Janssen verbinden sich dabei Komik und Tragik.
Links findet sich die handschriftliche Datierung „28 / 11 / 82“, die das Blatt sehr konkret in Janssens Biografie verankert. Noch persönlicher ist die Widmung in der Mitte: „Liebste [Maus] : Mein Kampf“. Das Wort „Maus“ wird nicht ausgeschrieben, sondern durch eine kleine, minimalistisch gezeichnete Maus mit Ohren und langem Schwanz ersetzt. Die Anrede verweist auf Birgit Jacobsen, Janssens damalige Lebensgefährtin und Muse, die in seinem Werk und seiner Korrespondenz eine wichtige Rolle spielte. Janssen widmete ihr zahlreiche Zeichnungen und Briefe. Dadurch erhält das Blatt den Charakter einer sehr privaten bildlichen Nachricht.
Bemerkenswert ist auch die Formulierung „Mein Kampf“. Im Zusammenhang mit der dargestellten Szene dürfte sie vor allem als drastische, selbstironische Beschreibung seines eigenen Ringens zu verstehen sein: des Kampfes mit sich selbst, mit seinen Beziehungen, seinen Exzessen und möglicherweise auch mit dem künstlerischen Schaffensprozess. Gerade diese Mischung aus Übertreibung, Provokation und persönlicher Offenlegung entspricht Janssens häufig schonungsloser Art der Selbstdarstellung.
Unten rechts befindet sich schließlich ein mit rotem Stift ausgeführtes Zeichen beziehungsweise Monogramm, das die Zeichnung zusätzlich akzentuiert. Die sparsame Verwendung der roten Farbe ist wirkungsvoll: Sie unterbricht die ansonsten zurückhaltende Linienzeichnung und setzt gezielte optische Schwerpunkte.
Das Blatt lässt sich damit hervorragend in Horst Janssens Gesamtwerk einordnen. Selbstporträts, spontane Skizzen, Widmungsblätter und zeichnerische Botschaften gehören zu den charakteristischen Bestandteilen seines Œuvres. Janssen machte sein eigenes Gesicht, seinen Körper, seine Beziehungen, Ängste, Leidenschaften und Abstürze immer wieder zum Gegenstand seiner Kunst. Die Grenze zwischen autonomem Kunstwerk, privatem Brief und persönlichem Tagebucheintrag ist dabei häufig kaum zu ziehen.
Gerade darin liegt der besondere Reiz dieses Selbstbildnisses von 1982. Mit wenigen Linien entsteht eine kleine autobiografische Szene, die gleichzeitig komisch, traurig und intim wirkt. Janssen präsentiert sich als erschöpften und möglicherweise berauschten Menschen, der buchstäblich an seine Situation gefesselt erscheint. Die liebevolle Widmung an seine „Maus“ steht dabei in einem spannungsvollen Gegensatz zur resignierten Körperhaltung. So wird aus einer scheinbar spontanen Skizze ein sehr persönliches Zeugnis eines Künstlers, für den Zeichnen nicht nur künstlerische Arbeit, sondern eine Form der Selbstbefragung und Selbstentblößung war. Ich habe die Zeichnung im Lübecker Kunsthaus erworben, das leider für immer geschlossen ist.
Großes Staraufgebot, berstender Beton und eine Filmmusik, die den Untergang mit angemessenem Pathos begleitet: Bei meiner Matinee im Scala Fürstenfeldbruck stand mit „Erdbeben“ ein Klassiker des Katastrophenkinos auf dem Programm. Mark Robsons Film aus dem Jahr 1974 bot Gelegenheit, eine Ära Hollywoods wiederzuentdecken, in der aufwendige Modellbauten, spektakuläre Stunts und persönliche Schicksale das große Leinwandereignis bestimmten. Die nächste Matinee ist am Sonntag, 15. November um 10:45 Uhr der Film Die Wildgänse kommen. Karten gibt es hier.
Im Mittelpunkt steht Los Angeles, das von einem verheerenden Erdbeben getroffen wird. Bevor Straßen aufreißen und Häuser einstürzen, nimmt sich der Film allerdings viel Zeit für seine Figuren. Charlton Heston spielt den Bauingenieur Stewart Graff, dessen Ehe mit Remy, dargestellt von Ava Gardner, längst in einer schweren Krise steckt. George Kennedy, Lorne Greene, Geneviève Bujold und Richard Roundtree ergänzen das prominente Ensemble. Ihre zunächst getrennten Geschichten werden durch die Katastrophe miteinander verbunden. Hier ist die Aufzeichnung meiner Einführung.
Gerade dieser gemächliche Aufbau macht heute einen Teil des Charmes aus. „Erdbeben“ stammt aus einer Zeit, in der das drohende Unglück sorgfältig vorbereitet wurde. Das Publikum sollte die Menschen kennenlernen, deren Leben später buchstäblich aus den Fugen gerät. Manche Dialoge und dramatischen Zuspitzungen wirken aus heutiger Sicht überzogen. Doch das Melodram gehört zu diesem Kino ebenso wie die einstürzenden Fassaden.
Mit dem großen Beben entfaltet der Film schließlich seine ganze handwerkliche Wucht. Modellbauten, Matte Paintings, reale Kulissen und Stuntarbeit verbinden sich zu eindrucksvollen Bildern der Zerstörung. Nicht jeder Effekt hält heutigen Sehgewohnheiten stand. Vieles besitzt jedoch eine bemerkenswerte physische Qualität: Die Gebäude haben Gewicht, die Trümmer fallen mit spürbarer Wucht. Hinter den Bildern steht ein enormer Aufwand an gebautem und anschließend zerstörtem Material.
Zur Geschichte des Films gehört auch das legendäre Sensurround-Verfahren. Besonders tiefe Bassfrequenzen machten die Katastrophe bei entsprechend ausgestatteten Vorführungen der siebziger Jahre körperlich spürbar. Die Technik war Teil des Versprechens, „Erdbeben“ zu einem Ereignis zu machen, das weit über das bloße Zuschauen hinausging.
Auch die Musik trägt entscheidend zur Wirkung bei. John Williams verbindet menschliches Drama und großes Spektakel mit sicherem Gespür. Seine Partitur entstand kurz vor jener Phase, in der er mit „Der weiße Hai“, „Star Wars“ und „Unheimliche Begegnung der dritten Art“ einige seiner bekanntesten Filmmusiken schuf.
Natürlich bleibt „Erdbeben“ ein Kind seiner Zeit. Rollenbilder, Dialoge und die Verteilung von Heldenmut und Hilflosigkeit spiegeln das Hollywood der siebziger Jahre. Charlton Heston verkörpert einmal mehr jenen nahezu unerschütterlichen Mann, den das damalige Kino besonders gern ins Zentrum existenzieller Krisen stellte. Das wirkt heute gelegentlich antiquiert, macht den Film aber auch zu einem aufschlussreichen Zeitdokument.
Zusammen mit „Airport“, „Die Höllenfahrt der Poseidon“ und „Flammendes Inferno“ steht „Erdbeben“ für die große Zeit des Katastrophenfilms. Das Rezept verband Stars und private Konflikte mit einer übermächtigen Bedrohung – und hielt die Spannung mit der Frage aufrecht, wer am Ende überleben würde.
Mehr als fünf Jahrzehnte nach seiner Entstehung hat der Film einen Teil seines ursprünglichen Schreckens gegen nostalgischen Glanz eingetauscht. Geblieben ist ein aufwendig produziertes Hollywoodspektakel: pathetisch, stellenweise unfreiwillig komisch und voller eindrucksvoller Handarbeit. Die Matinee im Scala bot den passenden Rahmen, diesen Klassiker auf der großen Leinwand wiederzusehen – dort, wo seine Bilder der zusammenbrechenden Stadt ihre Wirkung am besten entfalten.
Die nächste Matinee ist am Sonntag, 15. November um 10:45 Uhr der Film Die Wildgänse kommen. Karten gibt es hier.
Der plötzliche Tod von Hubert Aiwanger macht mich betroffen. Mit nur 55 Jahren ist ein Politiker gestorben, der Bayern über zwei Jahrzehnte geprägt, polarisiert und verändert hat. Man musste seine politischen Überzeugungen nicht teilen, um anzuerkennen, dass dieser Mann etwas bewegt hat. Aiwanger war unbequem, manchmal provokant, oft streitbar, aber niemals farblos. Er sprach eine Sprache, die viele Menschen verstanden, und gab gerade jenen eine politische Stimme, die sich von den etablierten Parteien nicht mehr vertreten fühlten.
Sein größter politischer Erfolg war zweifellos, die Freien Wähler von einer kommunalpolitisch verwurzelten Bewegung zu einer festen Größe der bayerischen Landespolitik gemacht zu haben. Mit dem Einzug in den Landtag 2008 und der Regierungsbeteiligung ab 2018 veränderte er die politische Landschaft im Freistaat nachhaltig. Er bewies, dass Bayern mehr sein kann als CSU und Opposition. Als Wirtschaftsminister und stellvertretender Ministerpräsident vertrat er insbesondere die Interessen des ländlichen Raums, des Mittelstands und der regionalen Wirtschaft. Hier mein Nachruf als Video:
Ich hab ihn immer wieder getroffen, im Landtag, im Ministerium, bei uns im Dorf und bei vielen Veranstaltungen. Er hatte seine Fans, er wirkte auf Menschen. Aber er war natürlich nicht unumstritten, ich nenne nur die Flugblatt-Affäre.
Aiwanger war kein Politiker der leisen Töne. Seine Zuspitzungen und Kontroversen gehörten ebenso zu seiner Karriere wie seine unbestreitbaren Erfolge. Gerade deshalb wäre es falsch, ihn im Rückblick zu verklären. Aber ebenso falsch wäre es, seine politische Lebensleistung auf seine umstrittenen Äußerungen zu reduzieren.
Was wird nun aus den Freien Wählern? Diese Frage dürfte die Partei in den kommenden Monaten beschäftigen. Hubert Aiwanger war ihr Gesicht, ihre Stimme und ihr wichtigster Wahlkämpfer. Sein Tod hinterlässt eine gewaltige Lücke.
Die Partei hat gute Leute: Ich nenne beispielsweise Staatssekretär Tobias Gotthardt, Digitalminister Fabian Mehring oder Florian Streibl. Die Freien Wähler müssen jetzt beweisen, dass sie mehr sind als die Partei eines einzigen Mannes. Sie verfügen über eine starke kommunale Basis und politische Erfahrung, doch eine Persönlichkeit mit vergleichbarer Strahlkraft ist für mich nicht unmittelbar erkennbar. Auch für die bayerische Regierungskoalition beginnt eine neue Phase. Ich bin gespannt wie Ministerpräsident diese Lücke ausnutzt. Die Geschäfte des Wirtschaftsministerium führt im Moment Staatssekretär Gotthardt.
Mich stimmt besonders traurig, dass ein politisches Leben so abrupt endet. Bei allen politischen Differenzen bleibt der Respekt vor einem Menschen, der für seine Überzeugungen gekämpft hat und Bayern auf seine ganz eigene Weise mitgestaltete.
Meine Gedanken sind bei seiner Lebensgefährtin Tanja Schweiger, seinen beiden Söhnen und allen, die ihm nahestanden.
Bayern verliert einen streitbaren Politiker. Die Freien Wähler verlieren ihren prägenden Kopf. Und die politische Landschaft im Freistaat wird ohne Hubert Aiwanger eine andere sein.
Manche Menschen hinterlassen eine Lücke. Janosch hinterlässt ein kleines Haus, in dem noch Licht brennt. Dort warten ein Bär und ein Tiger, dort ist Platz für Freundschaft und für die Gewissheit, dass man nicht stark sein muss, wenn jemand bei einem bleibt. Generationen von Kindern haben diesen Ort mit ihm gefunden. Und viele Erwachsene haben erst beim Vorlesen verstanden, wie sehr sie selbst ihn noch brauchen. Nun ist der Mann gestorben, der ihnen diesen Zufluchtsort gezeichnet hat. Janosch starb am 3. November auf Teneriffa, wie sein Verleger Bernhard Feil der Deutschen Presse-Agentur mitteilte. Er wurde 95 Jahre alt.
Es wäre leicht, ihn jetzt in jene Behaglichkeit einzuwickeln, die seine bekanntesten Bilder ausstrahlen. Ein freundlicher Geschichtenerzähler, ein paar liebenswerte Tiere, die gelb-schwarz gestreifte Tigerente: So könnte man ihn verabschieden. Aber man würde ihm damit etwas nehmen. Denn Janoschs Zärtlichkeit war keine Ahnungslosigkeit. Dieser Mann wusste, wie grausam Menschen sein können. Vielleicht berühren seine Geschichten gerade deshalb so tief: Ihre Wärme ist nicht selbstverständlich. Sie ist der Gegenentwurf eines Menschen, der als Kind viel zu wenig davon bekommen hatte.
Am 11. März 1931 kam er als Horst Eckert im oberschlesischen Hindenburg zur Welt, dem heutigen polnischen Zabrze. Seine Kindheit war von Alkohol und Schlägen geprägt. Beide Eltern tranken, beide schlugen ihn. Dazu kamen eine religiöse Erziehung voller Strafandrohungen und die Demütigungen in der Hitlerjugend. In einem Filmporträt des Bayerischen Rundfunks erinnerte er sich an die Quälereien: „Dann haben sie mich geschliffen, bis zum Umfallen.“ Das ist die dunkle Landschaft hinter den hellen Bildern. Wer sie kennt, sieht den kleinen Bären und den kleinen Tiger anders: als Bewohner einer Welt, in der niemand erniedrigt werden muss, um dazuzugehören
Ausgerechnet dieser verletzte Junge sollte später so vielen Menschen zeigen, wie sich Geborgenheit anfühlen kann. Nicht als großes Versprechen, nicht als Belohnung für Gehorsam. Sondern als etwas Einfaches: einen Freund haben, gemeinsam aufbrechen, sich umeinander kümmern. Janoschs Figuren müssen keine Helden werden. Sie dürfen klein bleiben. In einer Kinderwelt, die so oft vom Lernen, Leisten und Besserwerden handelt, liegt darin eine stille Befreiung. Seine Geschichten kommen ohne erhobenen Zeigefinger aus; Freiheit und Selbstbestimmung gehören zu ihrem innersten Wesen.
Wie weit der Weg zu diesen Bildern war, zeigte eine Ausstellung im Bauernhofmuseum Jexhof bei Schöngeising. „Janosch – Vom Ammersee bis nach Panama“ hieß sie, und mein Blog redaktion42 hielt ich am 29. Januar 2018 meine Begeisterung fest. Er habe sich „regelrecht in die Bilder verliebt“, schrieb der Autor. Heute liest sich dieser Satz wie ein kleiner Schlüssel zu Janoschs Wirkung: Man betrachtet seine Bilder nicht nur. Irgendwann lässt man sich auf sie ein. Die Ausstellung machte zugleich sichtbar, wie wenig die vertraute Tigerente allein über ihren Schöpfer erzählt. Sie führte zurück zu seinen Anfängen, zu frühen künstlerischen Versuchen und zu einem Mann, der seinen Platz erst suchen musste.
Mein Blogbeitrag zeichnet diesen Weg nach: die Ankunft in Westdeutschland nach dem Krieg, die Ausbildung als Textilzeichner, den Umzug nach München 1953 und den Versuch, an der Kunstakademie Fuß zu fassen. Horst Eckert schrieb, zeichnete, suchte nach Möglichkeiten. Er nannte sich „Aufschreiber“ – ein bescheidenes Wort für jemanden, der später so unverwechselbar erzählen sollte. Mit dem Verleger Georg Lentz kam die entscheidende Begegnung. 1960 erschien „Die Geschichte vom Pferd Valek“, sein erstes Kinderbuch, und aus Horst Eckert wurde Janosch. Am Ammersee begann jener Abschnitt seines Lebens, an den die Jexhof-Ausstellung erinnerte.
Es ist tröstlich, sich diesen Anfang nicht als geraden Weg zum Ruhm vorzustellen. Janosch war nicht einfach fertig da. Er probierte aus, scheiterte, wurde zurückgewiesen. Die Ausstellung zeigte auch abstrakte Arbeiten und machte deutlich, dass hinter dem später weltbekannten Zeichner ein suchender Künstler stand. Rund 150 Objekte, darunter etwa 120 Zeichnungen und Gemälde, ließen damals erkennen, wie viel größer dieses Werk war als sein populärstes Markenzeichen.
Zu diesem anderen Janosch gehört „Cholonek oder der liebe Gott aus Lehm“. In dem Roman kehrte er in das Milieu seiner oberschlesischen Kindheit zurück, schonungslos und zugleich voller Wehmut. Die Härte seiner Herkunft verschwand nicht, nur weil er später Tiere zeichnete, denen man am liebsten über den Kopf streichen möchte. Sie blieb in seinem Schreiben, in seiner Erinnerung, auch in seinen eigenen Kämpfen mit dem Alkohol. Das Dunkle und das Helle waren keine getrennten Lebenswerke. Sie kamen aus demselben Menschen.
Und dann, 1978, „Oh, wie schön ist Panama“. Ein kleiner Bär und ein kleiner Tiger machen sich auf, das Land ihrer Träume zu finden, und gelangen am Ende zurück an ihren Ausgangspunkt – nur sehen sie ihr Zuhause nun mit anderen Augen. Was für eine einfache Geschichte. Und was für ein großes Wissen darin liegt: dass Sehnsucht uns forttreibt und dass wir manchmal einen Umweg brauchen, um das Nahe zu erkennen. Mehr als zwei Millionen Mal wurde das Buch nach Angaben des Beltz-Verlags weltweit verkauft. Seine eigentliche Reichweite aber lässt sich schwerer zählen: in Vorleseabenden, in Kinderfragen, in Erinnerungen an eine Stimme am Bettrand.
Janosch selbst konnte den Zauber dieser Geschichte mit einer einzigen Bemerkung gegen den Strich bürsten. „Ich wollte ein Kitschbuch machen“, sagte er im BR-Filmporträt über ihre Entstehung. Ein Kuschelbär müsse hinein, eine Reise, ein Freund. Da sprach keiner, der sich ehrfürchtig vor das eigene Denkmal stellte. Da sprach ein Spötter, der seiner Rührung misstraute und sie trotzdem zuließ. Vielleicht bewahrte gerade diese Mischung seine Geschichten vor dem Süßlichen: die Zärtlichkeit und der Widerhaken, das weiche Herz und die schnodderige Bemerkung.
Auch der Strich passte dazu. Nicht glatt, nicht makellos, nicht darauf bedacht, alles unter Kontrolle zu halten. Die Cheflektorin des Bilderbuchbereichs bei Beltz & Gelberg, Katrin Hartmann, beschrieb seine „heute geradezu erleichternd wirkende Unperfektheit“. Man kann darin mehr sehen als eine künstlerische Eigenart. In diesen Bildern darf etwas schief sein und trotzdem stimmen. Vielleicht ist auch das ein Grund, weshalb Erwachsene bei Janosch manchmal eine Entlastung finden, nach der sie gar nicht bewusst gesucht haben.
Der Erfolg brachte allerdings nicht nur Freiheit. Aus Figuren wurden Marken, aus Bildern Produkte. Die Tigerente wanderte auf Brotboxen, Becher und Kleidungsstücke. Schon der Jexhof-Besuch von mir führte deshalb über die Bewunderung hinaus zu Fragen nach Vermarktung und Rechten. Mein Beitrag schilderte, dass andere an Janoschs Kunst mitverdienten und der Künstler dabei keineswegs immer gut abschnitt. Auch Ulrich Kypke, langjähriger Weggefährte und Vorsitzender der Janosch Gesellschaft, berichtete von verstreuten Rechten und schwierigen Auseinandersetzungen. So stand neben der kleinen Welt der Freundschaft eine sehr viel unübersichtlichere Welt des Geschäfts.
1980 zog Janosch nach Teneriffa. Mein Blogbeitrag beschreibt diesen Abschied vom Ammersee auch als Rückzug eines angeschlagenen Künstlers. Dort, weit entfernt von vielem, was um seine Figuren herum geschah, lebte er weiter. Ganz verschwunden ist der scharfe Beobachter hinter den Tiergeschichten dabei nie. Noch als „Herr Wondrak“ dachte er in der „Zeit“ über das Leben und seine Zumutungen nach. Auf die Frage, was gewesen wäre, hätten Tiger und Bär Smartphones besessen, lautete seine Antwort: „Sie hätten Panama einfach gegoogelt und wären im Übrigen am Tisch sitzen geblieben.“ Ein kleiner Witz, und plötzlich ist eine ganze Gegenwart beschrieben, die alles nachschlagen kann und dabei womöglich das Aufbrechen verlernt.
Sein Weggefährte Kypke sagte einmal, Janosch habe das Bittere und Tragische so darstellen können, dass plötzlich „das kleine Licht des Humors“ aufscheine. Das trifft etwas Wesentliches. Janosch hat die Dunkelheit nicht weggeredet. Er hat ihr etwas entgegengesetzt, das unscheinbarer wirkte und sich doch als erstaunlich haltbar erwies: einen Witz, eine Freundschaft, ein Bild, das einen Menschen für einen Moment weniger allein sein lässt.
Nun ist er gestorben. Und mit ihm geht einer, der uns keine heile Welt beweisen musste, um uns eine freundlichere vorstellen zu können. Seine Bücher bleiben aufgeschlagen zwischen den Generationen. Irgendwo wird heute Abend wieder ein Kind neben einem Erwachsenen sitzen, und beide werden mit dem kleinen Bären und dem kleinen Tiger aufbrechen. Vielleicht wird der Erwachsene an die eigene Kindheit denken. Vielleicht wird er beim Lesen kurz innehalten.
Das kleine Haus ist noch da. Janosch hat uns den Schlüssel dagelassen.
Sie hat den politischen Umbruch in Osteuropa journalistisch begleitet, aus Kriegsgebieten im ehemaligen Jugoslawien berichtet, für private und öffentlich-rechtliche Fernsehsender gearbeitet und setzt sich heute für die Rechte und den Schutz von Kindern ein. Christine Kehrer blickt auf eine außergewöhnliche journalistische Laufbahn zurück. Im Podcast „Nah dran“ des PresseClubs München sprach Vorstandsmitglied Christine Kehrer mit Matthias J. Lange über gefährliche Auslandseinsätze, prägende Begegnungen, die Veränderungen des Journalismus und ihre heutige Tätigkeit bei den SOS-Kinderdörfern. Dabei wurde deutlich, dass für die erfahrene Fernsehjournalistin eines immer im Mittelpunkt stand: der Mensch und seine Geschichte.
„Ich habe mir eigentlich immer mein soziales Umfeld bewahrt, egal wo ich war“, erklärte Christine Kehrer zu Beginn des Gesprächs. Familie und verlässliche Beziehungen seien ihr trotz zahlreicher Auslandsreisen stets wichtig gewesen. Gleichzeitig habe sie immer wieder neue Herausforderungen gesucht, unbekannte Länder bereist und Geschichten entdeckt, häufig ohne große Absicherung. Ihr Lebensmotto „Altes bewahren und Neues wagen“ beschreibt damit nicht nur ihre berufliche Laufbahn, sondern auch ihre persönliche Haltung. Hier ist der Podcast
Dabei war der Journalismus keineswegs von Anfang an ihr festgelegtes Berufsziel. Auf Wunsch ihres Vaters begann Kehrer zunächst ein Betriebswirtschaftsstudium, stellte jedoch schnell fest, dass ihre Interessen anders gelagert waren. Geschichte, gesellschaftliche Zusammenhänge und vor allem Begegnungen mit Menschen faszinierten sie wesentlich mehr. Nach Studien in verschiedenen geisteswissenschaftlichen Disziplinen sammelte sie erste journalistische Erfahrungen bei der Mittelbayerischen Zeitung. Die Arbeit im Lokaljournalismus bezeichnet sie rückblickend als wichtige Schule. „Man hat einen riesigen Respekt vor den Kollegen, die im Lokalen heute sich die Beine ausreißen“, betonte sie.
Eine entscheidende berufliche Prägung erfuhr Kehrer durch den Fernsehproduzenten János Zolcer, für den sie nach ihrer Zeit bei Tele 5 arbeitete. Der aus politischen Gründen geflüchtete Produzent interessierte sich weniger für akademische Abschlüsse als für praktische journalistische Fähigkeiten. Christine Kehrer erinnerte sich daran, wie sie unmittelbar einen Beitrag für den WDR erstellen sollte. Der Sender kaufte die Geschichte, und daraus entwickelte sich eine fast zehnjährige Zusammenarbeit. „Das war eine ganz knochenharte Schule“, berichtete sie. Geregelte Arbeitszeiten habe es praktisch nicht gegeben, dafür aber zahlreiche Möglichkeiten, journalistisch zu arbeiten und Erfahrungen zu sammeln.
Besonders intensiv waren ihre Einsätze in Osteuropa während der politischen Umbrüche nach dem Ende des Kalten Krieges. Christine Kehrer berichtete aus Russland und erlebte die Veränderungen unter Michail Gorbatschow und Boris Jelzin. Die journalistischen Arbeitsbedingungen unterschieden sich grundlegend von heute. Internet, Smartphones und digitale Recherchemöglichkeiten standen nicht zur Verfügung. Informationen mussten über persönliche Kontakte, lokale Mitarbeiter und vertrauenswürdige Netzwerke beschafft werden. „Das Wichtige waren eben authentische, verlässliche Kontakte und ein Netzwerk, dem man vertrauen konnte“, erklärte sie.
Durch die Verbindungen ihres damaligen Produzenten erhielt sie Zugang zu Geschichten, die anderen Journalisten verschlossen blieben. Sie berichtete über gesellschaftliche Veränderungen in Moskau, über wirtschaftliche Entwicklungen, die Technoszene und organisierte Kriminalität. Für das investigative Fernsehmagazin „frontal“ beschäftigte sie sich unter anderem mit Schutzgelderpressung gegen deutsche Unternehmer durch kriminelle russische Netzwerke. Dabei begleitete sie auch einen gefährlichen Polizeieinsatz. Auf die Frage, ob sie damals eine Schutzweste getragen habe, antwortete sie knapp: „Ich hatte keine.“ Rückblickend bezeichnete sie dieses Verhalten selbst als leichtsinnig.
Ihre Erfahrungen in Russland führten auch zu einer politischen Einschätzung, die sie bis heute beschäftigt. Nach ihrer Beobachtung verschwanden die alten Machtstrukturen mit dem Zusammenbruch der Sowjetunion keineswegs vollständig. Vielmehr hätten frühere Eliten ihre wirtschaftliche und politische Macht in veränderter Form behalten. „Es gab eine Öffnung, ja, aber eine richtige Erneuerung, dass Entmachtung stattgefunden hätte, laut meiner Einschätzung eigentlich nicht“, sagte Christine Kehrer.
Noch belastender waren ihre Erfahrungen während der Kriege im ehemaligen Jugoslawien. In Kroatien und anderen Konfliktregionen erlebte sie Gewalt, Zerstörung und menschliches Leid unmittelbar. Besonders die Begegnungen mit verwundeten Kindern und verzweifelten Zivilisten haben sich tief in ihr Gedächtnis eingeprägt. Kehrer schilderte eine Frau, die sie während einer Recherche geradezu anflehte zu bleiben, weil die Anwesenheit der Journalistin für sie eine Art Lebensversicherung bedeutete. Auch die Folgen versteckter Sprengsätze, durch die Kinder schwerste Verletzungen erlitten, gehören zu den Erinnerungen, die sie bis heute begleiten.
„Das geht an die Substanz“, sagte Christine Kehrer über die psychischen Belastungen der Kriegsberichterstattung. Zwar müsse ein Journalist versuchen, unterschiedliche Perspektiven einzunehmen und ausgewogen zu berichten. Doch angesichts schwerster Menschenrechtsverletzungen stoße die persönliche Distanz an Grenzen. „Das nimmt einen sehr mit“, räumte sie ein. Hinzu kamen Zensurversuche, Behinderungen bei der Übertragung von Fernsehbeiträgen und Drohungen im Zusammenhang mit investigativen Recherchen.
Schließlich entschied sie sich bewusst, die Kriegsberichterstattung aufzugeben. Sie habe festgestellt, dass die ständige Konfrontation mit Gewalt und die Suche nach immer drastischeren Geschichten ihren Preis forderten. Der zunehmende Quotendruck habe diese Entwicklung zusätzlich verstärkt. Auch angesichts des heutigen Krieges in der Ukraine verspürt Kehrer keinen Wunsch, erneut als Kriegsreporterin zu arbeiten. Die Konflikte seien durch Cyberangriffe, digitale Manipulation und internationale Interessen noch komplexer und unberechenbarer geworden.
Dass Journalismus auch ganz andere Geschichten hervorbringen kann, zeigt eine ihrer ungewöhnlichsten Begegnungen. Für das Bayerische Fernsehen gelang es Kehrer, die als äußerst medienscheu bekannte Pumuckl-Erfinderin Ellis Kaut für ein ausführliches Fernsehporträt zu gewinnen. Zahlreiche Kollegen waren zuvor gescheitert. Kehrer wählte einen ungewöhnlichen Weg: Sie klingelte unangemeldet an Kauts Wohnungstür und stellte eine überraschende Frage. „Wie schafft man es als gebürtige Stuttgarterin, das erste Münchner Kindl zu werden?“ Die Frage wirkte. Kaut ließ sie herein, und aus der Begegnung entwickelte sich ein Vertrauensverhältnis. Schließlich erklärte die Schriftstellerin gegenüber dem Bayerischen Fernsehen, dass ausschließlich Christine Kehrer das Porträt drehen dürfe.
Für Christine Kehrer ist diese Geschichte ein Beispiel dafür, wie wichtig Vorbereitung, Einfühlungsvermögen und die richtige Interviewtechnik sind. „Es lebt für meine Begriffe immer von den Protagonisten und auch von einer guten Interviewtechnik“, erklärte sie. Nicht allein die Antworten seien entscheidend, sondern vor allem die Fähigkeit des Interviewers, Vertrauen aufzubauen und Menschen zum Erzählen zu bringen. „Das ist schon eine Kunst des Interviewens.“
Diese Haltung prägt auch ihren Blick auf den technischen Wandel der Medien. Smartphones ermöglichen heute hochwertige Videoaufnahmen und die unmittelbare Veröffentlichung von Nachrichten aus nahezu jedem Winkel der Welt. Kehrer sieht darin durchaus Chancen, warnt aber davor, technische Möglichkeiten mit journalistischer Qualität gleichzusetzen. „Was es aber nicht ersetzt, ist ein gutes journalistisches Handwerk.“ Quellen müssten überprüft, Informationen eingeordnet und unterschiedliche Perspektiven miteinander verbunden werden. Einfach nur eine Kamera auf ein Ereignis zu richten, reiche nicht aus.
Dabei macht sie keinen grundsätzlichen Qualitätsunterschied zwischen privatem und öffentlich-rechtlichem Fernsehen. Die Formate, Zielgruppen und Erzählgeschwindigkeiten seien unterschiedlich, das journalistische Handwerk bleibe jedoch dasselbe. Während manche öffentlich-rechtlichen Produktionen mehr Raum für Hintergründe ließen, arbeiteten private Sender häufig mit kürzeren Schnitten, anderer Musik und stärker verdichteten Texten. Entscheidend sei, die jeweilige journalistische Form zu beherrschen.
Eine besondere Anerkennung ihrer Arbeit erhielt Kehrer 2003 mit dem Caritas-Journalistenpreis für ihren Beitrag „Freudentanz“. Darin porträtierte sie eine engagierte Frau, die mit einem interkulturellen Tanzprojekt Kindern und Jugendlichen mit Migrationsgeschichte neue Perspektiven eröffnete. Auch hier stand nicht das spektakuläre Ereignis, sondern eine Persönlichkeit mit ihrer Motivation und ihrem gesellschaftlichen Engagement im Mittelpunkt. „Ich mag Menschen“, brachte Kehrer ihre journalistische Grundhaltung auf den Punkt.
Seit 2011 arbeitet sie für die SOS-Kinderdörfer und verantwortet dort den Bereich TV- und Video-Marketing. Der Wechsel vom klassischen Journalismus in die Kommunikation einer internationalen Hilfsorganisation hatte mehrere Gründe. Neben dem beruflichen Angebot spielte die familiäre Situation eine entscheidende Rolle. Mit zwei schulpflichtigen Kindern und einem ebenfalls beruflich viel reisenden Ehemann wurde die Planbarkeit des Alltags zunehmend wichtiger. Gleichzeitig eröffnete die neue Tätigkeit die Möglichkeit, weiterhin internationale Geschichten zu erzählen und Menschen in schwierigen Lebenssituationen zu begegnen.
Besonders wichtig ist Christine Kehrer dabei der Schutz der Kinder. Während in der klassischen Kriegsberichterstattung früher häufig drastische Bilder von Leid und Elend gezeigt wurden, gelten bei den SOS-Kinderdörfern strenge Kinderschutzrichtlinien. „Kinderschutz ist die oberste Priorität“, stellte sie unmissverständlich klar. Kinder dürften nicht auf ihre Not reduziert oder durch Filmaufnahmen bloßgestellt werden. Ihre Geschichten müssten in einen größeren Zusammenhang eingeordnet werden, der auch Perspektiven und Hilfsmöglichkeiten sichtbar macht.
Die Kinder selbst werden deshalb nicht zu ihren traumatischen Erlebnissen befragt. Stattdessen kommen beispielsweise Eltern, Betreuungspersonen oder Sozialarbeiter zu Wort. Für Kehrer ist das keine Einschränkung journalistischer Qualität, sondern Ausdruck einer besonderen Verantwortung. „Kinder in ihrer Not, in ihrem Elend, also singulär darzustellen, ist jetzt bei der Marke der SOS-Kinderdörfer absolutes Tabu“, betonte sie.
Auch ihr Engagement im Vorstand des PresseClubs München versteht Kehrer als Ausdruck dieser Verantwortung. Der PresseClub sei für sie weit mehr als ein berufliches Netzwerk. „Der Presseclub ist für mich eigentlich ein Forum, wo ich auch Leute treffe, die meine Geisteshaltung teilen, mit denen man sich auf Augenhöhe austauschen kann.“ Besonders wichtig seien ihr demokratische Werte, journalistische Glaubwürdigkeit und der Austausch unterschiedlicher Perspektiven.
Im Vorstand möchte sie ihre langjährigen Kontakte, ihre internationale Erfahrung und ihre Kenntnisse der Medienbranche einbringen. Dabei sieht sie sich auch als Unterstützerin und Mentorin, die andere Menschen ermutigen möchte, sich zu engagieren. Zugleich gehe es darum, die Bekanntheit und Reichweite des PresseClubs zu stärken und neue Kooperationen zu ermöglichen.
Zum Abschluss des Gesprächs fragte Matthias J. Lange nach jener Geschichte, die Kehrer verwirklichen würde, wenn Geld, Personal und Sendeplätze keine Rolle spielten. Ihre Antwort führte zurück zu den gesellschaftlichen Fragen, die sie seit Jahrzehnten beschäftigen. Sie würde sich mit den Veränderungen durch Cyberkriminalität, digitale Manipulation und Deepfakes auseinandersetzen und untersuchen, wie Glaubwürdigkeit und humanitäre Werte in einer zunehmend digitalisierten Gesellschaft bewahrt werden können.
Dabei interessieren sie nicht nur prominente Persönlichkeiten, sondern gerade jene Menschen, die abseits der großen Öffentlichkeit ihren eigenen Weg durch gesellschaftliche Umbrüche finden. Wie können Werte vermittelt werden, wenn Informationen zunehmend manipulierbar sind? Welche Bedeutung haben Vertrauen, Glaubwürdigkeit und Menschlichkeit in einer Welt, die sich technologisch immer schneller verändert?
Das Gespräch im PresseClub München machte deutlich, dass Christine Kehrer trotz jahrzehntelanger Berufserfahrung ihre journalistische Neugier nicht verloren hat. Wenige Tage nach der Podcastaufzeichnung sollte sie erneut nach Somaliland reisen, um für die SOS-Kinderdörfer zu arbeiten. Ihr beruflicher Weg führte sie von den politischen Umbrüchen Osteuropas über die Schrecken des Krieges bis zur humanitären Kommunikation. Geblieben ist ihre Überzeugung, dass gute Geschichten von Menschen leben und Journalismus mehr bedeutet als das bloße Vermitteln von Informationen.
Oder, wie Christine Kehrer es selbst formulierte: „Ich mag Menschen.“
Ich habe in einem Laden eine Platte gekauft für wenig Geld, die wirklich schrecklich ist. Warum habe ich sie erstanden? Weil ich neugierig war. Es ist eine musikalische Katastrophe zwischen Science-Fiction-Kitsch, elektronischem Größenwahn und unfreiwilliger Komik.
Es handelt sich um das Album von Battlefield Earth vom Oberscientologen  L. Ron Hubbard. Es ist ein musikalisches Kuriosum, das sich jeder vernünftigen Einordnung entzieht. Was hier als monumentales Science-Fiction-Klangerlebnis verkauft wird, entpuppt sich als eine nahezu unerträgliche Mischung aus synthetischem Bombast, musikalischer Selbstüberschätzung und akustischem Irrsinn. Ein Album, das offenbar die Unendlichkeit des Weltraums beschwören will, dabei aber vor allem die Grenzen des guten Geschmacks auslotet. Gut, dass dieses Album für ein Schnäppchenpreis über die Theke ging – der Verkäufer hatte wohl Mitleid. Ich stellte aber sofort klar, dass ich kein Scientology-Anhänger bin – eigentlich das Gegenteil.
Aber zurück zum Album. Das 1982 veröffentlichte Album Space Jazz: The Soundtrack of the Book Battlefield Earth basiert auf dem gleichnamigen Science-Fiction-Roman des Scientology-Gründers L. Ron Hubbard. Schon diese Verbindung lässt nichts Gutes erahnen. Hubbard, der sich nicht gerade durch Bescheidenheit auszeichnete, wollte offenbar nicht nur literarisch ganze Universen erschaffen, sondern ihnen auch gleich noch den passenden Soundtrack verpassen. Das Ergebnis ist eine musikalische Hybris, bei der Anspruch und Wirklichkeit Lichtjahre auseinanderliegen.
Dabei ist die Besetzung durchaus bemerkenswert. Mit Musikern wie Chick Corea und Stanley Clarke sind Namen vertreten, die eigentlich für musikalische Virtuosität und anspruchsvollen Jazz stehen. Doch selbst solche Könner können dieses Projekt nicht retten. Ihre Beteiligung macht das Scheitern sogar noch rätselhafter. Man fragt sich unweigerlich, wie es gelingen konnte, aus derart viel musikalischem Talent ein derart befremdliches Hörerlebnis zu produzieren.
Die Musik selbst schwankt zwischen hektischem Jazzrock, elektronischem Gedudel, pseudo-futuristischen Klangexperimenten und theatralischen Passagen, die selbst einem billigen Science-Fiction-Film der siebziger Jahre peinlich gewesen wären. Immer wieder werden Melodien angedeutet, nur um im nächsten Moment von einer Lawine aus Synthesizergeräuschen, rhythmischen Verrenkungen und überflüssigen Effekten begraben zu werden. Was vermutlich nach einer futuristischen Klanglandschaft klingen sollte, erinnert eher an eine außer Kontrolle geratene Vorführung in einem Elektronikgeschäft.
Besonders problematisch ist die völlige Abwesenheit einer überzeugenden musikalischen Dramaturgie. Die Stücke wirken weniger wie durchkomponierte Werke als vielmehr wie eine Aneinanderreihung von Einfällen, die niemand kritisch hinterfragt hat. Alles muss groß, gewaltig, bedeutungsschwer und möglichst außerirdisch klingen. Doch je mehr sich die Musik anstrengt, desto lächerlicher wird sie. Spannung entsteht kaum, Atmosphäre nur zufällig und wirkliche Emotionen bleiben irgendwo zwischen den elektronischen Klangkulissen auf der Strecke.
Das eigentlich Erschreckende an Battlefield Earth ist jedoch seine penetrante Ernsthaftigkeit. Hier scheint niemand auch nur für einen Augenblick daran gedacht zu haben, dass das gesamte Konzept unfreiwillig komisch wirken könnte. Die Platte nimmt sich selbst so wichtig, dass sie unter dem Gewicht ihrer eigenen Ambitionen zusammenbricht. Man hört förmlich den Anspruch heraus, etwas Revolutionäres geschaffen zu haben. Tatsächlich klingt vieles wie eine musikalische Demonstration dessen, was passiert, wenn ein überdimensioniertes Ego auf technische Spielereien und fehlende künstlerische Selbstkritik trifft.
Auch klangästhetisch ist das Album eine Zumutung. Die elektronischen Effekte wirken heute hoffnungslos antiquiert, ohne dabei jenen nostalgischen Charme zu entwickeln, der viele frühe Synthesizerproduktionen so reizvoll macht. Wo andere Künstler mit elektronischen Instrumenten neue Klangwelten erschlossen, produziert Battlefield Earth vor allem künstliche Aufgeregtheit. Das ist nicht visionär, sondern ermüdend. Nicht experimentell, sondern häufig schlicht geschmacklos. Und nicht etwa mutig avantgardistisch, sondern erschreckend beliebig.
Natürlich besitzt die Platte einen gewissen Kuriositätenwert. Sammler obskurer Veröffentlichungen, Freunde musikalischer Fehlleistungen und Liebhaber bizarrer Science-Fiction-Relikte dürften ihre Freude daran haben. Allerdings eher aus kulturhistorischem Interesse als aus musikalischer Begeisterung. Battlefield Earth ist eine jener Schallplatten, die man einmal auflegt, um herauszufinden, ob sie tatsächlich so grotesk klingt, wie ihr Ruf vermuten lässt. Anschließend wandert sie wahrscheinlich für sehr lange Zeit zurück ins Regal.
Besonders bitter ist, dass hier tatsächlich hervorragende Musiker beteiligt waren. Doch musikalische Klasse allein garantiert noch kein gutes Album. Wenn eine künstlerische Vision derart überladen, selbstverliebt und konzeptuell fragwürdig ist, können auch virtuose Instrumentalisten wenig ausrichten. Das Ergebnis bleibt ein aufgeblasenes Klanggebilde, das sich permanent wichtiger nimmt, als es ist.
Am Ende steht eine Schallplatte, die als musikalische Begleitung eines Science-Fiction-Epos gedacht war, selbst aber wie ein gescheitertes Experiment aus einem Paralleluniversum klingt. Battlefield Earth ist kein vergessenes Meisterwerk, das dringend wiederentdeckt werden müsste. Es ist vielmehr ein faszinierendes Dokument dafür, dass Größenwahn, technische Möglichkeiten und prominente Mitwirkende noch lange keine künstlerische Qualität ergeben.
Mein Fazit: Battlefield Earth ist eine akustische Bruchlandung mit Ansage. Ein Album voller Bombast, ohne wirkliche Größe, voller Effekte, ohne überzeugende Wirkung, und voller musikalischer Aktivität, ohne wirklich etwas zu erzählen. Die Platte möchte uns in ferne Galaxien entführen, doch schon nach wenigen Minuten wünscht man sich nichts sehnlicher als die Rückkehr zur Erde. Wer wissen möchte, wie musikalische Selbstüberschätzung klingt, findet hier ein nahezu perfektes Anschauungsobjekt. Als skurriles Sammlerstück interessant, als ernsthaftes Hörerlebnis weitgehend gescheitert.
Für mich ist Tolkien mehr als nur ein Autor. Er hatte mich mit seinen Geschichten as Jugendlicher in neue Welten entführt und das habe ich nicht vergessen. Daher nimmt das Werk des Briten einen besonderen Platz in meinem Herzen ein. J. R. R. Tolkien war für mich nicht nur ein begnadeter Geschichtenerzähler, sondern auch ein leidenschaftlicher Sprachkünstler und Dichter. Seine Sammlung „Lieder der Hobbits“ eröffnet einen besonderen Zugang zur Welt von Mittelerde. Die Gedichte und Lieder spiegeln die Lebensfreude, den Humor, die Sehnsüchte und die Melancholie jener kleinen Geschöpfe wider, die in Tolkiens großen Werken eine so entscheidende Rolle spielen. Dabei reicht die Stimmung von heiteren Versen über gesellige Zusammenkünfte bis hin zu nachdenklichen Betrachtungen über Freundschaft, Heimat, Abenteuer und Vergänglichkeit. Gerade die scheinbar einfachen Lieder zeigen Tolkiens außergewöhnliches Gespür für Rhythmus, Sprache und die Erschaffung einer glaubwürdigen Mythologie. Die liebevolle Gestaltung mit einer Illustration im typischen Tolkien-Stil macht die kleine Ausgabe zusätzlich reizvoll. „Lieder der Hobbits“ ist eine schöne Ergänzung für Liebhaber von „Der Hobbit“ und „Der Herr der Ringe“ und erinnert daran, dass Mittelerde nicht allein aus großen Schlachten und heldenhaften Taten besteht, sondern auch aus Musik, Poesie und der Freude an den kleinen Dingen des Lebens. Die drei Büchlein sind inzwischen vergriffen, aber als Gebrauchbuch noch erhältlich.
Seine Verse leben von einem ausgeprägten Gefühl für Sprachrhythmus, Klang und musikalische Strukturen. Tolkien, der sich intensiv mit altenglischer und mittelalterlicher Dichtung beschäftigte, greift auf traditionelle Reimformen, Alliterationen und volksliedhafte Wiederholungen zurück. Manche Gedichte besitzen die Leichtigkeit von Kinderreimen, andere erinnern an alte Balladen oder melancholische Volksweisen. Besonders reizvoll ist der Wechsel zwischen scheinbar naiver Heiterkeit und überraschender philosophischer Tiefe. Hinter einfachen Worten verbergen sich Gedanken über die Vergänglichkeit des Lebens, die Sehnsucht nach Heimat, den Lauf der Zeit und die Ungewissheit des Schicksals.
Die Lyrik der Hobbits zeichnet sich besonders durch ihre Bodenständigkeit aus. Essen, Trinken, Wandern, Natur und Geselligkeit werden zu poetischen Motiven. Tolkien erhebt das Alltägliche zum Gegenstand der Dichtung und verleiht ihm damit eine besondere Würde. Gleichzeitig durchzieht viele seiner Verse eine leise Melancholie. Das Vertraute ist kostbar, weil es verloren gehen kann. Gerade dieser Gegensatz zwischen Lebensfreude und Vergänglichkeit macht den besonderen Reiz seiner Gedichte aus.
Interessant ist auch Tolkiens spielerischer Umgang mit Sprache. Wortwitz, ungewöhnliche Bilder, rhythmische Überraschungen und gelegentlich absurde Einfälle zeigen einen Autor, der Freude am Experimentieren besitzt. Seine Gedichte funktionieren häufig auch unabhängig von den großen Erzählungen Mittelerdes. Sie lassen sich laut lesen, besitzen einen eigenen musikalischen Charakter und erinnern daran, dass Dichtung ursprünglich eng mit dem gesprochenen und gesungenen Wort verbunden war. „Lieder der Hobbits“ ist deshalb weit mehr als eine literarische Zugabe für Tolkien-Fans. Die Sammlung eröffnet einen Zugang zu einem Schriftsteller, dessen Fantasie nicht allein aus epischen Schlachten, erfundenen Sprachen und komplexen Mythologien bestand. In seiner Lyrik zeigt sich Tolkien als genauer Beobachter des Lebens, als Sprachmusiker und als Dichter, der selbst den kleinen Dingen einen Hauch von Ewigkeit verleihen konnte.
Er bringt internationale Gitarrenvirtuosen nach Maisach, organisiert Konzerte und Kabarettabende, begeistert sich für Veranstaltungstechnik und scheut auch vor großen Projekten nicht zurück. Hans-Dieter Scherer, den die meisten Menschen in Maisach einfach als „HD“ kennen, gehört seit Jahrzehnten zu den engagierten Kulturmachern der Gemeinde Maisach. Beim BistroTalk im Bistro SixtyFour sprach er mit Gastgeber Matthias J. Lange über seine ungewöhnliche Lebensgeschichte, musikalische Leidenschaften, spektakuläre Konzerterlebnisse, wirtschaftliche Risiken und die Schwierigkeiten, in einer Gemeinde kulturelle Angebote zu schaffen. Dabei wurde deutlich: Scherer ist ein Mann, der lieber handelt, als lange zu diskutieren.
„Einfach machen, riskieren, Mut haben, ausprobieren.“ Mit diesen Worten beschreibt Hans-Dieter Scherer seine Lebenseinstellung. Es ist ein Motto, das sich wie ein roter Faden durch seine Biografie zieht. Der Sponsor der Veranstaltung war das Zentrum für Gesundheit Dombo. Hier die Aufzeichnung des Live-Streams.
Der gebürtige Maisacher hat im Laufe seines Lebens erstaunlich viele unterschiedliche Tätigkeiten ausgeübt. Er arbeitete als Kfz-Mechaniker, beschäftigte sich mit Mediengestaltung und Webdesign, sammelte Erfahrungen beim Fernsehen und entwickelte sich schließlich zu einem Konzertveranstalter, der weit über die Gemeindegrenzen hinaus bekannt ist. Eine geradlinige Karriere war das nicht. Doch Scherer betrachtet seine beruflichen Wechsel keineswegs als Nachteil. „Ich mache eigentlich hauptsächlich Sachen, die mir Spaß machen“, erklärte er im Gespräch. Schon früh habe er gewusst, welche Tätigkeiten er nicht ausüben wollte. Stattdessen sei er seinen Interessen gefolgt und habe neue Herausforderungen angenommen. „Irgendwann kam der Punkt, an dem ich gesagt habe: Nicht nur rumquatschen, sondern einfach auch mal machen.“ Geprägt wurde er durch seine Familie und das handwerkliche Umfeld. Sein Vater betrieb ein Baugeschäft in Maisach, in dem Scherer bereits als Jugendlicher mitarbeitete und praktische Erfahrungen sammelte. Auch seine Linkshändigkeit spielte nach eigener Einschätzung eine Rolle. Während sein Vater ihn ursprünglich zum Rechtshänder umerziehen wollte, setzte sich eine Grundschullehrerin dafür ein, dass er seine natürliche Veranlagung behalten durfte. Scherer entwickelte dadurch nach eigener Darstellung eine besondere Freude daran, unterschiedliche handwerkliche und technische Fähigkeiten auszuprobieren. Seiner Heimatgemeinde ist er bis heute verbunden. Familie, Freunde und das Elternhaus seien wichtige Gründe, weshalb er Maisach trotz zahlreicher Reisen und beruflicher Veränderungen nie dauerhaft verlassen wollte. Hinzu kommt ein weiterer Antrieb: der Wunsch, das kulturelle Leben vor Ort zu bereichern.
Dass Heimatverbundenheit nicht zwangsläufig Provinzialität bedeutet, zeigt Scherers Reisebiografie. Immer wieder zog es ihn in andere Länder, wo er ungewöhnliche Erfahrungen sammelte und sich auf neue Situationen einließ. Nach dem Ende einer Beziehung verbrachte er ein halbes Jahr auf einem biologisch bewirtschafteten Bauernhof in Spanien. Ohne Spanischkenntnisse angekommen, lernte er die Sprache im Alltag und gewann gleichzeitig wichtige Erkenntnisse über seine eigenen Lebensvorstellungen. Dort begegnete er zahlreichen deutschen Auswanderern und beobachtete, wie schwer es vielen fiel, sich dauerhaft in ihrer neuen Heimat einzuleben. „Da habe ich sofort gewusst: Das ist nicht meins“, erinnerte er sich. Für ihn stand fest, dass er immer wieder nach Maisach zurückkehren wollte. In Kanada half er einem Freund beim Bau eines Holzhauses und arbeitete dabei mit kanadischen Zimmerleuten zusammen. Neben der handwerklichen Erfahrung lernte er Land und Leute kennen, besuchte Country-Bars und die Niagarafälle. Auch diese Reise hinterließ bleibende Eindrücke, änderte jedoch nichts an seiner Heimatverbundenheit. Besonders ungewöhnlich waren seine Aufenthalte in Indien und Mexiko. Für einen Bekannten, der Naturprodukte vertrieb, suchte Scherer in Bombay nach traditionellen Kajalstiften und in Mexiko nach der sogenannten Rose von Jericho. Die Wüstenpflanze, die sich bei Kontakt mit Wasser entfaltet, wurde anschließend nach Deutschland gebracht. Auf diese Weise verband Scherer seine Reiselust mit praktischen Aufgaben. Dieses Prinzip verfolgt er bis heute. Seine Gitarrenworkshops in Österreich ermöglichen es ihm, Organisation, Musik und Reisen miteinander zu verbinden. „Ich kann organisieren, bin dort, höre Musik und habe super Leute um mich herum“, beschrieb er die Vorteile.
Die Leidenschaft für Musik begann bereits in seiner Jugend. Mit etwa 13 Jahren bekam Scherer von seinen beiden Schwestern zwei Musikkassetten geschenkt: eine mit Musik der Beatles und eine mit Liedern von Donovan. „Die habe ich rauf und runter gehört“, erinnerte er sich. Später nahm er Musik aus dem Radio auf und entwickelte ein immer breiteres Interesse an unterschiedlichen Stilrichtungen. Auch selbst musizierte Scherer. Als Jugendlicher spielte er Posaune und trat unter anderem gemeinsam mit einem späteren Mitglied der bekannten bayerischen Musikerfamilie Well auf. Sogar ein gemeinsames Konzert in der Jahnhalle Fürstenfeldbruck gehörte zu seinen frühen musikalischen Erfahrungen. Zur Gitarre entwickelte er eine besondere Beziehung, auch wenn er selbst nie zum Gitarrenvirtuosen wurde. Als Linkshänder habe er damals nicht gewusst, dass es spezielle Gitarren für Linkshänder gibt. Auf der Bühne stand er dennoch gelegentlich als Sänger, allerdings ohne daraus eine eigene Musikerkarriere zu machen. Der eigentliche Einstieg in die Konzertorganisation erfolgte über Veranstaltungen in Maisach. Rund 20 Jahre lang war Scherer an einem Hobbyfußballturnier beteiligt, bei dem auch regionale Bands auftraten. Zu den Musikern gehörte unter anderem Wally Warning. So entstanden erste Kontakte zur professionellen Musikszene. Entscheidend wurde später die Zusammenarbeit mit dem damaligen Maisacher Brauereichef Benno Wieser, der die Konzertreihe „Beer & Guitar“ ins Leben gerufen hatte. Gemeinsam besuchten sie die Musikmesse in Frankfurt. Dort begegneten sie internationalen Gitarristen wie Jacques Stotzem, Joscho Stephan und Tommy Emmanuel. Scherer setzte dabei auf persönliche Gespräche statt auf formelle Anfragen über Agenturen. Aus Begegnungen wurden Kontakte und aus Kontakten schließlich Konzerte. Als Wieser die Reihe nicht mehr weiterführen konnte, übernahm Scherer die Organisation.
Dass international bekannte Musiker in einer vergleichsweise kleinen Gemeinde auftreten, ist für Scherer vor allem eine Frage des persönlichen Netzwerks. Viele Künstler kennt er inzwischen seit Jahren. Andere werden ihm von Konzertbesuchern empfohlen oder melden sich selbst bei ihm. „Ich habe so viele Kontakte, dass ich das hauptsächlich direkt mache, ohne Agenturen“, erklärte er. Gerade bei Gitarristen funktioniere diese persönliche Ansprache häufig sehr gut. Dabei nutzt Scherer geschickt bestehende Tourneepläne. Wenn ein Musiker aus Australien oder Kanada ohnehin durch Europa reist, kann Maisach zu einer zusätzlichen Station werden. So lassen sich hohe Reisekosten vermeiden. Als Beispiel nannte er den australischen Gitarristen Michael Fix, der für Herbst 2027 wieder eine Europatournee plant. Entscheidend ist für Scherer jedoch nicht allein der Bekanntheitsgrad eines Künstlers. Die Musik muss ihm selbst gefallen und zum Publikum passen. Neue Namen entdeckt er über Empfehlungen, persönliche Kontakte und Videos im Internet. Dabei hört er genau hin, bevor er sich für eine Verpflichtung entscheidet. Sein Publikum ist über die Jahre gewachsen und anspruchsvoller geworden. Viele Besucher spielen selbst Gitarre und wissen die technischen Fähigkeiten der auftretenden Musiker zu schätzen. „Für die ist das ein Wahnsinn, dass solche Leute überhaupt kommen“, sagte Scherer. Die Nähe zur Großstadt München empfindet er nicht als Konkurrenz. Im Gegenteil: Gerade die überschaubare Atmosphäre seiner Konzerte sei ein entscheidender Vorteil. Während in manchen Münchner Musiklokalen während eines Auftritts weitergeredet werde, herrsche in Maisach eine besondere Aufmerksamkeit. „Zu mir in den Keller kommen die Leute und hören zu. Das ist wirklich ein interessiertes Publikum.“ Dass sich dieses Konzept durchsetzen würde, war keineswegs selbstverständlich. „Es hat schon vier, fünf Jahre gedauert, bis das hier angekommen ist“, erinnerte sich Scherer. Heute reisen Konzertbesucher aus Starnberg und teilweise sogar aus Österreich an.
Zu den Höhepunkten seiner Veranstalterlaufbahn zählt Scherer das Konzert von LaBrassBanda beim Maisacher Volksfest 2017. Rund 2000 Menschen feierten damals im Festzelt die bayerische Band. „Das war genial. Diese ganze Menge hat getanzt, das war wunderschön“, schwärmte Scherer noch Jahre später. Möglich wurde die Veranstaltung durch persönliche Kontakte. Sein Tontechniker Flo Leitwieser arbeitete auch für LaBrassBanda und konnte den Kontakt zur Band herstellen. Anschließend mussten die Verhandlungen mit dem Management geführt und die Veranstaltung gemeinsam mit der Gemeinde und dem Festwirt geplant werden. Ein Konzert dieser Größenordnung ist allerdings mit erheblichen finanziellen Risiken verbunden. Scherer erläuterte, dass allein für eine bekannte Band eine Gage in der Größenordnung von 35.000 Euro anfallen könne. Hinzu kommen Kosten für Technik, Werbung, Personal und Unterbringung. Bei rund 2000 erwarteten Besuchern müsse deshalb sorgfältig kalkuliert werden, welcher Eintrittspreis erforderlich sei, um sämtliche Ausgaben zu decken. „Da kannst du runterrechnen, wie viel die Eintrittskarte kosten muss, dass zumindest noch ein kleiner Gewinn herauskommt.“ Auch die logistischen Anforderungen sind erheblich. Eine größere Band reist mit Technikern und weiteren Mitarbeitern an. Bis zu 20 Personen müssen untergebracht, versorgt und betreut werden. Hinzu kommen Bühnenaufbau, Stromversorgung, Sicherheitsfragen und die Abstimmung mit zahlreichen Beteiligten. Wenn schließlich alles vorbereitet ist und das Konzert beginnt, kann Scherer die Musik genießen. „Dann halte ich mich raus, dann genieße ich“, sagte er lachend.
Nicht jede Veranstaltung wird allerdings zum Erfolg. Scherer berichtete auch von Konzerten, bei denen organisatorisch oder wirtschaftlich einiges schiefging. Besonders in Erinnerung geblieben ist ihm ein Auftritt eines tschechischen Gitarristen im Jahr 2008. Während seine Konzerte normalerweise gut besucht waren, erschienen an diesem Abend lediglich vier Zuschauer. Der Grund war nach Scherers Einschätzung ein parallel stattfindendes Fußballspiel zwischen Bayern München und der damals besonders erfolgreichen TSG Hoffenheim. Der Musiker spielte trotzdem sein Konzert. Für Scherer war das eine wichtige Erfahrung. Gerade in Bayern müsse man bei der Terminplanung auch den Fußballkalender berücksichtigen. Das sei allerdings schwierig, weil konkrete Spielansetzungen häufig erst vergleichsweise kurzfristig feststehen. Auch technische Pannen gehören zum Veranstalteralltag. Bei einem Konzert des Bluesmusikers Abi Wallenstein kam es wiederholt zu unangenehmen Rückkopplungen. Mehrfach wurde das Mikrofon ausgetauscht, bevor sich herausstellte, dass die Ursache in der Position eines Lautsprechers auf der Bühne lag. Solche Erfahrungen zeigen, dass selbst kleine Konzerte erhebliche technische Anforderungen stellen.
Besonders schwierig war für Scherer die Corona-Pandemie. Als Konzerte in geschlossenen Räumen kaum möglich waren, entwickelte er gemeinsam mit Verantwortlichen der Maisacher Brauerei alternative Veranstaltungskonzepte. Die Idee war, mit kleinen Bühnen ins Freie auszuweichen. Unter anderem wurden Veranstaltungen beim Schützenheim in Maisach und in Gernlinden organisiert. Dort trat auch die Kabarettistin Franziska Wanninger auf. Der erhoffte Erfolg blieb allerdings aus. Nur wenige Besucher kamen zu den Veranstaltungen. „Es kamen ganz, ganz wenige Leute“, erinnerte sich Scherer. Finanziell konnten die Verluste teilweise durch die Unterstützung der Brauerei aufgefangen werden. Dennoch bereut er diese Versuche nicht. Sie entsprachen seiner grundsätzlichen Einstellung, auch unter schwierigen Bedingungen nach Lösungen zu suchen. Nach dem Ende der Pandemie dauerte es nach seiner Beobachtung etwa ein weiteres Jahr, bis sich das Publikum wieder an regelmäßige Konzertbesuche gewöhnt hatte. Inzwischen funktioniere das Geschäft wieder gut. Reine Streamingveranstaltungen sind für Scherer dagegen keine Alternative. Ihm geht es um die unmittelbare Begegnung zwischen Künstlern und Publikum.
Im Gespräch mit Matthias J. Lange berichtete Scherer auch von Veranstaltungsprojekten, die nie verwirklicht wurden. Besonders spektakulär war die Idee, die australische Rockband AC/DC auf das Gelände des ehemaligen Fliegerhorstes Fürstenfeldbruck zu holen. Der frühere Brauereichef Benno Wieser verfügte nach Scherers Angaben über persönliche Kontakte zur Familie der Band in Schottland. Gemeinsam überlegten sie, ob sich ein großes Konzert auf dem weitläufigen Gelände organisieren ließe. Die Idee scheiterte letztlich an den unklaren Nutzungsmöglichkeiten und den fehlenden organisatorischen Voraussetzungen. Auch mögliche Großkonzerte auf einem geplanten Trabrennbahnareal blieben Gedankenspiele. Ein weiteres Projekt entstand gemeinsam mit Markus Libal. Auf dem ehemaligen Volksfestplatz in Maisach sollte eine dauerhafte Infrastruktur für Kulturveranstaltungen geschaffen werden. Vorgesehen waren unter anderem feste Toilettenanlagen, Stromanschlüsse und Möglichkeiten für Open-Air-Konzerte. Doch auch dieses Vorhaben wurde nicht umgesetzt. Nach Scherers Darstellung veränderten sich die Voraussetzungen durch die Verpachtung des Geländes. Inzwischen konzentriert sich Scherer bewusst wieder stärker auf kleinere Veranstaltungen und seine Gitarrenworkshops. Diese finden unter anderem in Österreich statt und sollen möglicherweise weiter ausgebaut werden.
Neben der Musik begeistert sich Scherer seit seiner Kindheit für Technik. Schon früh beschäftigte er sich mit Fischertechnik, Lego, Elektromotoren und selbst gebauten Radios. Später kamen Erfahrungen aus der Fernseh- und Medienbranche hinzu. Heute besitzt er eigene Tonanlagen und kümmert sich bei vielen Veranstaltungen selbst um technische Fragen. Dabei ist er keineswegs ein bedingungsloser Anhänger moderner Digitaltechnik. „Ich bin noch analog unterwegs“, erklärte er. Er arbeitet weiterhin gerne mit klassischen Mischpulten und setzt auf bewährte Mikrofone und Lautsprecher. Entscheidend sei nicht die teuerste Technik, sondern die Fähigkeit, richtig zuzuhören. Scherer kritisierte, dass bei manchen Konzerten Gesang und Instrumente schlecht aufeinander abgestimmt seien. „Ein guter Tontechniker muss das hören. Der muss auch mal nach vorne gehen, in die Ecke gehen und nach hinten gehen, um einen akustischen Eindruck zu bekommen.“ Besonders wichtig ist für ihn die Raumakustik. Kahle Wände erzeugen unangenehmen Nachhall, während Vorhänge, Holzverkleidungen und andere Oberflächen den Klang verbessern können. Auch das Publikum verändert die akustischen Bedingungen. Ein voller Saal absorbiert Schall und macht es notwendig, während des Konzerts nachzuregeln. Mit modernen Möglichkeiten wie Autotune und künstlicher Intelligenz beschäftigt sich Scherer durchaus interessiert. Dennoch bevorzugt er handgemachte Musik. „Ich stehe eher auf ehrliche Musik, wo ehrlich Gitarre gespielt und ehrlich gesungen wird“, betonte er. Diese Haltung spiegelt sich auch in seinem privaten Musikgeschmack wider. Er hört Rockmusik, Klassiker der 1960er- und 1970er-Jahre sowie akustische Gitarrenmusik. Zu den Künstlern, die er selbst live erlebt hat, gehören David Bowie, Iggy Pop und die Stranglers. Dass musikalische Klassiker auch bei jüngeren Generationen funktionieren, erlebt er in seiner eigenen Familie. Schmunzelnd erzählte er, wie ihm seine Kinder einmal begeistert eine vermeintlich neue musikalische Entdeckung vorspielten: „Smoke on the Water“ von Deep Purple.
Bei aller Begeisterung bleibt die Organisation von Konzerten eine wirtschaftliche Herausforderung. Scherer übernimmt viele Aufgaben selbst: Künstlerkontakte, Vertragsverhandlungen, Werbung, Internetauftritt, Plakatierung, Technik, Hotelbuchungen und die Abrechnung mit Verwertungsgesellschaften. Hinzu kommen gesetzliche Verpflichtungen und Kosten etwa für GEMA und Künstlersozialabgabe. Rechnet man die aufgewendete Arbeitszeit vollständig ein, bleibt häufig nur ein geringer finanzieller Ertrag. „Das darf man gar nicht nachrechnen, die Zeit, die man da aufwendet“, sagte Scherer. Er betonte allerdings, dass er seine Veranstaltungen nicht ausschließlich ehrenamtlich organisiere. Ein kleiner Überschuss solle möglichst entstehen. Davon leben könne er jedoch nicht. „Das Ganze ist natürlich eine Leidenschaftsgeschichte. Das macht mir Spaß.“ Sein Ziel sei es, kulturell interessante Veranstaltungen anzubieten und gleichzeitig das finanzielle Risiko überschaubar zu halten. Bei kleineren Konzerten sei er bereits zufrieden, wenn Einnahmen und Ausgaben ausgeglichen seien. Gerade diese Verbindung aus persönlichem Engagement und unternehmerischem Risiko macht die Situation privater Kulturveranstalter deutlich. Sie schaffen Angebote, die das kulturelle Leben einer Gemeinde bereichern, tragen aber einen erheblichen Teil des wirtschaftlichen Risikos selbst.
Deutlich wurde Scherer, als das Gespräch auf die Kulturpolitik der Gemeinde Maisach kam. Zwar würdigte er ausdrücklich bestehende Angebote wie den Winterzauber, den Künstlermarkt und die Leistungen örtlicher Musikgruppen. Insgesamt sieht er jedoch erheblichen Verbesserungsbedarf. Besonders kritisch beurteilt er die geplante Abschaffung der öffentlichen Anschlagtafeln in Maisach. Diese seien für Veranstalter eine wichtige Werbemöglichkeit und würden insbesondere von älteren Menschen genutzt, die sich nicht ausschließlich digital informieren. „Die Entscheidung finde ich absolut falsch“, sagte Scherer. Er berichtete von einem Gespräch mit Bürgermeister Hans Seidl, bei dem die Bedeutung der Plakatwerbung unterschiedlich eingeschätzt worden sei. Nach Scherers Darstellung verwies der Bürgermeister auf digitale Informationsmöglichkeiten. Scherer hielt dagegen, dass bei Wahlkämpfen schließlich ebenfalls weiterhin Plakate eingesetzt würden. Auch die Regelung, nach der kommerzielle Veranstaltungen nicht im gemeindlichen Mitteilungsblatt angekündigt werden können, kritisierte er. Gerade kleinere private Kulturveranstalter seien auf solche Informationsmöglichkeiten angewiesen. „Das wäre echt interessant, dann würde es auch jeder in der Gemeinde Maisach mitkriegen“, erklärte er. Scherer sieht darin eine grundsätzliche Frage: Welche Unterstützung erhalten Menschen, die außerhalb klassischer Vereinsstrukturen kulturelle Angebote organisieren? Er selbst sei kein Verein, leiste aber seit Jahrzehnten Kulturarbeit für die Gemeinde. Deshalb wünsche er sich mehr Offenheit gegenüber privaten Initiativen. Auch die fehlenden Veranstaltungsräume seien ein Problem. Durch die Schließung des Bürgerzentrums Gernlinden habe sich die Situation weiter verschärft. Zwar habe er dort früher bereits Veranstaltungen organisiert, doch grundsätzlich wünsche er sich Räume mit einer angenehmen Atmosphäre, die auch für kleinere Konzerte geeignet seien. Moderne Gemeindebauten empfindet er teilweise als zu kühl und steril. Gerade bei Musikveranstaltungen sei die Atmosphäre jedoch entscheidend.
Auf die Frage nach seinem größten Wunsch an die Maisacher Kommunalpolitik musste Scherer nicht lange überlegen. „Einen schönen, tollen Veranstaltungsraum, einen Konzertsaal. Das wäre schon mal sehr interessant.“ Darüber hinaus wünscht er sich mehr Austausch zwischen Kulturveranstaltern und politischen Entscheidungsträgern. Nach seiner Darstellung habe es bislang kaum Möglichkeiten gegeben, gemeinsam über kulturelle Projekte und neue Veranstaltungsformate zu sprechen. Seine Erfahrungen mit einzelnen kommunalpolitischen Ansprechpartnern schilderte er kritisch. Mehrere Ideen seien nicht weiterverfolgt worden, und er habe sich mit seinen Vorschlägen nicht ausreichend wahrgenommen gefühlt. Dabei machte Scherer deutlich, dass er sich keineswegs nur als Vertreter einer bestimmten Musikrichtung versteht, sondern ein breites kulturelles Angebot im Blick hat. Trotz dieser Enttäuschungen will er weitermachen. Die Erfahrungen der vergangenen Jahrzehnte haben ihm gezeigt, dass sich Beharrlichkeit auszahlen kann. Zu Beginn seiner Konzertreihe kamen nur wenige Besucher aus Maisach. Viele reisten aus anderen Gemeinden an. Inzwischen hat sich das verändert. Immer mehr Maisacher entdecken die Veranstaltungen vor ihrer Haustür. Für Scherer ist das eine wichtige Bestätigung seiner Arbeit. Er hat sich ein Publikum aufgebaut, internationale Künstler in die Gemeinde gebracht und bewiesen, dass anspruchsvolle Musik auch außerhalb großer Städte erfolgreich sein kann.
Das Gespräch im Bistro SixtyFour zeigte einen Menschen, dessen Lebensgeschichte von Neugier, Tatendrang und einer bemerkenswerten Vielseitigkeit geprägt ist. Hans-Dieter Scherer ist Handwerker, Techniker, Organisator und Musikliebhaber zugleich. Vor allem aber ist er jemand, der Menschen zusammenbringen möchte. „Ich hasse Streit, ich hasse schlechte Stimmung“, sagte er über seine persönliche Einstellung. Harmonie, gegenseitiger Respekt und gemeinsame Freude seien ihm wichtig. Vielleicht erklärt gerade diese Haltung einen Teil seines Erfolgs. Denn Konzerte entstehen nicht allein durch Verträge, Technik und Eintrittskarten. Sie leben von persönlichen Beziehungen, Vertrauen und der Bereitschaft, gemeinsam etwas auf die Beine zu stellen. Scherer hat in Maisach über Jahrzehnte ein kulturelles Netzwerk aufgebaut, das weit über die Gemeindegrenzen hinausreicht. Seine Erfahrungen zeigen aber auch, wie viel persönlicher Einsatz notwendig ist, damit kulturelle Vielfalt im ländlichen Raum entstehen kann. Zum Abschluss bedankte sich Gastgeber Matthias J. Lange bei seinem Gast für das offene Gespräch. Sein Fazit: Scherer sei eine faszinierende Persönlichkeit, die noch viele weitere Geschichten erzählen könnte. Der Konzertveranstalter nahm das Kompliment mit einem Lächeln entgegen. „Ich könnte auch viel mehr erzählen.“ Die vielleicht wichtigste Botschaft des Abends blieb jedoch sein Lebensmotto: „Einfach machen.“
Der BistroTalk wurde im Bistro SixtyFour in Maisach aufgezeichnet. Matthias J. Lange dankte den Gastgebern Uwe und Ruby Flügel für die Bereitstellung der Räumlichkeiten sowie Norman Dombo vom Zentrum für Gesundheit Maisach für die Unterstützung der Gesprächsreihe. Der nächste BistroTalk ist für den 11. November vorgesehen. Dann wird Friseurmeisterin Monika Huber über die Herausforderungen des Friseurhandwerks in einer kleineren Gemeinde sprechen.
