Mein Gott, was habe ich dich als Kind geliebt und als Erwachsener für deine Filme respektiert. Für mich warst du als Kind in der gleichen Duo-Liga wie Stan Laurel und Oliver Hardy oder Jerry Lewis und Dean Martin. Ich hab über dich gelacht als du mit deinem Partner Terence Hill die Sache klar gemacht hast. Den Bösen immer eine in die Fresse. Und nun ist Bud Spencer ist Alter von 86 Jahren gestorben. Der Kämpfer ist gegangen.
Mein erster Cinema Sonderband widmete sich Bud Spencer.
Von dem gutmütigen Brummbär habe ich meinen ersten Cinema Sonderband gekauft, weil ich seine Filme so unterhaltsam fand. Mit Bud Spencer verbinde ich eine glückliche Kindheit. Mit meinen Eltern verbrachte ich die Familienurlaube in den siebziger und achtziger Jahren am Gardasee in Italien. Dort gab es in dem Ort Lazise ein Open Air-Kino bei denen entweder James Bond- oder Bud Spencer-Filme auf Deutsch gezeigt wurden. Und ich hab sie mir alle angesehen. Während meine Eltern beim Essen waren, hab ich die Klopperei genossen. Bud Spencer konnte es mit allen aufnehmen. Die beidhändige Doppelbackpfeife und der senkrechte Schlag mit der Faust auf den Kopf und alle gingen zu Boden. Das gibt einen als schüchternder Jugendlicher Mut: Du kannst es packen.
Nur einmal schaute ich dumm aus der Wäsche, als ich in dem Open Air-Kino Platz nahm und mir einen Western mit Bud Spencer ansah. Carlo Pedersoli, so hieß mein Held im wahren Leben, spielte in einem harten Italo-Western mit Gott vergibt – Django nie! Da war nichts von Klopperei zu sehen, dafür von ernsten Mord und Todschlag. Die Kinobetreiber in Lazise hatten die Filmrolle verwechselt, denn diesen Film gab es auch in einer lustigen Version mit dem Titel Zwei vom Affen gebissen. Naja, so kam ich als Kind zu meinen ersten harten Italo-Western. Die Kinomenschen verstanden kaum Deutsch und bemerkten den Fehler erst nach Protest von einigen Mamas und Papas am Ende. Sie entschuldigte sich nach der Aufführung und es gab das Eintrittsgeld zurück. So hatte ich wenigsten noch Kohle für ein gutes italienisches Eis – und später schaute ich mir noch viele Italo-Western an.
Irgendwann ist Carlo Pedersoli dann in die Politik eingestiegen, wie eine italienische Version von Clint Eastwood oder Arnold Schwarzenegger. Da weiß ich allerdings nicht viel darüber. Mir ist er nochmals als Komponist und Sänger begegnet. Ich schenkte einer Freundin mal die CD Futtetenne mit neapolitanischen Liedern. Leider habe ich mir keine Sicherheitskopie behalten, aber die Songs in guter Erinnerung. So habe ich mir Futtetenne gerade nochmal bestellt.
Später hat er noch einige Bücher geschrieben, viele Sachen erfunden und sogar ein Schwimmbad wurde nach ihm benannt. Alles wichtige Sachen, aber Bud Spencer bleibt mir als Held meiner Jugend in Erinnerung. Eine Bitte habe ich lieber Bud: Räum da oben mit richtig auf und hau ihnen so richtig in die Fresse, wie du es immer so gut gemacht hast. Vielen Dank Bud Spencer.
77 Jahre ist er alt geworden. Bereits am 19. Juni sagte Schimanski zum letzten Mal „Scheiße“. Götz George ist tot. Wie zu hören war, verstarb er nach kurzer Krankheit im Kreise seiner Familie und wurde in Hamburg beigesetzt.
Wenn ich an Götz George denke, dann sehe ich als erstes seinen Übervater Heinrich George vor mir. In seinem Schatten spielte sich Götz frei, musste sich freispielen, um überleben zu können. Heinrich George war einer der besten Schauspieler Deutschlands und sein Sohn Götz musste aus diesem Schatten treten.
Der Schatz im Silbersee – hier nahm ich Götz George zum ersten Mal wahr.
Als Kind nahm ich Götz George in der schrecklichen Karl May Verfilmung Der Schatz im Silbersee wahr. Der Kerl hat mir gefallen. Erst Jahre später habe ich in als schnoddrigen Schimanski wieder auf der Mattscheibe getroffen. Er war der Anti-Held eines TV-Kommissars. Er fluchte, brüllte Scheiße und war nachlässig gekleidet. Ganz im Gegensatz zu den Serienhelden Derrick oder der Alte, die sonst die deutsche Krimiszene beherrschten. Ich fand Schimanski seltsam, den Ruhrpott als Gegend interessant und verstand erst Jahre später seine Rolle wirklich. Tatort war nie so richtig mein Fall, auch die späten Tatort-Filme mit ihm nicht.
Die Deutschen liebten Horst Schimanski im Tatort. Ich begriff erst Jahre später seine Rolle.
Einmal Mitte der 80er Jahre traf ich ihn mal auf einem Filmfest als George den Film Zahn um Zahn präsentierte. Er stand auf der Bühne und ich war einer von vielen im Publikum. Näher kam ich ihm persönlich nicht. Zahn um Zahn war eine Art Tatort fürs Kino, der mir nicht gefallen hatte, genauso wenig wie seine Nachfolgefilme Zabou und die Katze.
Der beste George dieser Jahre war für mich der Film Abwärts, an den ich heute noch immer denken muss, wenn ich einen Fahrstuhl/Aufzug betrete.
Für mich die größte Leistung brachte Götz George unter der Regie von Helmut Dietl. Schtonk!, Rossini – oder die mörderische Frage, wer mit wem schlief und Zettl – damit spielte sich Götz George in mein Herz. Wobei mich seine Leistung in den Filmen Der Sandmann und Der Totmacher auch beeindruckten.
Und jetzt ist Götz George mit 77. Jahren verstorben. In YouTube habe ich mir den legendären Fight 1998 zwischen Thomas Gottschalks Publikum und Götz George angesehen. Auch das ist Vergangenheit.
Mann oh Mann, was war das für ein Schrott! Ich bin massiv enttäuscht über Batman v Superman: Dawn of Justice. Zack Snyder, du hast meinen Jugendtraum zerstört, obwohl ich doch soviel von dir gehalten habe. Dein 300 war einfach göttlich.
Ich habe die Comics der beiden Superhelden Batman und Superman immer gerne gelesen, vor allem wenn meine Helden aufeinander getroffen sind. Klar, dass ich mir unbedingt die Verfilmung Batman v Superman: Dawn of Justice im Kino anschauen wollte. Hätte ich das bloß gelassen. Ich fand Man of Steel von Zack Snyder noch ganz gut, aber der vorliegende Film war dann nur noch Geldschneiderei. Viel Bum, aber wenig Charakter. Die ganzen Charaktäre waren absolut oberflächlich, austauschbar und bubberten nur so vor sich hin. Selbstironie war nicht zu finden.
Das es nicht nur mir so ging, zeigen die Einspielergebnisse. Schon in der zweiten Woche fällt der Film an der Kinokasse zurück. Gut so, denn es lohnt sich nicht. Nach einem Superstart verlor „Batman v Superman“ in der zweiten Wochemassiv: Umsatzrückgang in den USA rund 70%, in China rund 80% und bei uns rund 50%.
Batman? Oder doch besser … Foto: DCComics
Eine positive Sache hat der Film allerdings. Komponist Hans Zimmer kündigte im März 2016 an, dass Batman v Superman: Dawn of Justice sein vorerst letzter Superhelden-Soundtrack sein soll. Danke lieber Hans Zimmer, dass du uns künftig mit seiner Kunst verschonst. Es wird eine Bereicherung für das Genre Filmmusik sein und meine Ohren werden es danken.
Natürlich stellt sich die Frage unter Fans: Wer ist besser: Batman oder Superman? Ich plädiere seit meiner Jugend für die Fledermaus. Er ist geheimnisvoller, ein dunkler Ritter mit Charakter. Superman war mir immer zu soft.
Die Frage nach Batman vs Superman stellte auch das größte deutsche Cashbackportal Qipu und siehe da, die Herrschaften kommen zum gleichen Ergebnis wie ich: 80 Prozent finden Batman cooler als Superman. Die Umfrage wurde von Qipu im März 2016 unter 315 Teilnehmern durchgeführt. Das ist jetzt nicht gerade die Masse, aber doch aussagekräftig.
Batman ist unser eindeutiger Favorit: Vier von Fünf (80 Prozent) finden ihn cooler als den Mann mit den Superkräften. Bei den Frauen ist der Mann aus Stahl allerdings etwas beliebter: Fast jede Dritte (31 Prozent) zieht ihn seinem dunklen Konterpart vor.
… Superman? Foto: DCComics
In dem aktuellen Superhelden-Blockbuster muss sich Ben Affleck als neuer Batman beweisen. Die Messlatte liegt ziemlich hoch, denn die Liste an hochrangigen Kollegen ist lang: So sehen auch 68 Prozent in Christian Bale den besten Bruce Wayne-Schauspieler, besonders die Männer (70 Prozent). Bei den Frauen ist es wiederum etwas unentschiedener: Lediglich jede Zweite (50 Prozent) bevorzugt ihn als Fledermaus. Auf dem zweiten Platz der besten Batman-Riege folgt im gesamtdeutschen Vergleich weit abgeschlagen Michael Keaton (Batman, Batmans Rückkehr, 12 Prozent). George Clooney (Batman & Robin) landet mit sieben Prozent auf dem dritten Platz, besonders dank der Frauen, von denen jede Siebte (14 Prozent) den Frauenschwarm favorisiert. Die Männer hingegen können sich bei dem dritten Platz nicht zwischen Val Kilmer (Batman Forever, fünf Prozent) und Adam West (Batman hält die Welt in Atem, fünf Prozent) entscheiden.
Bei dem Mann im rot-blauen Gewand ist die Entscheidung genauso eindeutig: Fast zwei von drei (59 Prozent) fliegen auf Christopher Reeve als besten Clark Kent. Immerhin jeder Fünfte (19 Prozent) findet Henry Cavill (Man of Steel), der auch in dem neuen Streifen Superman mimt, am besten. Auf Platz drei der beliebtesten Superman-Darsteller ist Dean Cain aus der Superman-Serie in den 90er Jahren (neun Prozent). Bei den beliebtesten Schauspielern des Manns aus Stahl sind sich beide Geschlechter ausnahmsweise mal einig. Nur auf den hinteren Plätzen kommt es zu leichten Abweichungen: Während die Männer Brandon Routh auf dem vierten Platz sehen (fünf Prozent), liegt er bei den Frauen mit drei Prozent nur auf dem letzten Platz.
Ranking der beliebtesten Schauspieler Batman
Christian Bale 68%
Michael Keaton 12%
George Clooney 7%
Val Kilmer 6%
Adam West 4%
Lewis Wilson 3%
Robert Lowery 1%
Superman
Christopher Reeve 59%
Henry Cavill 19%
Dean Cain 9%
Brandon Routh 6%
Kirk Alyn 5%
George Reeves 2%
Bond by Bond – das Design der James Bond Filme – darauf haben wir Fans gewartet.
Nachdem ich mir Spectre auf Blu ray gekauft habe, habe ich wieder mich wieder mit dem James Bond-Fieber angesteckt. Über Spectre habe ich in diesem Blog eine Filmkritik ausführlich geschrieben. Daher will ich mich jetzt dem Produktion Design der Filme widmen. Noch dazu verstarb der großartige Ken Adam vor kurzem – ein absoluter Verlust. Über meine Gespräche mit Ken Adam werde ich ein anderes Mal bloggen.
Spectre kam auf Blu ray raus und ich schaute ihn mir gerne wieder an.
Aber die James Bond-Filme hätten nicht den Charme, wenn es Ken Adam nicht gegeben hätte. Er war für mich der große Meister des Production Design und ein Genie in diesem Bereich. Daher nimmt Ken Adam einen wesentlichen Beitrag im dem Buch Bond By Design: The Art of the James Bond Films ein. Auf dieses Buch habe ich lange gewartet, denn ich wollte die Produktionszeichnungen, die Entwürfe und Skizzen der Bond-Filme gerne betrachten. Lange hat es gebraucht, bis EON die Bilder freigegeben hatte und natürlich habe ich freudig zugegriffen. Gleich vorweg: Ich bin begeistert, habe aber gleichzeitig so meine Probleme.
Begeistert, weil ich endlich in den Bilderwelten von James Bond schwelgen kann. Aber – und hier der Nachteil: Ich will mehr, mehr, mehr. Das Buch reicht mir nicht. Es gibt mir einen schönen Überblick, aber mehr aber auch nicht. Jeder Designer hat seinen Stil und als James Bond-Fan will ich von jedem Film einen solchen Art-of-Band. Was bei Herr der Ringe, bei den Pixar-Filmen u.a. geklappt hat, sollte doch auch bei der großen Marke James Bond gelingen. Pro Film ein Buch, in dem alle Production Designs des jeweiligen Films enthalten sind – das wäre genial.
Nun, bei Bond by Design – the Art of the James Bond Films müssen wir kleinere Brötchen backen und das ist schade. Nun, es sei wie es sei. Im Umschlag des Buches gibt es in einem Umschlag zwei schöne Prints. Einmal die U-Boote vom Spion, der mich liebte und einmal die Werkstatt von Q aus Man lebt nur zweimal.
Verschiedene Production Designer haben bei den James Bond-Filmen mitgearbeitet und jeder hat seinen eigenen, unverwechselbaren Stil und haben die Marke James Bond weiterentwickelt und interpretiert. In dem Buch sind folgende Designs neben Ken Adam berücksichtig: Syd Cain (1918-2011), Peter Murton (1923-2009), Peter Lamont (1929), Allan Cameron (1944) und Dennis Gassner (1948). Gassner schuf auch das Production Design für Spectre. In diesem Buch ist allerdings nur ein Bild von Spectre erschienen – hier haben sich wohl die Produktionszeiten von Buch und Film überschnitten oder es gab Rechteprobleme.
Interessant ist, wie sich das Design der Filme über die Jahre hinweg veränderte. Zu Beginn waren es klassische Zeichnungen. Der Schwung von Ken Adam bei Dr. No ist unverkennbar. Es drehte sich zunächst um Räume – eine klare Spezialität von Ken Adam. Bei Liebesgrüße aus Moskau kommen dann die Storyboards hinzu. Syd Cain leistete hier atmosphärisch dichte Bildabfolgen. Bei Goldfinger zeigte Adam nicht nur ein überzeugendes Fort Knox, sondern auch die ersten Bond-Spielzeuge wie der legendäre Aston Martin, wobei Adam ja ein überzeugter Jaguar-Fahrer war. Den Laser-Raum fand ich so faszinierend, dass ich mir sogar einen Abzug mit Autogramm von Ken Adam gekauft habe.
Später kamen Kostüme hinzu und mehr und mehr technische Abläufe. Die Zeichnungen veränderten sich. Mit Kreide und Wasserfarbe wurde früher gearbeitet, der Marker und Kohle kamen zum Einsatz – in den neueren Jahren kommen digitale Illustrationen hinzu. Letztere empfinde ich als etwas seelenlos, aber ich muss mich noch an die Produktionsmethoden des digiatlen Zeitalters gewöhnen.
Für 007-Fans ist das Buch Bond By Design: The Art of the James Bond Films ein Bilderschatz. Stundenlang blätterte ich durch das Buch und schaute mir immer wieder die Szenen der Bilder auf Blu ray an. Großartiges, was hier geleistet wurde und für mich eine klare Empfehlung an alle Anhängers von James Bond, die mal etwas anderes haben wollen.
Für The Hateful Eight bekam Ennio Morricone seinen Oscar.
Für mich ist bei der Oscar-Verleihung eigentlich die Luft raus. Nachdem ich jahrelang die Oscar-Nacht gefeiert und mitgefiebert habe, bin ich dieses Mal einfach ins Bett gegangen. Die einzigen drei Oscars, für die ich mich heute noch interessiere, sind die Auszeichnungen für beste Spezialeffekte, für den besten Animationsfilm und für die beste Filmmusik.
Und ich freue mich sehr, dass ein Oscar an den Altmeister der Filmmusik Ennio Morricone ging. Er bekam die Statue für den Tarantino-Film The Hateful Eight. Und was mich noch mehr freut, dass sein Kollege und Soundtrackgott John Williams sich über den Preis für Morricone sichtlich genauso freute.
Die aktive Zeit von Ennio Morricone war eigentlich vorbei. Er lieferte gewaltige Werke ab wie die Musik zu den Leone-Produktionen wie Spiel mir das Lied vom Tod, die Dollar-Filme, zwei glorreiche Halunken, Es war einmal in Amerika. Ich selbst liebe die Musik zu The Mission und vor allem die Zusammenarbeit von Morricone mit dem großen Cellisten Yo-Yo Ma. Morricone schuf die beste Musik zu den Western seiner Zeit.
Etliche Male war Morricone für den Oscar nominiert, hatte aber nie einen bekommen. Hollywood ehrte den Komponisten 2006 mit einem Ehren-Oscar. Den bekommen Leute, die sonst nie einen Oscar gewinnen und bevor sie sterben, sollen sie noch feigenblattmäßig ausgezeichnet werden. Schade über die Academy. Aber Tarantino überredete den heute 87jährigen doch nochmal einen Score zu schreiben und Hollywood den Mittelfinger zu zeigen. Und er gewonnen – gut so. Der Filmmusikgott John Williams mit seinen 83 Jahren freute sich wie ein Schneekönig über den Oscar für seinen Freund und Kollegen Morricone. Kein Hans Zimmer und andere geklonte Musikaliens, sondern echte Kompositionsarbeit wurde hier von der Academy ausgezeichnet.
John Williams war selbst für die Musik von Star Wars VII nominiert, aber ich hatte den Eindruck, dass er gerne hinter Morricone zurücktrat. Williams hat ja schon einige Goldjungs auf dem Kaminsims stehen, Morricone noch keinen. Morricone wurde in der Vergangenheit fünf Mal nominiert und ging immer leer aus. Und dieses Mal hat es endlich geklappt und das ist gut so.
Es gab Standing Ovations. Der Maestro dankte auf Italienisch dem großen Kollegen Williams und seinem Regisseur Tarantino (in dieser Reihenfolge) für die Chance. Das ist insoweit eine interessante Sache, da Tarantino in der Vergangenheit eher für Hit-Zusammenstellungen als Soundtrack zu seinen Filmen zu haben war. In The Hateful Eight beauftragte Tarantino einen Komponisten mit einem klassischen Score und steuerte nur ein paar Sachen selbst bei. Der Soundtrack von Morricone wird sicherlich nicht so viel Kasse machen wie die üblichen Soundtracks aus dem Tarantino-Filmen, aber das ist nicht so wichtig.
Die Musik selbst von Ennio Morricone für The Hateful Eight ist sehr solide, bringt die dichte Atmosphäre von früher. Der 87jährige gezeigt, was er kann und wahrlich er kann es einfach. Der Score von Morricone ist großartig – die Einlagen von Tarantino hätte ich nicht gebraucht. Leider ist ein Stück nicht auf der CD, das ich gerne gehört hätte. Beastialty aus dem Soundtrack von John Carpenters The Thing von 1982. Das Stück passte im Kino bei Hateful Eight genial, wurde aber nicht auf den Soundtrack gepresst. Schade, aber sonst alles prima.
Das Papier für die heutige Oscar-Verleihung kommt aus Gmund vom Tegernsee.
In der Nacht zum Montag werden wieder die Oscars in Hollywood verliehen. So eine Auszeichnung der Academy of Motion Picture Arts and Sciences bedeutet einen Geldsegen an der Kinokasse.
Die Zeremonie läuft auf der Bühne immer gleich ab. Zwei Prominente stellen die Nominierten vor – und dann mit viel Tamtam wird der Oscar-Umschlag geöffnet und der Sieger verkündet. „And the Winner is …“
Der Umschlag für den Oscar kommt aus Bayern, genauer von der Büttenpapierfabrik Gmund vom Tegernsee. Das Papier wird in die USA geliefert und von der Academy geprägt.
Die 24 Kategorien und 24 Umschläge sind gefertigt aus dem Papier Gmund Treasury direkt vom Tegernsee. Der Designer Marc Friedland aus Los Angeles ist seit Jahren großer Fan von Gmund Papieren. Die spezielle Mikroprägung, die Brillanz und die in allen Farben schimmernden Goldpartikel sind die einzigartigen Eigenschaften von Gmund Treasury, die das Papier am 28. Februar auf der Bühne in besonderem Licht erstrahlen lassen und zu dem begehrtesten Umschlag der Welt machen.
„Das Geheimrezept von Gmund Treasury beinhaltet Naturpigmente, die ein breites Farbspektrum dank einer speziellen Mikroprägung auf der Oberflächenstruktur wiedergeben. So wirkt das Papier nicht nur, wenn man es in den Händen hält, selbst von weitem hinterlässt es einen bleibenden Eindruck für die Zuschauer auf der ganzen Welt“, so Florian Kohler stolz, Inhaber und Papiermacher in 4. Generation.
Der Film geht so, das Modell von Pixels ist super.
Ok, ich hab mir damals mehr erwartet, als ich mit meiner Familie im örtlichen Kino Scala den Film Pixels angeschaut hatte. Als Retrogamer war ich sehr begeistert, dass endlich mal ein Film über meine Sehnsucht nach alten digitalen Zeiten gedreht wurde. So richtig überzeugt hat mich der Film von Chris Columbus dann aber doch nicht. Und trotzdem musste ich die Pixels Special Edition auf Blu ray dann doch haben.
Der Grund war weniger der Inhalt als die nette Verpackung. Die Blu ray und die 3D-Version kam in einem großen Pac Man aus Plastik daher, der wohl gerade eine US-Stadt angreift. Ich finde die Idee wirklich nett. Das ganze Ensemble ist putzig anzusehen. Der gelbe Pac Man kann sogar auf Wunsch beleuchtet werden. Der Einschaltknopf befindet sich im geöffneten Maul der Spielfigur. K2 hatte beim Drücken des Knopfes die Befürchtung, dass sich der Mund von Pac Man dann schließt und nach dem Finger schnappt. Nette Idee des Kindes, aber unser Pac Man leuchtet nur.
Die Stadt steht auf einer blauen Box, in der die Datenträger untergebracht sind: Blu ray und 3D-Blu ray – wobei ich mir die 3D-Version gerne gespart hätte, weil ich Stereoskopie sowieso nicht sehen kann. Aber die Pixels Box gab es nur mit 3D, also Augen zu, Geldbörse auf und durch.
Im Kino war ich damals enttäuscht.
Der Film Pixels selbst war durchschnittlich. Ich mag Adam Sandler einfach nicht. Er ist einfach nicht mein Typ als Schauspieler. Auch Chris Columbus als Regisseur hatte so seine Seiten – einmal die Kevin allein-Reihe (würg) und dann ein paar Harry Potter-Filme (schon besser). Unangenehm fiel mir mal wieder Henry Jackman mit seinem Soundtrack auf. Henry Jackman kommt aus der Hans Zimmer-Schmiede und mehr muss ich nicht sagen. Ich mag die Musik von Hans Zimmer nicht, hätte mich aber gefreut, wenn der Soundtrack des Films in der Blu ray-Box dabei gewesen wäre.
Also hab ich den Film nochmals angeschaut, die Blu rays in die Box verpackt und das Pac Man-Ensemble zu meinem Terminator-Kopf und Alien-Kopf gestellt. Die Retrogamer werden es schätzen. Pac-Man, Donkey Kong, Space Invaders und Centipede wurden im Film nett dargestellt und das ist für mich das Wichtigste – Adam Sandler hin oder her.
Als ich den Trailer zum Pixar-Film Alles steht Kopf zum ersten Mal sah, dachte ich mir enttäuscht: eine belanglose Komödie über das Erwachsenwerden aus der Animationsschmiede. Ich kam mir vor als ob ich einen Otto Sketch meiner Jugend sah: Hirn an Faust … Richtig begeistert war ich aufgrund des deutschen Trailers vom Film nicht, schaute mir aber pflichtbewusst den Film Alles steht Kopf im örtlichen Kino an. Schließlich hatte mich Pixar in der Vergangenheit noch nie enttäuscht.
Und was soll ich sagen? Der Film war ganz, ganz anders als der Trailer es versprochen hatte. Der 15. Pixar Film war wahnsinnig unterhaltsam und hatte eine große Tiefe, genau wie ich es von einem Pixar-Film erwarte.
Im Februar 2016 wird der Film als DVD, Blu ray und Download erscheinen. Zudem gibt es eine limitierte 3-Disc Special Edition. Als Bonus gibt es ein Wiedersehen mit Riley und ihren Emotionen in der exklusiven Premiere des Kurzfilms „Rileys erstes Date?“ sowie der paradiesisch-schöne Kurzfilm „Lava“.
Im Grunde geht es bei Alles steht Kopf um Emotionen. Es geht um die Kombination von Freude, Zorn, Ekel, Kummer und Angst. Der alte Freud hätte seine Freude an diesem Film gehabt. Regisseur Peter Docter, der uns schon Monster AG und Oben brachte, hat ganze Arbeit geleistet und wurde von den beiden Hirnforschern Paul Ekman und Dacher Keltner fachlich unterstützt.
Meine Neugierde über die Entstehungsgeschichte des Films war geweckt. Nachdem Alles steht Kopf technisch keine Neuerungen aufwies, musste die Innovationen auf anderen Gebieten liegen. Technisch war Pixar immer vorne mit dabei. Als Chefredakteur der wichtigsten deutschsprachigen 3D-Zeitschriften erlebte ich die Wasserspiegelungen in Findet Nemo, die Haare in die Unglaublichen und das Fell in Monster AG. Alles steht Kopf brachte in dieser Hinsicht keine Erneuerung durch die Software Renderman und Marionette. Pete Docter setzte auf erzählerische Tiefe und Kreativität.
Diese Kreativität kommt bei dem Buch The Art of Inside Out voll zum Tragen. Anders als die frühen Pixar-Filme wurde hier gleich zu Beginn mit digitalen Werkzeugen gearbeitet. Kreide, Marker, Pinsel kommen aber ebenso weiterhin zum Einsatz. Diese Abwechslung bringt unterschiedliche Sichtweisen auf das Thema Emotionen. Die Frage ist doch: Wie stellt ein Künstler Emotionen bildlich dar? Nicht, wie erzeugt ein Künstler Emotionen? Da wäre der Film beim Walt Disney-Konzern an der richtigen Adresse. Disney ist Spezialist, wenn es um das Erzeugen von Emotionen geht. Da braucht es dann schon Pixar, um die Emotionen selbst darzustellen. Und das gelingt in diesem Buch fabelhaft.
Deutlich bemerkt der Leser den Einsatz von Farben, die in unserem Kulturkreis mit Emotionen besetzt sind, wie Rot für Zorn. Ich würde gerne den Film mit Leuten aus anderen Kulturkreisen ansehen und mit ihnen über die Farben und Emotionen diskutieren. Für mich ist die Darstellungsweise meine gewohnte westliche Sichtweise.
Beim Lesen des Buches bzw. Betrachten der Bilder habe ich mir Gedanken über Emotionen gemacht. Es hat mich entsetzt, dass ich Helden meiner Jugend ebenso vergessen habe, wie die Helden in dem Film. Was ist das Gehirn doch für ein seltsamer Ort?
Ich empfehle jedem den Film Alles steht Kopf und das Buch The Art of Inside Out, wenn er sich über Gefühle Gedanken machen will, wenn er etwas über Kunstgeschichte lernen will, wenn er sich selbst kennenlernen will. Und Gott sei Dank ist kein Film/Buch auf Otto Niveau herausgekommen.
Ich habe Herr der Ringe als Extended Version und nun habe ich auch den Hobbit als Extended Version komplett. Im Herbst 2015 erschien die längere Version von Der Hobbit: Die Schlacht der fünf Heere – Extended Edition. Obwohl der Film dieses Mal nur 19 Minuten an zusätzlichen Szenen enthält, haben es dieses 19 Minuten in sich. Mir hat der Film als Abschluss der Trilogie im Kino gefallen und mir hat er auch als Blu ray Version gefallen. Hauptsächlich umfasst das Zusatzmaterial unfangreiches Schlachtengemetzel, bietet aber neue Sichtweise und neue Handlungsstränge. Regisseur Peter Jackson hat den dritten Teil nicht nur verlängert, sondern er hat ihn inhaltlich ergänzt. Die zusätzlichen Szenen mit dem Drachen zu Beginn des Films habe ich zunächst nicht bemerkt. Es gibt etwas mehr Feuer und Bums, aber das ist nicht ausschlaggebend.
Ich gebe zu, ich hätte gerne noch etwas mehr Sauron in der Festung Dol Goldur gehabt. Es gibt zwar ein bisschen mehr Geschwätz zwischen Gandalf und Radagast – darauf kommt es auch nicht an.
Die opulente Schlacht am Ende wurde deutlich erweitert und neue Handlungsstränge eingefügt. Dain Eissenfuss kommt nun besser in Szene und auch seine Zwergenarmee darf sich intensiver mit den Orks auseinandersetzen. Am auffälligsten ist allerdings die Szenenabfolge mit den Zwergenstreitwagen. Diese Szene gab es bisher nicht und das CGI-Spektakel ist sicherlich ein Höhepunkt der Schlussschlacht. Das brutale Gemetzel ist rasant un eindringlich geschnitten. Das Abschlagen und Zermanschen der Köpfe und Abtrennen von Gliedmaßen wird zelebriert – wir wissen ja um die Gore-Vergangenheit von Peter Jackson.
Ein bisschen Pathos gibt es dann noch mit mehr Trauer um die toten Helden in der Grabkammer des Berges samt kurzer Krönung von Dain Eisenfuss, da Thorin Eichenschild ja ins Gras gebissen hat.
Obwohl die Trilogien Herr der Ringe und Hobbit beide von Peter Jackson stammen, lassen sich beide Reihen nur bedingt vergleichen. HdR hat mehr Pathos, mehr Tiefe, aber im Vergleich zum Hobbit deutlich schlechtere CGI. Der Hobbit ist schneller, spontaner, nimmt sich weniger ernst. Aus dem Kinderbuch der kleine Hobbit ist zwar kein Kinderfilm geworden, aber die Handlung wurde schon arg gestreckt, um auf drei Teile zu kommen. Und dennoch: Die Filme machen Spaß und auch das Zusatzmaterial auf den beiliegenden Blu rays der Extended Version ist wieder einmal vorbildlich. Gut gemacht Peter Jackson und ich glaube, dass war es dann mit dem Mittelerde-Universum. Die beiden Werke Nachrichten aus Mittelerde und vor allem Das Silmarillion gelten für mich als nicht verfilmbar. Das schafft auch ein Peter Jackson nicht. Vielleicht gelingt es mit Die Kinder Húrins, aber das wird mit Sicherheit kein Kassenknüller.
John Williams hat wieder den Soundtrack zum neuen Star Wars VII komponiert.
Nur ein Takt von ihm und Hans Zimmer und Konsorten können einpacken. Der Meister des Soundtracks hat wieder zugeschlagen und dies mit 83 Jahren. Gemeint ist der legendäre John Williams und sein neuer Wurf ist der Soundtrack zu Star Wars The Force Awakens.
Meine Erwartungshaltung war gigantisch und natürlich muss auch ein John Williams daran scheitern. Der Soundtrack zu Star Wars: The Force Awakens – Das Erwachen der Macht ist hervorragend, reicht aber nicht an frühere Werke heran, die aus der Feder von Williams stammen. Das bedeutet nicht, dass der Score zu Star Wars The Force Awakens irgendwie schlecht ist. Er ist nur nicht so perfekt wie andere Kompositionen von ihm und bei weitem besser als was sonst so auf dem Markt ist.
John Williams ist sich in vielen Sachen treu geblieben. Er setzt wie bisher auf die bekannten Leitmotive, die er sich vom genialen Richard Wagner abgeschaut hat. Studiokopfhörer aufgesetzt, Augen geschlossen und schon erzeugt das orchestrale Werk Bilder in meinem Kopf. Ich erkenne die alten Leitmotive, die Fanfaren, die Klänge, die mich durch die vergangenen Jahre immer begleitet haben. Motive, die zum Kulturgut der Menschheit geworden sind. Sie sind so unheimlich schön.
Und die neuen Motive? Rey’s Theme ist sehr gut geworden, aber es ist kein Imperial March. Es ist leicht, beschwingt und geht schön ins Ohr. Generell habe ich mehr Leitmotive erwartet, die ich den handelnden Personen zuordnen kann. Das war ein absoluter Pluspunkt bei den Star Wars-Soundtracks von John Williams. Hier hat sich der Meister dieses Mal zurückgehalten und einen soliden Soundtrack abgeliefert. Als Pedant stört es mich übrigens, dass John Williams die Musik nicht wie sonst mit dem London Symphony Orchestra eingespielt hat, sondern die Musik wurde in LA von Musikern aus Williams Umfeld aufgenommen. Auf dem Cover der CD wird kein Orchester vermerkt, nur über die Star Wars Website wurde darüber berichtet.
Williams stand beim Komponieren vor einem Dilemma. Im YouTube-Channel von Star Wars sagte er sinngemäß: „Ich kann mir das ohne Bezüge zu den Filmen, die wir schon kennen, gar nicht vorstellen, und da ist es angemessen, ja notwendig, einige der früheren Themen zu verarbeiten. Und das war ja das, was mir immer so Spaß gemacht an der Arbeit, an jedem einzelnen dieser Filme, denn jedes Mal konnte ich auf altes Material zurückgreifen und neues entwickeln, so dass beide Seite an Seite funktionieren und sich dann anfühlen wie ein Teil des ganzen Film-Gefüges.“ Und so erfreue ich mich an verschiedenen Anklängen aus der Vergangenheit. So wie Jeffrey Jacob Abrams mich mit Star Wars VII in meine Jugend zurückversetzt hat, so hat mich auch John Williams an die Hand genommen und mich mit der Zeitmaschine gesetzt. Ich weiß noch, wie ich die Doppel-LP zu Krieg der Sterne in meinem Kinderzimmer wieder und wieder abgespielt habe.
So viel symphonische Soundtracks mit Klasse gibt es nicht mehr. Im Olymp sind Williams, gefolgt von Jerry Goldsmith. Dann gibt es viele gute Leute – die Maschinerie von Hans Zimmer gehört nicht dazu. Leider habe ich es nicht geschafft, John Williams zu treffen, bzw ihn live zu hören. Der Mann ist 83 Jahre, ich muss mich also beeilen.
Es wird wohl der letzte Star Wars Soundtrack von John Williams sein. Den Teil VIII Rogue One komponiert Alexandre Desplat. Ihm traue ich sehr viel zu, spätestens mit Godzilla hat er einen starken Score geliefert.
Zur Veröffentlichung selbst: Ich erwarte übrigens, dass es in den nächsten Monaten noch eine Fassung mit dem kompletten Score gibt. Die Musik aus dem ersten Trailer ist bisher nicht erschienen. Universal hat zum Start des Films zwei Fassungen des Werks herausgebracht – eine Standard-Version und eine Deluxe-Version. Als Sammler habe ich freilich beide gekauft. Der Unterschied liegt ausschließlich in der Verpackung. Bei der Deluxe-Version Star Wars: The Force Awakens – Das Erwachen der Macht gibt es ein Cover aus Pappe mit Bildchen, während die Standard-Version von Star Wars: The Force Awakens – Das Erwachen der Macht in der Plastikhülle daher kommt. Mehr Musik ist auf der Deluxe-Version nicht enthalten. Also klassische Geldmacherei des Disney-Konzerns.
sein vorerst letzter Superhelden-Soundtrack sein soll. Danke lieber Hans Zimmer, dass du uns künftig mit seiner Kunst verschonst. Es wird eine Bereicherung für das Genre Filmmusik sein und meine Ohren werden es danken.
auf Blu ray gekauft habe, habe ich wieder mich wieder mit dem James Bond-Fieber angesteckt. Über Spectre habe ich in diesem Blog eine 
ein. Auf dieses Buch habe ich lange gewartet, denn ich wollte die Produktionszeichnungen, die Entwürfe und Skizzen der Bond-Filme gerne betrachten. Lange hat es gebraucht, bis EON die Bilder freigegeben hatte und natürlich habe ich freudig zugegriffen. Gleich vorweg: Ich bin begeistert, habe aber gleichzeitig so meine Probleme.
. Und was mich noch mehr freut, dass sein Kollege und Soundtrackgott John Williams sich über den Preis für Morricone sichtlich genauso freute.
Special Edition auf Blu ray dann doch haben.
zum ersten Mal sah, dachte ich mir enttäuscht: eine belanglose Komödie über das Erwachsenwerden aus der Animationsschmiede. Ich kam mir vor als ob ich einen Otto Sketch meiner Jugend sah: Hirn an Faust … Richtig begeistert war ich aufgrund des deutschen Trailers vom Film nicht, schaute mir aber pflichtbewusst den Film Alles steht Kopf im örtlichen Kino an. Schließlich hatte mich Pixar in der Vergangenheit noch nie enttäuscht.
voll zum Tragen. Anders als die frühen Pixar-Filme wurde hier gleich zu Beginn mit digitalen Werkzeugen gearbeitet. Kreide, Marker, Pinsel kommen aber ebenso weiterhin zum Einsatz. Diese Abwechslung bringt unterschiedliche Sichtweisen auf das Thema Emotionen. Die Frage ist doch: Wie stellt ein Künstler Emotionen bildlich dar? Nicht, wie erzeugt ein Künstler Emotionen? Da wäre der Film beim Walt Disney-Konzern an der richtigen Adresse. Disney ist Spezialist, wenn es um das Erzeugen von Emotionen geht. Da braucht es dann schon Pixar, um die Emotionen selbst darzustellen. Und das gelingt in diesem Buch fabelhaft.
. Obwohl der Film dieses Mal nur 19 Minuten an zusätzlichen Szenen enthält, haben es dieses 19 Minuten in sich. Mir hat der Film als Abschluss der Trilogie im 
gelten für mich als nicht verfilmbar. Das schafft auch ein Peter Jackson nicht. Vielleicht gelingt es mit 
, aber das wird mit Sicherheit kein Kassenknüller.
ist hervorragend, reicht aber nicht an frühere Werke heran, die aus der Feder von Williams stammen. Das bedeutet nicht, dass der Score zu Star Wars The Force Awakens irgendwie schlecht ist. Er ist nur nicht so perfekt wie andere Kompositionen von ihm und bei weitem besser als was sonst so auf dem Markt ist.
in der Plastikhülle daher kommt. Mehr Musik ist auf der Deluxe-Version nicht enthalten. Also klassische Geldmacherei des Disney-Konzerns.
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