Werner Herzogs Nosferatu – Phantom der Nacht ist weit mehr als ein klassischer Horrorfilm. Die 1979 entstandene Hommage an F. W. Murnaus Stummfilmklassiker Nosferatu (1922) stellt eine atmosphärisch dichte Neuinterpretation dar, in der der Vampirmythos als kulturelles, psychologisches und existenzielles Motiv neu verhandelt wird. Der Film verbindet expressionistische Bildsprache mit einer tiefen Melancholie und schafft dadurch ein Werk, das Fragen nach Tod, Zeit, Isolation und gesellschaftlichem Verfall stellt. Ich bespreche und zeige den Film bei meiner phantastischen Matinee am Sonntag, 15. Juni im Scala FFB. Karten gibt es hier.
Herzog folgt inhaltlich weitgehend der bekannten Handlung: Der junge Immobilienmakler Jonathan Hutter reist nach Transsylvanien, um dem geheimnisvollen Graf Orlok ein Anwesen in Wismar zu verkaufen. Der Graf, eine vampirische Erscheinung, folgt Hutter in dessen Heimatstadt und bringt die Pest mit sich. Am Ende opfert sich Hutters Frau Lucy, um das Unheil zu stoppen. Trotz dieser klassischen Struktur gelingt es Herzog, den Stoff mit eigener Handschrift aufzuladen.
Zentral ist dabei die Figur des Vampirs, gespielt von Klaus Kinski. Anders als bei Murnau oder in späteren Dracula-Adaptionen ist dieser Nosferatu kein rein dämonisches Wesen, sondern eine tieftraurige, gequälte Kreatur, die unter ihrer Unsterblichkeit leidet. Er ist ein Außenseiter, der Nähe sucht, aber nur Tod bringt. Diese Ambivalenz macht ihn zur Projektionsfläche existenzieller Fragen: Was bedeutet es, ewig zu leben, aber von der Welt ausgeschlossen zu sein? Welche Form nimmt das Böse an, wenn es selbst leidet?
Herzogs filmische Gestaltung ist von großer formaler Strenge und visueller Kraft. Die Kameraführung von Jörg Schmidt-Reitwein setzt auf langsame Bewegungen, lange Einstellungen und eine fast meditative Ruhe. Die Bildkompositionen – etwa das verlassene Wismar mit seinen leergefegten Gassen, die düstere Festung des Grafen oder der stillgleitende Sargzug – erzeugen eine ästhetische Atmosphäre des Verfalls und der Erstarrung. Die Musik von Popol Vuh verstärkt diesen Eindruck durch sphärische, sakral anmutende Klänge, die eine fast religiöse Tiefe evozieren.
Ein zentrales Thema des Films ist der bürgerliche Verfall. Herzog zeigt, wie eine scheinbar geordnete, wohlhabende Gesellschaft durch eine unsichtbare Bedrohung – die Pest – in kürzester Zeit zusammenbricht. Die Reaktion der Bürger auf das sich ausbreitende Grauen ist nicht Widerstand oder Rationalität, sondern Resignation, Wahnsinn oder blinder Hedonismus. So tanzen Menschen auf dem Marktplatz zwischen Särgen, essen noch einmal üppig und lassen alle sozialen Normen fallen. Diese Bilder sind nicht karikaturhaft überzeichnet, sondern erschütternd ruhig und nüchtern. Sie machen deutlich, dass die Ordnung der Gesellschaft eine dünne Fassade ist – und dass das Chaos jederzeit zurückkehren kann.
Die Frauenfigur Lucy, gespielt von Isabelle Adjani, bildet einen Kontrapunkt zum allgemeinen Verfall. Sie ist die Einzige, die dem Grauen aktiv begegnet, die das Rätsel des Vampirs durchschaut und bereit ist, sich selbst zu opfern. In ihr verdichtet sich eine fast archetypische Symbolik: Reinheit, Erkenntnis, Opferbereitschaft. Ihre Rolle erinnert an die romantische Heldin des 19. Jahrhunderts, wird aber von Herzog nicht sentimentalisiert. Ihr Tod ist notwendig, aber nicht erlösend. Auch nach Nosferatus Vernichtung bleibt der Tod gegenwärtig.
Herzogs Nosferatu ist damit auch eine Reflexion über Zeit und Geschichte. Die Handlung spielt zwar in einer vage historischen Epoche, doch durch die Stilmittel – die Mischung aus expressionistischer Bildsprache, naturalistischer Ausstattung und zeitloser Musik – wirkt der Film entrückt und zugleich gegenwärtig. Der Verfall der Stadt kann als Allegorie auf das 20. Jahrhundert gelesen werden: als Gleichnis für Krieg, Krankheit, soziale Umbrüche und das Ende bürgerlicher Selbstgewissheit. Auch die Figur des Vampirs steht hier nicht nur für das Übernatürliche, sondern für das Unausweichliche, das Fremde, das Andere – das, was nicht kontrolliert oder integriert werden kann.
Für mich ist Nosferatu – Phantom der Nacht ein Film von großer stilistischer Konsequenz und philosophischer Tiefe. Herzog nutzt die bekannten Motive des Vampirfilms nicht für Effekte oder Schockmomente, sondern für eine ruhige, eindringliche Auseinandersetzung mit den Grenzen der menschlichen Existenz. Der Horror liegt nicht im Blut oder in der Gewalt, sondern im unausweichlichen Vergehen, in der Einsamkeit, im stummen Verfall der Ordnung. Gerade diese Zurückhaltung macht Herzogs Nosferatu zu einem Meisterwerk des poetischen Kinos – und zu einem Film, der lange nachwirkt. Zu sehen in meiner phantastischen Matinee im Scala Kino Fürstenfeldbruck. Karten gibt es hier.
Das Haus an der Friedhofsmauer von Lucio Fulci – ein Werk, das nicht einfach gesehen, sondern erlebt werden muss. Ich besprach den Film bei der phantastischen Matinee im Scala. Der nächste Film der Reihe ist Werner Herzogs Nosferatu von 1978. Karten gibt es hier.
Dieser Film ist kein klassischer Horror, sondern ein fiebriger Albtraum, eingefangen auf Zelluloid. Quella villa accanto al cimitero ist ein Abstieg in ein düsteres, modriges Reich zwischen Leben und Tod – eine Welt, in der die Logik der Nacht regiert. Die Kamera von Sergio Salvati gleitet durch verfallene Räume, als würde sie selbst Angst atmen. Jeder Flur, jede Treppe scheint ein eigenes, schweigendes Grauen zu bergen. Hier ist mein Vortrag.
Fulcis Bilder wirken wie Schattenfragmente aus einem bösen Traum: unscharf, langsam, bedrückend. Die Gewalt, die sich entlädt, ist roh, verstörend – doch nie bloß Effekt. Sie gehört zu dieser Welt wie das Flüstern hinter verschlossenen Türen oder der Schrei, den niemand hört. Kein Splatter zur Unterhaltung, sondern verstörende Kunst – grausam und hypnotisch zugleich.
Die Handlung? Zersplittert wie ein zerbrochener Spiegel. Wer in Fulcis Haus ein geradliniges Narrativ sucht, wird verloren gehen. Wer sich aber auf das Chaos, auf das Unsagbare, auf das Atmosphärische einlässt, erlebt eine dichte, beinahe poetische Form des Horrors.
Der Soundtrack von Walter Rizzati – mal traurig wie ein Kinderlied, mal unheilvoll wie ein letzter Atemzug – begleitet das Geschehen wie ein trauernder Schatten. Er ist das leise Echo einer Welt, in der nichts mehr stimmt – und genau das ist das Geniale an diesem Film.
Das Haus an der Friedhofsmauer ist ein Kultfilm. Kein einfacher. Kein freundlicher. Aber einer, der bleibt. Wie ein dunkler Fleck im Traum, der einfach nicht vergeht. Der nächste Film der Reihe ist Werner Herzogs Nosferatu von 1978. Karten gibt es hier.
„Vierzig Wagen westwärts“ ist eine Westernkomödie von John Sturges, die das Genre kräftig durch den Kakao zieht. Im Mittelpunkt steht ein Wagentreck mit vierzig Wagen voller Whiskey und Champagner, der im Jahr 1867 Denver vor dem Austrocknen retten soll. Ich erläutere und zeige den Film in meiner Western-Matinee im Scala Kino Fürstenfeldbruck am Sonntag 8. Juni um 10:45 Uhr. Karten gibt es hier.
Verschiedene Parteien – darunter durstige Bergleute, eine Kavallerieeinheit, eine Gruppe abstinenter Frauenrechtlerinnen und Indianer, die sich ebenfalls nach Alkohol sehnen – geraten auf der Jagd nach dem begehrten Nachschub aneinander. Die Geschichte kulminiert in einem chaotischen Sandsturm, bei dem niemand mehr weiß, gegen wen eigentlich gekämpft wird, und endet in einer absurden Auflösung.
Regisseur John Sturges („Die glorreichen Sieben“) bleibt seinem Ruf als Action-Spezialist treu, setzt aber diesmal auf augenzwinkernde Ironie und Parodie. Der Film nimmt die klassischen Westernmotive – den Treck durch die Wildnis, den Kampf um Ressourcen, Indianerüberfälle und den ewigen Konflikt zwischen Männern und Frauen – und überzeichnet sie genüsslich. Statt um Gold oder Land geht es hier um das „Recht auf Rausch“, und der Film macht daraus keinen Hehl: Der Whiskey ist der eigentliche Star der Geschichte.
Die Gagdichte ist aus heutiger Sicht eher niedrig, doch die meisten Pointen sitzen. Es handelt sich um eine altmodische Komödie, bei der nicht jeder Gag ein Brüller sein muss, aber der Humor ist beständig und sorgt für viele Schmunzler. Besonders gelungen sind die großen Actionszenen, etwa die „Schlacht an den Whiskeybergen“ im Sandsturm und das Finale mit Dutzenden von Wagen und Stuntmen – auch wenn letzteres von einem tragischen Unfall während der Dreharbeiten überschattet wurde.
Burt Lancaster gibt den stoischen Colonel Gearhart, Lee Remick spielt die kämpferische Frauenrechtlerin Cora Massingale. Beide liefern solide Leistungen, ebenso wie die Nebenrollen, etwa Donald Pleasence als Orakel Jones und Martin Landau als Indianerhäuptling. Die Figuren sind bewusst überzeichnet und bedienen Western-Klischees, doch gerade das macht ihren Reiz aus. Die unterschiedlichen Interessen der Parteien sorgen für reichlich Verwicklungen und treiben die Handlung voran.
Es wird ein großer Spaß und ich freue mich auf einen wunderbaren Vormittag mit Ihnen. Karten gibt es hier.
„Vierzig Wagen westwärts“ ist keine knallharte Western-Action, sondern eine liebevolle, ironische Parodie auf das Genre. Der Film lebt von seinen sympathischen Figuren, dem absurden Plot und dem gelungenen Spagat zwischen Action und Humor. Wer einen klassischen Western erwartet, wird enttäuscht sein – wer aber Spaß an einer selbstironischen, überdrehten Westernkomödie mit Starbesetzung hat, wird bestens unterhalten.
Die Maisacher Gespräche zur Popkultur (MGP) gehen am Mittwoch, 4. Juni, in die zweite Runde. Ich darf ab 18 Uhr in der Gemeindebücherei einen Vortrag über die großen Science Fiction-Sagas halten. Nach einem erfolgreichen Auftakt um das Phänomen James Bond diskutiere ich nun die Frage: Warum uns Science-Fiction-Sagas nicht mehr loslassen? Der Eintritt ist kostenlos. Überall im Gemeindegebiet wurde für den Vortrag plakatiert. Danke dafür.
Science-Fiction-Sagas lassen uns nicht mehr los, weil sie weit mehr sind als bloße Zukunftsphantasien mit Raumschiffen, Laserwaffen und fremden Planeten. Sie berühren etwas Tiefes in uns – eine Mischung aus Neugier, Sehnsucht und der ewigen Frage nach dem „Was wäre, wenn?“. In einer Welt, die sich immer schneller verändert, in der Technologien unseren Alltag bestimmen und gesellschaftliche Umbrüche unser Leben prägen, bieten Science-Fiction-Geschichten nicht nur einen Blick in mögliche Zukünfte, sondern auch einen Spiegel für unsere Gegenwart. Dabei bespreche ich in die SF-Sagas zu Star Wars, Star Trek, Alien und Dune – der Wüstenplanet unter unterschiedlichen Fragestellungen.
Science Fiction-Sagas erschaffen Welten, in denen wir uns verlieren können – nicht zur Flucht, sondern zur Erweiterung unseres Denkens. Wenn wir Luke Skywalker auf seinem Weg begleiten, wenn wir mit der Crew der Enterprise ins Unbekannte aufbrechen oder wir uns auf die Jagd nach einem Alien begeben, dann geht es im Kern immer um etwas zutiefst Menschliches: Mut, Zweifel, Verantwortung, Hoffnung.
Science-Fiction erlaubt uns, große Themen zu verhandeln – künstliche Intelligenz, Klimawandel, gesellschaftliche Spaltung – ohne dass sie uns zu nahe treten. Durch die Distanz der fiktiven Welt erkennen wir oft klarer, was in unserer eigenen auf dem Spiel steht. Gleichzeitig wecken diese Sagas unsere Fantasie wie kaum ein anderes Genre. Sie zeigen nicht nur, was sein könnte, sondern auch, was sein sollte – und manchmal, was besser nicht eintreten darf.
Diese Geschichten leben von epischen Konflikten, charismatischen Figuren und der Vorstellung, dass auch der Einzelne im riesigen Gefüge des Universums Bedeutung haben kann. Vielleicht ist genau das ihr größter Reiz: Sie geben uns das Gefühl, Teil von etwas Größerem zu sein – und dennoch selbst entscheiden zu können, was richtig ist.
Deshalb lassen uns Science-Fiction-Sagas nicht mehr los. Sie sind Abenteuer und Allegorie, Utopie und Warnung zugleich. Sie schlagen Brücken zwischen Wissenschaft und Emotion, zwischen Vision und Realität. Und sie erinnern uns daran, dass der Mensch selbst in der entferntesten Galaxie auf der Suche nach dem bleibt, was ihn im Innersten ausmacht: Liebe, Freiheit, Sinn.
Ich freue mich auf die reichliche Teilnahme zu meinem Vortrag am Mittwoch, 4. Juni um 18 Uhr in der Gemeindebücherei Maisach. Ich halte diesen Vortrag ehrenamtlich, um die Kommunikation innerhalb unserer Gemeinde zu fördern. Ich bedanke mich ausdrücklich bei dem Team der Gemeindebücherei.
Erfolgreich ist Vortragsreihe Maisacher Gespräche zur Popkultur gestartet mit einem Abend über James Bond. Nun folgt am kommenden Mittwoch, 4. Juni , in der Gemeindebücherei mein Vortrag über Science-Fiction-Sagas.
Ziel meiner ehrenamtlichen Reihe ist es, Interesse an Popkultur zu wecken und zur kulturellen Vielfalt in meiner Wohnortgemeinde beizutragen. Wer könnte dazu besser geeignet sein, als James Bond? Der berühmte britische Geheimagent, fasziniert seit über 60 Jahren: Er ist stilvoll, mutig, charmant – und zugleich menschlich. Hier ist die Auszeichnung des Vortrags, der Lust auf die nächsten Veranstaltungen machen soll.
Der Vortrag beleuchtete die Entwicklung der Figur von Connery bis Craig, die spektakulären Schauplätze, die legendären Gadgets, Kultautos wie den Aston Martin DB5 und ikonische Gegenspieler. Auch der Wandel im Zeitgeist – vom Kalten Krieg bis zur digitalen Bedrohung – wurde thematisiert. Bond bleibt zeitlos modern und ein Mythos der Popkultur.
James Bond ist eine der bekanntesten und langlebigsten Filmfiguren der Kinogeschichte. Seit der erste Film „Dr. No“ (1962) der offiziellen Reihe erschien, zieht der britische Geheimagent Millionen von Fans weltweit in seinen Bann. Ich klärte in meinem Vortrag, was die ungebrochene Faszination für 007 ausmacht.
Für mich ist der Film einer der besten Western überhaupt, den ich bei meiner Western-Matinee im Scala Fürstenfeldbruck besprechen durfte: Der Mann, der Liberty Valance erschoss. Die nächste Matinee ist die Westernkomödie „Vierzig Wagen westwärts“ von John Sturges am Sonntag, 8. Juni. Karten gibt es hier.
Der Mann, der Liberty Valance erschoss (Originaltitel: The Man Who Shot Liberty Valance, USA 1962, Regie: John Ford) gilt als eines der bedeutendsten Spätwerke des Western-Genres und zugleich als kritischer Kommentar auf den Mythos des amerikanischen Westens. Der Film erzählt die Geschichte des Senators Ransom Stoddard (James Stewart), der in seine frühere Heimatstadt zurückkehrt, um an der Beerdigung eines alten Freundes teilzunehmen – Tom Doniphon (John Wayne). In Rückblenden wird die wahre Geschichte um den Tod des gefürchteten Banditen Liberty Valance (Lee Marvin) aufgerollt. Hier die Aufzeichnung meines Vortrags:
Erzählstruktur Formal und inhaltlich ist der Film stark durch eine reflexive Erzählstruktur geprägt. Die Rahmenhandlung in Schwarz-Weiß hebt sich bewusst von den farbenprächtigen Westernbildern jener Zeit ab und unterstreicht den nostalgischen, zugleich entmystifizierenden Ton des Films. Im Zentrum steht die Frage nach Wahrheit und Legende, nach dem Spannungsverhältnis zwischen persönlicher Integrität, öffentlicher Wahrnehmung und politischem Erfolg.
James Stewart verkörpert Ransom Stoddard als idealistischen Anwalt aus dem Osten, der sich dem Gesetz und der zivilisierten Ordnung verpflichtet fühlt, aber letztlich nur durch eine falsche Heldengeschichte politischen Einfluss gewinnt. John Waynes Figur Tom Doniphon repräsentiert hingegen den klassischen Westernhelden: unabhängig, stark und pragmatisch – aber letztlich eine Figur, deren Zeit im Übergang zur Moderne vorbei ist. Doniphon ist es, der Liberty Valance tatsächlich erschießt, um Stoddard zu schützen, bleibt dabei aber im Schatten der Öffentlichkeit.
Wahrheit bleibt auf der Strecke Die zentrale Aussage des Films wird im berühmten Zitat verdichtet: „When the legend becomes fact, print the legend.“ Diese Zeile bringt die bittere Erkenntnis zum Ausdruck, dass gesellschaftlicher Fortschritt oft auf Mythen und Konstrukten beruht – und nicht zwingend auf der Wahrheit.
Dialoge, Figurenpsychologie und moralische Fragen John Ford inszeniert diese Geschichte mit großer formaler Souveränität. Der Film verzichtet weitgehend auf spektakuläre Actionszenen und konzentriert sich stattdessen auf Dialoge, Figurenpsychologie und moralische Fragen. Die Inszenierung ist zurückgenommen, die Kameraarbeit von William H. Clothier klar und zweckdienlich, der Score von Cyril J. Mockridge unterstreicht die melancholische Grundstimmung.
In seiner Rückschau auf die Westernmythen, seiner Reflexion über Macht und Wahrheit und seinem tragischen Grundton ist Der Mann, der Liberty Valance erschoss ein Schlüsselfilm des Spätwesterns. Er markiert nicht nur einen Wendepunkt in der Genre-Geschichte, sondern auch im Werk John Fords, der hier eine Art Abgesang auf das heroische Westernbild inszeniert. Der Film stellt nicht nur die Frage, wer Liberty Valance erschossen hat, sondern vor allem: Welche Wahrheit darf (oder soll) Bestand haben – und zu welchem Preis?
Ich liebte die TV-Serie Space: 1999 oder Mondbasis Alpha 1 wie sie in Deutschland hieß. Ich habe mir unlängst die Bluray-Box gekauft und reise gedanklich zurück in meine Jugend. Und nun habe ich meinen Adler aus dem Jahre 1974 wieder. Hergestellt von britischen Dinky Toys. Das Metallmodell ist etwas ramponiert, die Triebwerke meines Dinky Eagle Transporter 359 hatte ich mit einer Schnur festgebunden.
Mit einer Länge von etwa 22 Zentimetern und gefertigt aus einer Mischung aus Metall und Kunststoffteilen, wurde das Modell zu einem der bekanntesten Science-Fiction-Spielzeuge der 1970er Jahre.
Das Modell zeichnet sich durch ein abnehmbares Transportmodul aus, dessen Türen sich öffnen lassen und kleine Treppen freigeben – ein Detail, das der Originalserie liebevoll nachempfunden ist. Im Laufe der Produktionszeit wurden verschiedene Farb- und Designänderungen vorgenommen. So variierten beispielsweise die Farben der Triebwerke und der Fenster. Während frühe Versionen noch verchromte Raketen aufwiesen, wurden diese später durch rote Kunststoffteile ersetzt. Auch die Fenstereinsätze änderten sich – von farbig getönt bis klar. Die Verschraubung des Modells wurde ebenfalls im Detail angepasst: Anfänglich wurden Schlitzschrauben verwendet, später Kreuzschlitzschrauben.
Verpackt wurde der Eagle Transporter in mehreren unterschiedlichen Boxendesigns, darunter Blisterverpackungen und Fensterboxen mit Mondlandschaft als Hintergrund. Es existieren zwar Umbauten durch Sammler, doch eine offizielle weiße Version des Dinky Eagle Transporters wurde nie produziert – ein häufiger Irrtum unter Sammlern.
Die Adler dienen als vielseitige Transport-, Forschungs- und Rettungsschiffe für die Besatzung der Mondbasis Alpha. Die Adler sind technisch so konzipiert, dass sie mit vier Nuklear-Raketentriebwerken Geschwindigkeiten von bis zu 50.000 km/h erreichen können. Sie sind modular aufgebaut: Die mittleren Frachtsektionen lassen sich je nach Mission austauschen, was den Adler extrem flexibel macht – vom Passagier- über den Fracht- bis zum Rettungstransporter.
Das Design der Adler ist funktional und erinnert an eine Mischung aus Hubschrauber und futuristischem Raumschiff. Besonders auffällig sind die Gitterstrukturen und die Landefüße mit Stoßdämpfern, die für Landungen auf unebenem Gelände ausgelegt sind. In der Serie werden die Adler häufig für Außeneinsätze, Erkundungsmissionen und Rettungsaktionen eingesetzt, oft auch von Hauptcharakteren wie Commander Koenig persönlich geflogen.
Zu dieser Zeit erschienen auch Spielzeugmodelle des Adlers.Bereits in den 1970er-Jahren war der Adler-Transporter als Spielzeug extrem begehrt. Viele Kinder, die die Serie sahen, wünschten sich das Raumschiff als Modell, was den Adler zu einem der Kultspielzeuge der damaligen Zeit machte. Die Faszination lag nicht nur an der Serie selbst, sondern auch an der außergewöhnlichen Optik und Vielseitigkeit des Raumschiffs.
Es gab verschiedene Versionen des Adler-Spielzeugs, von einfachen Kunststoffmodellen bis zu aufwendigeren, detailgetreuen Nachbildungen. Besonders begehrt sind limitierte Modelle, wie etwa das große Fertigmodell im Maßstab 1:48 (ca. 56 cm lang), das von MPC produziert wurde. Dieses Modell zeichnet sich durch hohe Detailtreue aus: Abnehmbare Cockpitspitze mit zwei Pilotenfiguren, detaillierte Rückwand und gefederte Landefüße. Das MPC-Modell war weltweit auf nur 750 Stück limitiert und ist heute ein begehrtes Sammlerstück. Auch in den 1970ern gab es bereits Spielzeuge, die sich an der TV-Miniatur orientierten. Diese Modelle wurden oft intensiv bespielt und sind heute nostalgische Erinnerungsstücke für viele Fans.
Wiedererkennungswert und Einfluss Der Adler-Transporter gilt bis heute als eines der ikonischsten Raumschiffdesigns der Science-Fiction-Geschichte. Das Spielzeug war für viele Kinder ein Tor zu eigenen Weltraumabenteuern und ist heute ein beliebtes Sammlerobjekt, das auf Auktionen und in Fan-Communities hohe Preise erzielt.
Die Adler aus „Mondbasis Alpha 1“ sind nicht nur das technische Rückgrat der Serie, sondern auch ein Meilenstein im Science-Fiction-Design. Das dazugehörige Spielzeug genießt bis heute Kultstatus und ist ein begehrtes Sammlerstück, das die Faszination der Serie über Generationen hinweg transportiert.
Peter Lorenz aus Berlin ist ein James Bond Fan. Ich bin auch ein Bond-Fan, aber im Vergleich zu Peter Lorenz bin ich ein kleines Licht. Lorenz hat es sich persönlich zur Aufgabe gemacht, Material wie Poster, Lobbycards, Merch zu den Bond Filmen zusammenzutragen und es als Marketing-Fan-Buch zu den jeweiligen Filmen zu veröffentlichen. Sie sind erhältlich über seine Facebook-Seite.
Vor kurzem erschienen seine Fan-Bücher zu Octopussy und A View to a Kill. Vor längerer Zeit kam For your eyes only heraus. Für mich ist Peter Lorenz einer der zentralen privaten Bewahrer und Interpreten der visuellen Bond‑Ästhetik, der sein Wissen als Künstler, Blogger und Sammler in aufwändigen Projekten und Publikationen zugänglich macht. Dafür muss ihm gedankt werden.
Bond als Sammelthema James Bond zählt nicht nur zu den bekanntesten Filmfiguren der Welt, sondern ist auch eines der beliebtesten Sammelthemen unter Filmfans. Besonders Sammler von Filmplakaten, Lobbycards und Merchandising-Artikeln schätzen die Reihe aus vielen Gründen – nicht zuletzt aufgrund ihrer langen Geschichte und ihres ikonischen Stils. Ich selbst habe ein paar Lobby-Cars, Poster und einige Corgi-Autos aus allen Zeiten.
Seit dem ersten Film Dr. No im Jahr 1962 hat sich Bond zu einer der langlebigsten und erfolgreichsten Kinoreihen entwickelt. Mit über 25 offiziellen Filmen spannt sich die Werbe- und Designgeschichte über mehr als sechs Jahrzehnte. Diese Kontinuität macht die Serie besonders interessant für Sammler, da jedes Jahrzehnt eigene visuelle Trends, künstlerische Stile und Marketingstrategien hervorgebracht hat. Die Plakate wurden häufig von renommierten Künstlern wie Robert McGinnis oder Frank McCarthy gestaltet und spiegeln Mode, Zeitgeist und Ästhetik ihrer Epoche eindrucksvoll wider. Ich hatte mit Peter Lorenz vor längerer Zeit ein Zoom-Interview geführt, was mir sehr viel Spaß gemacht hat.
Popularität der Marke Ein weiterer Grund für die Beliebtheit von Bond-Sammlerstücken ist die weltweite Popularität der Marke. Das hat Peter Lorenz vollkommen richtig erkannt und Marketing-Material gesammelt. Ich bin da schon auf seine Sammlung neidisch. James Bond war und ist ein internationales Phänomen, was dazu führte, dass Filmplakate und Lobbycards in unterschiedlichsten Sprach- und Designvarianten produziert wurden. Besonders begehrt sind seltene Originale aus Ländern wie Japan, Polen oder der ehemaligen DDR, da sie durch ihre abweichenden grafischen Konzepte und geringe Auflage auffallen.
Fanbase Auch die Bond-Darsteller selbst tragen zur Sammelleidenschaft bei. Jeder Schauspieler – von Sean Connery über Roger Moore bis zu Daniel Craig – hat eine eigene Fanbasis. Ich bin Connery-Fan. Viele Sammler konzentrieren sich daher auf bestimmte Ären oder Filme wie Goldfinger, Live and Let Die oder Casino Royale. Die nostalgische Verbindung zur eigenen Jugend oder zum ersten Bond-Erlebnis spielt dabei eine zentrale Rolle. Vor kurzem habe ich einen Vortrag über die Faszination von Bond in unserer Gemeindebücherei gehalten, werde aber dazu noch gesondert berichten.
Lizenzprodukte Darüber hinaus zeichnet sich der Bond-Kosmos durch eine enorme Vielfalt an Merchandise aus: Spielzeug, Modellautos (vor allem der legendäre Aston Martin DB5), Requisiten, Bücher, Autogramme, Uhren, Kleidung und sogar Casinoutensilien aus den Filmen sind gefragte Sammlerobjekte. Die Ursprünge dieser kommerziellen Vermarktung reichen zurück bis in die 1960er Jahre, als erste Lizenzprodukte auf den Markt kamen. Seither ist das Angebot stetig gewachsen – oft in limitierten Auflagen, was Seltenheit und Wert steigert. Insbesondere Steelbooks, Mini-Poster, Reprints und Sondereditionen sprechen gezielt Sammler an.
Der Reiz des Sammelns liegt jedoch nicht nur im materiellen Wert oder der Exklusivität der Objekte, sondern auch in der besonderen Kombination aus Stil, Action, Technik und Popkultur, für die James Bond steht. Plakate und Memorabilia der Serie vereinen viele klassische Elemente: elegante Männer, schöne Frauen, exotische Schauplätze und spektakuläre Technik. Genau diese stilvolle Mischung macht James Bond nicht nur für eingefleischte Fans, sondern auch für Liebhaber von Design- und Filmgeschichte zu einem besonders attraktiven Sammelthema.
Kurzum: James Bond ist nicht nur ein Kino-Phänomen, sondern auch ein Paradebeispiel für gelungenes internationales Filmmarketing – und damit eine dauerhafte Quelle der Faszination für Sammler auf der ganzen Welt. Und ich hoffe, dass ich Peter Lorenz mal live in Berlin treffe und mich weiter von Fan zu Fan unterhalten kann.
Neulich fand ich in einer Schachtel viele Schätze aus meiner Jugend wieder. Ich fand lang gesuchtes Spielzeug aus den Jahren 1974 bis 1978 wieder, darunter die Comet von Captain Future. Über den Spielzeugfund habe ich gebloggt.
Ich liebte als Kind die Serie, ich verehre noch heute die Musik von Prof Christian Bruhn und ich habe damals bei Spielwaren Reindl in Fürstenfeldbruck das Raumschiff Comet für viel Geld gekauft. Das Modell hieß Future Comet und stammt von Popy.
Es ist kein offizielles Lizenzprodukt, aber ich hab es geliebt. Leider fehlt ein Solarpanel und ich hoffe, es taucht in weiteren Kisten auf. Die Raketen sind alle vorhanden. Das Modell wurde 1978 von der japanischen Firma Popy unter der Produktlinie „Popynica“ veröffentlicht. Es trägt die Modellnummer PB-78 und ist Teil der Chogokin-Serie, die für hochwertige Spielzeuge mit Metallanteilen bekannt ist. Das „Future Comet“-Modell besteht aus einer Kombination von Die-Cast-Metall und Kunststoffteilen. Es verfügt über bewegliche Teile und abnehmbare Komponenten.
Ich hatte mir neulich überlegt, die Comet bei eBay zu kaufen, erschrak aber über die aufgerufenen Preise. Nun hab ich mein persönliches Original wieder.
Ich habe mit Google Notebook einen Podcast geschaffen.
Lucio Fulcis Das Haus an der Friedhofsmauer (Quella villa accanto al cimitero) ist ein Paradebeispiel für den italienischen Horrorfilm der frühen 1980er-Jahre – stilistisch markant, atmosphärisch dicht, erzählerisch jedoch brüchig. Der Film setzt weniger auf logischen Plotaufbau als auf eine albtraumhafte Bildsprache, wie sie nur Fulci inszenieren konnte. Ich bespreche und zeige Das Haus an der Friedhofsmauer am Sonntag, 18. Mai um 10:45 Uhr im Scala Kino Fürstenfeldbruck. Karten gibt es hier.
Morbide Ästhetik Die Inszenierung lebt von der permanenten Bedrohung, die sich über das unheimliche Haus legt. Fulcis Hang zur morbiden Ästhetik ist überall spürbar: Moder, Verfall und Tod durchziehen die Kulissen wie ein bleierner Schleier. Die Kameraarbeit von Sergio Salvati verstärkt diese Wirkung durch langsame Fahrten, düstere Farben und gezielte Unschärfen, die das Gefühl von Unsicherheit und Wahnsinn erzeugen.
Gewalt wie im Fiebertraum Die Gewalt ist brutal, explizit und bisweilen exzessiv – typisch für Fulci. Dabei geht es ihm weniger um Schockeffekte im modernen Sinne als um das Erzeugen einer grotesken, beinahe surrealen Atmosphäre. Körper werden zerschnitten, Kehlen aufgeschlitzt – doch der Horror wirkt eher wie aus einem Fiebertraum denn wie aus einem klassischen Slasherfilm.
Logik bleibt außen vor Wirklich problematisch ist jedoch das Drehbuch. Die Logik der Handlung bleibt brüchig bis unverständlich. Figuren handeln oft irrational, Dialoge sind hölzern und die psychologische Tiefe der Charaktere bleibt oberflächlich. Man spürt, dass Fulci mehr an der Bildsprache als an narrativer Kohärenz interessiert war. Das macht den Film zwar interessant für Cineasten und Fans des Giallo, aber frustrierend für Zuschauer, die eine nachvollziehbare Geschichte erwarten.
Musikalisch bietet Walter Rizzatis Soundtrack eine passende Mischung aus sanften Klaviermotiven und bedrohlichen Klangteppichen, die zwischen Melancholie und Wahnsinn schwanken – ein unterschätztes Highlight des Films.
Das Haus an der Friedhofsmauer ist weniger ein konventioneller Horrorfilm als ein stilisiertes, morbides Kunstwerk. Wer sich auf Fulcis Logik des Albtraums einlässt, wird mit einzigartigen Bildern und einer dichten Atmosphäre belohnt. Wer jedoch klare Handlung und psychologische Tiefe sucht, wird eher enttäuscht sein. Ein Kultfilm – sperrig, bizarr, faszinierend. Und dennoch ist der Film wichtig für seine Zeit und daher ein würdiger Kandidat für die phantastische Matinee. Karten gibt es hier.
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