Eigentlich ist ja vor Weihnachten die ruhige Zeit. Eigentlich. Im Grunde bin ich vor den Feiertagen richtig gestresst und konnte nur aufgrund der Terminlage einen weiteren Bummel über einen Weihnachtsmarkt machen. Ich war auf dem Fürther Weihnachtsmarkt, der zusammen mit einem Mittelaltermarkt mir ganz gut gefallen hat. Nicht so ein Trubel wie der große Christkindlesmarkt in Nürnberg.
Bis Dienstag, 23. Dezember, findet der Fürther Weihnachtsmarkt auf der Frühster Freiheit statt. Ein ganz besonderes Ambiente entsteht auch in diesem Jahr wieder durch den Mittelaltermarkt. An rund 25 liebevoll historisch gestalteten Ständen und Buden lassen sich traditionelle Handwerkskünste wie Kerzenziehen, Glas- und Schmiedearbeiten, Töpfern oder Filzen hautnah erleben. Dazu werden Getränke und Speisen nach alten Rezepturen angeboten. Ich habe ein Schaschlik gegessen, leider ohne Leber und daher nur ein schnöder Fleischspieß. Hier ein paar Videoeindrücke.
Für Unterhaltung ist ebenfalls gesorgt: Ein vielfältiges Rahmen- und Bühnenprogramm begeistert kleine wie große Gäste. Den stimmungsvollen Abschluss eines jeden Markttages bildet ein Feuerspektakel. Nach Einbruch der Dunkelheit tauchen Fackeln den Markt in ein warmes Licht, während Feuerstellen und Badezuber zum Aufwärmen und Verweilen einladen.
Nicht fehlen darf auch in diesem Jahr Bayerns höchste Weihnachtspyramide, die diesmal bis Samstag, 10. Januar, in der Adenauer-Anlage zum gemütlichen Glühwein-Umtrunk lädt und den Fürther Markt mit einbindet. Dort blieb ich länger stehen. Die Weihnachtspyramide auf dem Fürther Weihnachtsmarkt ist eines der prägenden und beliebtesten Elemente des Marktes und verbindet traditionelle Handwerkskunst mit festlicher Symbolik. Sie ist nicht nur ein Blickfang, sondern auch ein kulturelles Zeichen für vorweihnachtliche Stimmung und gelebtes Brauchtum in der Innenstadt.
Weihnachtspyramiden haben ihren Ursprung im Erzgebirge und entwickelten sich aus einfachen, mit Kerzen bestückten Gestellen, die Licht in die dunkle Jahreszeit bringen sollten. In Fürth greift die Weihnachtspyramide diese Tradition auf und übersetzt sie in eine zeitgemäße, öffentlich zugängliche Form. Mit ihrer mehrstöckigen Bauweise, den kunstvoll gestalteten Figuren und der warmen Beleuchtung bildet sie einen zentralen Treffpunkt auf dem Weihnachtsmarkt.
Charakteristisch für die Fürther Weihnachtspyramide ist ihr Aufbau in mehreren Ebenen, auf denen sich unterschiedliche Szenen und Figuren präsentieren. Häufig greifen diese Darstellungen weihnachtliche Motive, regionale Bezüge oder handwerkliche Themen auf. Durch die Drehbewegung der Ebenen entsteht eine ruhige, gleichmäßige Dynamik, die Besucher fast automatisch zum Verweilen einlädt. Das Spiel aus Licht, Bewegung und Holz verleiht der Pyramide eine besondere Ausstrahlung, die sich deutlich von modernen Lichtinstallationen abhebt.
Technisch wird die Pyramide – traditionell wie symbolisch – durch Wärme und Luftströmung in Bewegung gesetzt oder durch einen unauffällig integrierten Motor unterstützt. Unabhängig von der Antriebsform bleibt der ursprüngliche Gedanke erhalten: Licht erzeugt Bewegung, Bewegung erzeugt Leben. Gerade in der dunklen Jahreszeit entfaltet diese Idee eine besondere Wirkung.
Im Kontext des Fürther Weihnachtsmarktes übernimmt die Weihnachtspyramide mehrere Funktionen. Sie ist Orientierungspunkt, Fotomotiv und identitätsstiftendes Element zugleich. Viele Besucherinnen und Besucher verbinden ihren Marktbesuch ganz selbstverständlich mit einem Gang zur Pyramide, sei es zum Innehalten, zum Beobachten der Details oder als Treffpunkt. Besonders für Kinder übt die langsam rotierende Konstruktion mit ihren Figuren eine große Faszination aus.
Darüber hinaus steht die Weihnachtspyramide sinnbildlich für das, was den Fürther Weihnachtsmarkt auszeichnet: eine Verbindung aus Tradition, Handwerk und familiärer Atmosphäre. In einer Zeit, die oft von Hektik geprägt ist, setzt sie einen ruhigen Gegenpol und lädt dazu ein, den Moment bewusst zu erleben.
So ist die Weihnachtspyramide weit mehr als ein dekoratives Element. Sie ist ein fest verankerter Bestandteil des Weihnachtsmarktes in Fürth und trägt maßgeblich dazu bei, dessen besondere Stimmung Jahr für Jahr erlebbar zu machen.
Übrigens: Das Sicherheitskonzept empfand ich als sinnvoll und gut.
Kraftwerk in München und es ist für mich eine Selbstverständlichkeit hier dabei zu sein. Begleitet wurde ich von einer begeisterten Tochter, die Ehefrau blieb navh verschiedenen Kraftwerk-Konzerte zu Hause beim Plätzchenbacken.
Der Sound im Zenit war großartig, ebenso wie bei meinem letzten Konzert von Kraftwerk in Stuttgart. Kraftwerk gelten seit Jahrzehnten als Pioniere der elektronischen Musik, die Klang und Technologie zu Kunst verschmolzen haben. Gegründet 1970 in Düsseldorf, schuf das Kollektiv um Ralf Hütter und (bis zu seinem Austritt) Florian Schneider visionäre elektronische Klangwelten in ihrem legendären Kling-Klang-Studio. Bereits Mitte der 1970er erlangten sie internationale Anerkennung für ihren revolutionären Sound und ihre Experimente mit Robotik und neuen technischen Innovationen. Alben wie Autobahn (1974) brachten deutsche Elektronik-Klänge unerhört in die internationalen Charts, Radio-Aktivität (1975) thematisierte das Thema Kernkraft, Trans Europa Express (1977) feierte futuristische Mobilität, und Die Mensch-Maschine (1978) definierte das Bild der Symbiose von Mensch und Technik in der Popkultur. Mit Computerwelt (1981) antizipierten Kraftwerk die digitale Gesellschaft und übten subtile Kritik an der Datenüberwachung – lange bevor diese Themen Mainstream wurden.
Jeder dieser musikalischen Meilensteine transportierte Ideen ihrer Zeit und prägte künftige Musikergenerationen. So wurde etwa der treibende Beat von „Trans Europa Express“ zur Blaupause für Afrika Bambaataas Hip-Hop-Klassiker Planet Rock, und sogar Coldplay entlehnten sich eine Melodie von Kraftwerk für ihren Hit „Talk“. Diese Beispiele verdeutlichen, wie musikalische Ideen von Kraftwerk weit über ihr eigenes Schaffen hinaus weitergetragen wurden – ein direkter Beleg für das Motto „Musik als Träger von Ideen“.
„Musik als Träger von Ideen“ Und es erwischte mich am Konzertende wieder voll. Die Zeile „Es wird immer weitergehn: Musik als Träger von Ideen“ stammt ursprünglich aus dem Song „Techno Pop“ (1986) und ist weit mehr als ein Liedtext – sie ist zu einem Leitsatz des Kraftwerk’schen Schaffens geworden. Wie der Musikjournalist Michael Döringer anmerkt, „sagt diese Textzeile alles aus über das Musikverständnis der Düsseldorfer Elektronikpioniere“.
Ich stehe in der Halle und mir wieder schlagartig wieder bewusst, welche enorme künstlicherische Kraft von Kraftwerk ausgeht. Kraftwerk wussten genau um die gesellschaftliche Kraft der Musik und darum, „was Kunst alles sein kann“. In ihrer Vision ist Musik kein bloßer Hintergrundklang, sondern ein Medium für Ideen, Botschaften und Visionen. Der Ausspruch impliziert, dass musikalische Innovation und Inspiration niemals stagnieren – Ideen werden immer weitergetragen, von einer Generation zur nächsten, von einem Genre ins nächste.
Diese Haltung spiegelt sich im Werk der Band wider. Kraftwerk haben konsequent den Zeitgeist reflektiert und in ihren Stücken verarbeitet. Oft wirkten ihre Songs wie klangliche Essays zu Themen der modernen Zivilisation: „Radioaktivität“ etwa beleuchtete 1975 wissenschaftlich-neutral die Wunder der Kernenergie, wurde aber später – nach Tschernobyl und Fukushima – live in einen eindringlichen Appell gegen radioaktive Gefahren umgewandelt (“Stoppt die Radioaktivität!”). Hier zeigt sich Musik als Träger einer sich wandelnden Idee: von naiver Faszination hin zu mahnender Verantwortung. Ähnlich verknüpfte „Trans Europa Express“ Fortschrittseuphorie mit kultureller Reflexion, wenn Europas neue Verbundenheit im Hochgeschwindigkeitszug besungen und zugleich der Bogen zu Kunstikonen wie Iggy Pop und David Bowie geschlagen wird. Kraftwerk demonstrieren damit, dass Musik Bedeutung transportiert – sei es als Feier technologischer Utopien, als Kritik an gesellschaftlichen Entwicklungen oder als Bewahrer kultureller Erinnerungen.
Philosophisch knüpft diese Sichtweise an den Gedanken an, dass Kunst eine transformative Kraft besitzt. Seit jeher haben Denker Musik eine besondere Fähigkeit zugeschrieben, Ideen auszudrücken und Menschen innerlich zu bewegen. Kraftwerk führen dies im Kontext des elektronischen Zeitalters fort: Ihre Musik, so minimalistisch die Texte oft sind, vermittelt Konzepte von Fortschritt und Mensch-Maschine-Beziehung, von Urbanität und Natur, von Euphorie und Nachdenklichkeit. Die Textzeile „Musik als Träger von Ideen“ unterstreicht, dass jeder Klang, jeder Beat mehr bedeuten kann – nämlich eine Idee transportieren, die beim Hörer resoniert und einen Denkprozess auslöst. Gerade in der heutigen digitalen Welt – der Welt, die Kraftwerk mit ihren „Zukunfts-Visionen“ gewissermaßen den Soundtrack geliefert haben – behält diese Maxime ihre Gültigkeit.
Musik bleibt ein Vehikel, um Ideen in die Zukunft zu tragen. Und Kraftwerk selbst sind der lebende Beweis: Noch 50 Jahre nach Bandgründung lässt ihr Gesamtkunstwerk keinen Zweifel daran, dass diese Überzeugung Bestand hat. Ihre Klänge und Botschaften haben Generationen von Künstlern beeinflusst und ganze Genres hervorgebracht, von Synth-Pop über Techno bis Industrial und Hip-Hop .
Technologie, Kunst und kulturelle Entwicklung in Einklang Schon früh erhoben Kraftwerk Technologie und moderne Ästhetik zur Kunstform. In einer Zeit, als Rock und Jazz dominierten, suchten sie bewusst nach einer neuen, deutschen Klangsprache jenseits angloamerikanischer Vorbilder. Sie integrierten technische Geräte – Synthesizer, Drum-Computer, Vocoder – als gleichberechtigte kreative Instrumente und gestalteten damit einen völlig neuartigen, minimalistisch-präzisen Sound. Damit wurden sie nicht nur Musiker, sondern Ingenieure einer audiovisuellen Zukunftsvision. Die Verbindung von elektronischer Musik mit visueller Kunst ist ihnen inhärent: Kraftwerk-Konzerte sind legendär für ihre streng durchgestalteten Projektionen, Computeranimationen und die ikonische Roboter-Ästhetik. Jede Show wird zum Gesamtkunstwerk aus Klang und Bild, in dem die Grenzen zwischen Konzert und Kunstinstallation verschwimmen. Diese multimediale Präsentation knüpft an das Konzept der Gesamtkunstwerk-Idee an, wie sie in der europäischen Kunsttradition (etwa bei Wagner) formuliert wurde, und übersetzt es ins digitale Zeitalter.
Damit schlagen Kraftwerk eine Brücke von der Popkultur zur Hochkultur. Längst werden sie in einem Atemzug mit bildenden Künstlern genannt – ihre minimalistische, konstruktivistische Gestaltung von Klang und Auftreten brachte ihnen Ausstellungen in Museen und Kunsthallen weltweit ein . Vom New Yorker MoMA (2012) über die Tate Modern bis zur Neuen Nationalgalerie Berlin haben Kraftwerk ihre Werke in renommierten Kunststätten präsentiert  – Anerkennung dafür, dass ihre audiovisuelle Performance als kulturelles Erbe und Kunstform anerkannt ist. Die Band selbst inszeniert sich dabei als Teil ihrer Kunst: anonymisierte Akteure in identischen Anzügen, die Idee der „Mensch-Maschine“ verkörpernd. Ralf Hütter und seine Kollegen sprechen oft von sich als Musik-Arbeiter; der individuelle Künstler tritt zurück hinter die Konzeptfigur des avancierenden Technikers-Musikers. Hier manifestiert sich der philosophische Gedanke, dass in einer technologischen Welt die traditionelle Grenze zwischen Mensch und Maschine verschwimmt – ein Leitmotiv, das Kraftwerk künstlerisch durchdekliniert haben.
Die kulturelle Entwicklung, die Kraftwerk angestoßen haben, ist kaum zu überschätzen. Indem sie elektronische Klänge salonfähig machten und deren ästhetische Tiefe aufzeigten, ebneten sie den Weg für ganze Subkulturen. Ihre Musik war Träger einer Idee von Zukunft, die in unterschiedlichen Regionen auf fruchtbaren Boden fiel – Detroit etwa empfing via Radio Kraftwerks maschinelle Rhythmen als Inspirationsquelle und gebar daraus den Techno der zweiten Generation. In Europa wie in den USA veränderten junge Künstler ihr Schaffen, nachdem sie Kraftwerk gehört hatten – viele nennen es bis heute ein Erweckungserlebnis. So gesehen, fungierte Kraftwerks Œuvre selbst als Träger von Ideen, die andere weiterführten. Technologie, Kunst und Kultur sind in ihrem Werk untrennbar verwoben: Jedes Kraftwerk-Album reflektiert technische Errungenschaften und deren Einfluss auf den Menschen, präsentiert in künstlerischer Form, und beeinflusst wiederum die Kultur, indem es neue Denkanstöße liefert. Im Zeitalter von KI wäre ein weiteres Statement von Kraftwerk wünschenswert.
Live-Performance als Vision Besonders deutlich erfahrbar wird Kraftwerks Motto im Live-Konzerterlebnis – etwa beim jüngsten Auftritt der Band in München im Zenith. Wenn die vier Musiker in ihren futuristischen Anzügen hinter Pulten stehen und die ersten elektronischen Klänge ertönen, verwandelt sich der Ort in einen anderen Raum: Als die Lichter erlöschen, ist es, als würde eine Zeitmaschine anspringen. Das Publikum taucht ein in eine digitale Kathedrale aus Klang und Licht. Die Bühne erweckt den Eindruck einer Zeitreise durch Kraftwerks Gesamtkatalog und darüber hinaus – eine Reise durch Vergangenheit und Zukunft, in der nostalgische Elemente nahtlos in eine immerwährende Gegenwart übergehen. Hier wird keine müde Nostalgie gefeiert; stattdessen entfaltet sich eine musikalische Vision, „die nie an Aktualität verloren hat“. Die Beats kommen glasklar und präzise aus den Boxen, doch trotz aller elektronischen Kühle schwingt eine gewisse Wärme und Menschlichkeit mit, die Kraftwerks Sound zeitlos faszinierend macht.
Kraftwerks Live-Performance ist streng durchchoreografiert und doch emotional mitreißend. Die Musiker selbst agieren betont statisch – Interaktion in klassischem Rock-’n’-Roll-Sinn findet kaum statt; die wenigen gesprochenen Worte (etwa die Begrüßung oder eine Widmung) kommen verzerrt aus dem Vocoder. Weil es Weihnachten ist, gab es eine Widmung an Ryūichi Sakamoto mit Merry Christmas Mr. Lawrence. Sakamoto lieferte auch den japanischen Text zu Radioaktivität. Was für eine Verbeugung von dem 2003 verstorbenen Sakamoto, den Kraftwerk 1981 bei ihrem ersten Tokyo-Konzert trafen.
Diese demonstrative Unnahbarkeit lenkt den Fokus ganz auf die Inhalte, die visuell und akustisch vermittelt werden. Über riesige Projektionsflächen laufen synchronisierte 3D-Animationen: leuchtend grüne Zahlenkolonnen bei „Nummern“, eine endlose Autobahn bei „Autobahn“, DNA-Helices bei „Vitamin“ oder Geigerzähler-Symbole bei „Radioaktivität“. Zu letzterem Song etwa wechseln die Warnzeichen auf den Bildschirmen bedrohlich von Gelb auf Rot und mahnen vor atomarer Gefahr, während die Musik düster und eindringlich wird – ein Gänsehautmoment der Reflexion über Verantwortung in der Technikwelt. Man spürt, wie politisch und relevant Kraftwerk immer noch sind, wenn plötzlich inmitten der mitreißenden Elektronik solche nachdenklichen Töne angeschlagen werden. Das Publikum verstummt in diesen Augenblicken spürbar, bevor es im nächsten Moment von hypnotischen Rhythmen wieder mitgerissen wird.
Auffällig ist die generationenübergreifende Wirkung der Show. Im Zenith stehen bei einem Kraftwerk-Konzert Menschen jeden Alters nebeneinander: grauhaarige Ersthörer der 70er neben jungen Techno-Fans, Familienväter neben ihren staunenden Kindern (so einer war ich). Diese Vielfalt im Publikum – „von jung bis alt, von Nerd bis Tänzer“ – zeigt, wie zeitlos und verbindend Musik sein kann. Für die Dauer des Konzerts verschwinden die Unterschiede: Musik als universeller Träger verbindet die Menschen direkt. Man beobachtet, wie bei Klassikern wie „Computerwelt“ oder „Autobahn“ die Menge unwillkürlich im Takt schwingt – die Menge wiegt sich im Takt, von den ersten Reihen bis zu den hinteren Stehplätzen. Es ist, als verschmelze der Puls der Stadt mit dem der Musik: Die Live-Elektronik wird zum kollektiven Herzschlag aller Anwesenden. Hier erfüllt sich spürbar, was der Kraftwerk-Slogan verheißt – eine Idee vereint durch Musik.
In den ekstatischen Momenten, etwa wenn in der Zugabe „Die Roboter“ ertönt, steigert sich dieses Gemeinschaftsgefühl weiter. Obwohl die Musiker selbst fast regungslos bleiben, ist plötzlich alles in Bewegung: „Visuals, Musik, Publikum – für einen Moment scheint es, als wären wir alle Teil einer großen Choreografie – Mensch und Maschine, vereint im Rhythmus“ . Diese Szene lässt erahnen, was Kraftwerk mit der Mensch-Maschine-Idee künstlerisch intendieren: Die Grenze zwischen Bühne und Zuschauerraum, zwischen Performer und Publikum, verschwimmt. Im Gleichschritt mit den Maschinenrhythmen tanzen alle als Einheit – ein symbolischer Augenblick, in dem Musik buchstäblich zur gemeinsamen Sprache wird, welche die Trennung zwischen Mensch und Technologie aufhebt. Man kann hier von einer fast rituellen Erfahrung sprechen, in der die Transformation unmittelbar erlebt wird: Musik transformiert die Menschenmenge zu einem Kollektiv, die Konzerthalle zum visionären Raum.
Am Ende des Abends schließlich wird das Motto „Es wird immer weitergehen…“ in einer letzten Geste greifbar. Nach rund zwei Stunden verabschieden sich die Musiker nämlich während noch der Sequencer pulsiert: Bei „Musique Non Stop“ verlässt einer nach dem anderen mit einer Verneigung die Bühne, doch die Musik läuft weiter. Die Maschine spielt unbeirrt alleine weiter, als hätte sie ein Eigenleben: Die Maschine spielt weiter, auch wenn der Mensch die Bühne verlässt. Dieser Schlussmoment, in dem die letzten Projektionen flimmern und Kraftwerk im Dunkel verschwinden, lässt das Publikum mit einem tiefen Eindruck zurück. Viele Zuschauer bleiben noch eine Weile stehen, benommen und erfüllt von dem Erlebten. Die Botschaft ist klar spürbar: Die Ideen, die Kraftwerk durch ihre Musik in die Welt gesetzt haben, klingen über den Auftritt der physischen Personen hinaus fort. Die Musik als Träger von Ideen setzt ihren Weg fort – zeit- und ortsunabhängig.
Visionäres Vermächtnis im Konzertformat Der Auftritt von Kraftwerk – sei es im Münchner Zenith 2025 oder an einem anderen Ort – erweist sich als weit mehr als nostalgische Konzertreise. Er gleicht eher einer kulturellen Reflexion in Echtzeit, einem Nachdenken über Technik, Kunst und Menschlichkeit, verpackt in mitreißende audiovisuelle Performance. Kraftwerk demonstrieren mit jedem Track, dass ihre Maxime „Musik als Träger von Ideen“ gelebte Realität ist: Musik kann unterhalten und zugleich tiefgründige Ideen vermitteln, sie kann Vergangenheit und Zukunft verknüpfen und Menschen jeden Hintergrunds zusammenbringen. Die philosophische Tiefe des Kraftwerk-Zitats zeigt sich nicht nur in ihren Studioalben, sondern intensiv auf der Live-Bühne – dort, wo das Publikum Teil des Gesamtkunstwerks wird und am eigenen Leib erfährt, was die Mensch-Maschine-Symbiose bedeutet.
Noch heute, nach über fünf Jahrzehnten, wirkt Kraftwerks Kunstvision frisch und zukunftsgewandt. Ihr Konzertabend in München führte das eindrücklich vor Augen: Hier stand ein Stück Musikgeschichte in Form von vier regungslosen Gestalten auf der Bühne – doch was aus den Lautsprechern und Leinwänden strömte, war lebendige Gegenwart und vorweggenommene Zukunft zugleich. Es ging immer weiter: von den experimentellen Anfängen bis in die digitale Gegenwart hat Kraftwerks Musik Ideen transportiert und Transformation bewirkt. Und es wird immer weitergehen – denn die Ideen leben in der Musik weiter, ob auf Vinyl, in digitalen Samples oder in den Köpfen und Herzen eines begeisterten Publikums. Kraftwerk haben der Welt eine Philosophie des Klangs hinterlassen, die in jedem Konzert neu aufblüht: Musik als Träger von Ideen, gestern, heute und morgen.
Das La Palma in Fürth fühlt sich an wie ein leiser Zeitsprung: Man tritt von der Karlstraße aus ein und findet sich in einem Raum wieder, in dem gedämpftes Stimmengewirr, sanftes Licht und der Duft von Meer und Kräutern eine eigene kleine Welt bilden. Nichts hier wirkt laut oder aufgesetzt, alles scheint mit einer stillen Sorgfalt arrangiert – von den weißen Tischdecken bis zu den Gläsern, in denen das Licht schimmert. Wenn ich in Fürth Station mache, dann kehre ich gerne bei Familie Minneci im La Palma ein. Ich war im Oktober dort und jetzt vor Weihnachten wieder.
Herzlich werde ich von Gianni Minneci begrüßt. Wichtig ist, unbedingt reservieren. Gianni Minneci kam im Jahr 1973 aus dem kleinen sizilianischen Dorf Castellana Sicula über die Alpen nach Deutschland. Wie viele begann auch er in der Gastronomie ganz unten – als Tellerwäscher. Doch schon bald entdeckte er seine große Leidenschaft für diesen Beruf. Mit Fleiß, Hingabe und viel Herz arbeitete er sich innerhalb weniger Jahre Schritt für Schritt nach oben, vom Tellerwäscher über den Koch bis hin zum Kellner.
Nach mehreren erfolgreichen Jahren voller Erfahrung reifte schließlich der Entschluss, den Traum von der Selbstständigkeit zu verwirklichen und ein eigenes Restaurant zu eröffnen. 1984 wurde dieser Traum Wirklichkeit: In Fürth entstand das Ristorante La Palma als echtes Familienunternehmen. An Giannis Seite standen sein ältester Sohn sowie dessen sechs Geschwister, die ihm von Italien nach Deutschland gefolgt waren. Von Beginn an war auch seine Frau Maria Minneci mit ganzer Leidenschaft dabei und sorgt bis heute mit großer Sorgfalt für die Frische und Qualität der zubereiteten Speisen.
Vorspeisen mit leiser Opulenz Der Abend beginnt oft mit einem Teller, der mehr erzählt als jede Speisekarte: dünn aufgeschnittenes Vitello Tonnato, das so zart ist, dass es unter der Gabel fast nachgibt, und eine Thunfischcreme, die nach Meer schmeckt, ohne jemals aufdringlich zu sein. Daneben ein Teller mit gratinierten Jakobsmuscheln, die in einer Sauce aus Steinpilzen baden – ein kleiner Moment von Luxus, der sich anfühlt, als würde man kurz den Alltag abstreifen. Ich wählte dieses Mal Scampetti all’aglio.
Pasta als Herzenssache Wenn im La Palma Pasta serviert wird, wirkt es, als sei jedes Gericht ein Versprechen: Tagliatelle mit Kalbsragout, deren Duft nach langsam geschmortem Fleisch und tomatiger Wärme schon auf halbem Weg zum Tisch berührt. Paccheri, die sich mit einer leuchtenden San-Marzano-Tomatensauce, Mozzarella und Basilikum verbinden – jede Gabel ein kleines, sanftes Feuerwerk aus Süße, Säure und Kräuterfrische. Und dann die Tagliolini mit schwarzem Trüffel, ein leiser, erdiger Luxus, der lange im Gedächtnis bleibt.
Die Nähe zum Meer Die Küche des La Palma trägt immer ein Stück Meer in sich: Spaghetti allo Scoglio mit Meeresfrüchten, bei denen Muscheln, Garnelen und Calamari nicht spektakulär, sondern selbstverständlich wirken – wie ein vertrauter Gruß aus der Ferne.
Fischgerichte wie Kabeljaufilet auf Fenchel in Safransauce oder Seeteufel in Tomatenkräutersauce bringen diese mediterrane Ruhe an den Tisch; man schmeckt die Balance aus Klarheit und Fülle in jedem Bissen. Ich wählte dieses Mal aber die Barbarie-Entenbrust auf Balsamico-Essig-Sauce, Bohnen und Rosmarin Kartoffeln.
Süßer Ausklang Am Ende eines Abends im La Palma steht oft ein Dessert, das mehr ist als nur ein letzter Gang: eine samtige Panna Cotta mit Erdbeeren, die auf der Zunge fast verschwindet, oder ein Semifreddo al Pistacchio, das mit seiner nussigen Kühle wie ein leiser Abschiedsgruß aus Italien wirkt. Dazu ein Espresso, dunkel, dicht, mit einer feinen Bitterkeit – und plötzlich versteht man, warum so viele Gäste dieses Restaurant nicht einfach besuchen, sondern immer wieder dorthin zurückkehren.
Da ich nicht unbedingt der Freund der süßen Nachspeise bin, wählte ich Formaggio Misto (Käseteller) mit Gorgonzola, Provolone, Bel Paese und Parmigiano.
„Schöne Bescherung“ ist mehr als nur eine Weihnachtskomödie – der Film ist ein liebevoll-chaotischer Spiegel all dessen, was das Fest der Familie so wunderbar und zugleich so anstrengend macht. Wenn Clark Griswold mit unbeirrbarem Optimismus versucht, das perfekte Weihnachtsfest zu erschaffen, dann steckt darin ein Wunsch, den fast jeder kennt: einmal alles richtig machen, Harmonie erzwingen, Glück planbar machen. Und genau daran scheitert er auf die denkbar komischste, aber auch menschlichste Weise. Ich bespreche und zeige den Film am Sonntag, 21. Dezember um 10:45 in unserer Matinee im Scala Kino Fürstenfeldbruck. Karten gibt es hier. Wir haben extra einen großen Raum gebucht.
Der Film lebt von der schmerzhaft vertrauten Erkenntnis, dass Weihnachten selten so verläuft, wie wir es uns vorstellen. Lichterketten explodieren, Familienkonflikte brechen auf, Erwartungen kollidieren mit der Realität – und doch liegt in all dem Chaos eine große Wärme. Clark ist keine Karikatur, sondern ein Getriebener: jemand, der liebt, der sich aufreibt, der sich verzettelt, weil ihm Familie und Zusammenhalt alles bedeuten. Sein berühmter Wutausbruch ist weniger ein Gag als ein Befreiungsschlag, ein Moment, in dem all die aufgestaute Anspannung herausbricht, die viele nur zu gut kennen.
„Schöne Bescherung“ erzählt davon, dass Weihnachten nicht perfekt sein muss, um echt zu sein. Zwischen schrägen Verwandten, peinlichen Momenten und völliger Überforderung blitzen immer wieder Augenblicke auf, die berühren: das Leuchten im Blick, wenn das Haus endlich strahlt, das gemeinsame Lachen nach dem größten Desaster, das stille Gefühl, trotz allem zusammenzugehören. Der Film macht sich nicht über Familie lustig – er nimmt sie ernst, mit all ihren Macken, Verletzungen und liebenswerten Absurditäten.
Gerade deshalb ist „Schöne Bescherung“ so zeitlos. Er erlaubt uns, über unsere eigenen Weihnachtskatastrophen zu lachen und gleichzeitig Trost darin zu finden, dass wir damit nicht allein sind. Am Ende bleibt die Erkenntnis, dass Liebe oft im Durcheinander steckt, dass Nähe nicht aus Perfektion entsteht, sondern aus gemeinsamen Fehltritten. Und wenn draußen Schnee fällt, drinnen das Chaos regiert und trotzdem alle am Tisch sitzen, dann fühlt sich das plötzlich genau richtig an. Karten gibt es hier.
Sergio Corbuccis „Django“ von 1966 zählt zu den Filmen, die den Italo-Western nicht nur geprägt, sondern radikal erneuert haben. Mit Franco Nero in der Titelrolle entstand eine Figur von ikonischer Wucht: ein schweigsamer Antiheld, getrieben von Rache, gefangen zwischen Einsamkeit und moralischer Unschärfe – ein Mann, der mehr Abgrund als Hoffnung in sich trägt. Der nächste Film in meiner Western-Matinee am 28. Dezember 2025 im Scala-Kino Fürstenfeldbruck. Ich bespreche und zeige den Clint Eastwood-Western Erbarmungslos. Karten gibt es hier.
Schon die berühmte Anfangssequenz, in der Django einen Sarg durch den Schlamm einer trostlosen Grenzstadt zieht, entfaltet eine verstörende Symbolkraft. Sie steht für den Zerfall des amerikanischen Mythos, für eine Welt, in der Leben und Tod, Schuld und Erlösung untrennbar ineinander übergehen. Hier die Aufzeichnung meines Vortrags.
Corbucci entwirft ein Amerika, das mit den heroischen Bildern des klassischen Westerns nichts mehr gemein hat. Statt weiter Landschaften und klarer Ehrenkodizes herrschen Morast, Gewalt und Hoffnungslosigkeit. Die Stadt, in der Django ankommt, wird zum Sinnbild einer zerfallenen Ordnung. Zwei rivalisierende Gruppierungen bestimmen das Geschehen: auf der einen Seite brutale, rassistische Südstaatenmilizionäre, auf der anderen mexikanische Revolutionäre. Zwischen diesen Fronten bewegt sich Django als zynischer Einzelgänger, der weder Partei ergreift noch moralische Gewissheiten kennt – einzig sein persönlicher Rachefeldzug treibt ihn voran.
Die Darstellung von Gewalt war zur Entstehungszeit des Films revolutionär. „Django“ zeigt sie roh, überhöht und zugleich von eigentümlicher Ästhetik. Corbucci inszeniert das Töten als groteskes Ritual einer Welt, in der moralische Maßstäbe längst aufgehoben sind. Besonders eindringlich ist die Szene, in der Djangos Hände zertrümmert werden: ein Akt der Entmachtung, der den vermeintlichen Helden bricht und ihn zugleich zutiefst menschlich erscheinen lässt. Django ist kein unverwundbarer Revolvermann, sondern ein Verwundeter, der seinen letzten Kampf aus nackter Verzweiflung führt.
Über seine stilistische Radikalität hinaus ist der Film auch politisch lesbar. Geprägt von den gesellschaftlichen Spannungen der 1960er-Jahre nutzt Corbucci den Western als Allegorie auf Macht, Unterdrückung und Gewaltstrukturen. Die Südstaatenmilizionäre mit ihren roten Kapuzen erinnern unübersehbar an den Ku-Klux-Klan; ihre Brutalität ist ideologisch aufgeladen und zutiefst rassistisch. Djangos Widerstand wird so zum Kampf des Individuums gegen ein System – ein zentrales Motiv des politisch geprägten Italo-Westerns.
Untrennbar mit der Wirkung des Films verbunden ist die Musik von Luis Bacalov. Das Titellied „Django“, gesungen von Rocky Roberts, verleiht dem Film eine melancholische, beinahe sakrale Grundstimmung und bildet einen eindrucksvollen Kontrast zur schmutzigen, gnadenlosen Bildwelt.
Franco Nero prägt die Figur mit einer Mischung aus kühler Eleganz und stiller Verlorenheit. Sein Blick, seine sparsamen Gesten und die kontrollierte Körperhaltung machen Django zum Prototyp des einsamen Rächers – ein Archetyp, der spätere Westernfiguren ebenso beeinflusste wie Quentin Tarantinos moderne Neuinterpretation.
In der Rückschau steht „Django“ heute gleichberechtigt neben den Klassikern Sergio Leones – allerdings dunkler, kompromissloser und politischer. Corbuccis Film ist weniger Abenteuergeschichte als Abgesang auf die Mythen des Westens. Schlamm, Wind und Blut werden zur ästhetischen Sprache eines Genres, das Schönheit im Verfall sucht.
Verpassen Sie diesen Meilenstein des Italo-Westerns nicht. „Django“ ist ein visuell kraftvoller, moralisch vielschichtiger und bis heute verstörend aktueller Film. Trotz seines geringen Budgets entfaltet er eine enorme Wirkung und bleibt ein düsteres Gedicht über Rache, Schuld und Einsamkeit.
Der nächste Film in meiner Western-Matinee am 28. Dezember 2025 im Scala-Kino Fürstenfeldbruck. Ich bespreche und zeige den Clint Eastwood-Western Erbarmungslos. Karten gibt es hier.
Das Corgi Modell CC03803 ist ein detailreiches Diecast-Sammlerstück, das den Aston Martin DBS aus dem James-Bond-Film „Casino Royale“ in verkleinertem Maßstab einfängt. Es richtet sich klar an erwachsene Sammlerinnen und Sammler, die sowohl eine Affinität zu Automodellen als auch zur 007-Filmreihe haben.
Vorbild und Filmbezug Als Vorbild dient der Aston Martin DBS, den James Bond (Daniel Craig) im 2006 erschienenen „Casino Royale“ während seines Einsatzes in Montenegro fährt. Damit knüpft das Modell an die lange Tradition der Verbindung zwischen 007 und den Sportwagen aus dem Hause Aston Martin an, die seit Jahrzehnten zu den ikonischsten Filmfahrzeugen überhaupt gehören.
Ausführung und Maßstab Das Modell wird in einem Maßstab von 1:36 gefertigt und misst ohne Verpackung rund 12,9 Zentimeter in der Länge, womit es gut in Vitrinen oder auf dem Schreibtisch zur Geltung kommt. Die Karosserie besteht aus druckgegossenem Metall mit einzelnen Kunststoffteilen, die feinere Strukturelemente und Details ermöglichen.
Optik und Details Der Aston Martin DBS ist in einem dezenten Grauton gehalten, der dem Auftritt im Film nachempfunden ist und die eleganten Linien des Sportwagens betont. Fein ausgearbeitete Oberflächendetails, bedruckte Markierungen und realistisch gestaltete Räder mit gummierten Reifen unterstreichen den Anspruch als Sammlermodell.
Sammlerfokus und Zielgruppe Da es sich um ein lackiertes, hochwertiges Diecast-Modell handelt, wird ausdrücklich darauf hingewiesen, dass es nicht als Spielzeug für Kinder geeignet ist, sondern als Sammlerobjekt ab etwa 14 Jahren gedacht ist. Für Fans von James Bond, Aston Martin oder Filmfahrzeugen im Allgemeinen bietet das CC03803 eine kompakte Möglichkeit, ein Stück „Casino Royale“-Atmosphäre in die eigene Sammlung zu holen.
In der neuen Folge des Podcasts Dombo bewegt spreche ich mit Norman Dombo, dem Inhaber des Zentrums für Gesundheit Dombo in Maisach, über ein Thema, das vor allem zum Jahreswechsel an Bedeutung gewinnt: Verträge im Fitness- und Gesundheitsbereich. Während viele Menschen im Winter mangels Outdoor-Aktivitäten neue Sportmöglichkeiten suchen und ab Januar mit guten Vorsätzen in Fitnessstudios strömen, setzt Norman Dombo auf ein ungewöhnlich faires Vertragsmodell, das sich klar von der Branche abhebt.
Bereits vor Vertragsabschluss legt das Zentrum großen Wert auf Transparenz und Kundenerfahrung: Interessenten können das Studio ganze 14 Tage lang kostenfrei testen – inklusive Einweisung und Betreuung. Dieser Aufwand sei bewusst gewählt, erklärt Dombo, denn nur wer das Training wirklich kennengelernt habe, könne fundiert entscheiden, ob das Angebot zu ihm passe. Die meisten Besucher bleiben – nur wenige nutzen die Testphase und verabschieden sich wieder.
Vertragslaufzeiten gibt es ausschließlich als Jahresverträge, bedingt durch laufende Kosten wie Personal, Miete und Infrastruktur. Allerdings unterscheidet sich das Zentrum deutlich von klassischen Fitnessketten: Die Erstlaufzeit beträgt 12 oder 24 Monate, danach verlängern sich die Verträge nicht mehr automatisch um ein ganzes Jahr, sondern jeweils nur um einen Monat und können ebenso monatlich gekündigt werden. Ein Modell, das seit der gesetzlichen Neuregelung nach Corona dem Zeitgeist entspricht – bei Dombo jedoch bereits zuvor gelebte Praxis war.
Besonders stolz ist Norman Dombo auf den fairen und menschlichen Umgang mit seinen Mitgliedern. Wer aus gesundheitlichen Gründen pausieren muss, bekommt keine starren Regeln präsentiert, sondern individuelle Lösungen angeboten – bis hin zur Vertragsunterbrechung. Auch bei Umzügen zeigt sich das Maisacher Unternehmen entgegenkommend: Wer wegzieht und die Leistungen nicht mehr nutzen kann, wird nicht weiter vertraglich gebunden.
Dass dieses Konzept wirkt, zeigt die außergewöhnlich hohe Treue der Mitglieder – nicht nur vertraglich, sondern auch in der tatsächlichen Nutzung. Viele trainieren seit Jahren regelmäßig im Zentrum, was in der Fitnessbranche ungewöhnlich ist. Mundpropaganda und ein lang aufgebauter Vertrauensvorschuss tragen wesentlich zum Erfolg bei.
Zum Schluss betont Dombo sein Credo: „Für alles gibt es eine Lösung – man muss nur darüber reden.“ Ein Ansatz, der im Zentrum für Gesundheit Dombo nicht nur behauptet, sondern konsequent gelebt wird.
Der Gasthof Heinzinger in Rottbach ist nicht nur bekannt für seine außergewöhnliche Küche, sondern auch für seine professionellen Kochkurse zu den verschiedensten kulinarischen Themen wie Fisch, Mehlspeisen oder auch Wild. Unlängst konnte ich bei einem Kurs zum Thema Reh dabei sein.
Maximilian Sedlmair von Sedlmair Wildgenuss und Denis Michael Kleinknecht leiten diesen außergewöhnlichen, zweiteiligen Kochkurs Masterclass Wild. Die beiden zeigen vom „aus der Decke schlagen“ über das Zerlegen hin zu neuen Cuts, Techniken und modernen Rezepten was man alles aus Reh und Co zaubern kann.
Während sich Gastronom Denis Kleinknecht auf das Zubereiten in der Küche konzentrierte, lernten die fünf Kursteilnehmer in Hofhegnenberg bei Maximilian Sedlmair von Sedlmair Wildgenuss das Zerlegen des Rehs. Das regionale Wildfleisch stammt ausschließlich aus freier Wildbahn aus den Landkreisen Fürstenfeldbruck, Landsberg a.L. und Augsburg.
Maximilian Sedlmair bezieht das Wild von ihm bekannten Jägern, bei denen er sicher sein kann, dass das Wild waidgerecht erlegt und unter besten hygienischen Voraussetzungen nach Hofhegnenberg in die Wildkammer gelangt. Der Amtsveterinär überzeugt sich anschließend selbst von der Qualität.
Das Zerlegen eines Rehs folgt einer klaren anatomischen Struktur und dient dazu, das Wildbret in hochwertige Teilstücke zu gliedern. Voraussetzung ist ein sauber ausgeweidetes Tier, das ausreichend abgekühlt wurde. Das Reh wird zunächst auf eine stabile Unterlage gelegt, idealerweise auf einem dafür vorgesehenen Zerlegebrett. Benötigt werden ein scharfes Messer, ein Knochensägeblatt sowie Handschuhe für hygienisches Arbeiten.
Die wichtigsten Teilstücke sind Keule, Rücken, Schulter, Brust, Hals und Blatt. Die Keulen am hinteren Teil des Tieres zählen zu den wertvollsten Fleischstücken; sie lassen sich in Oberschale, Unterschale, Nuss, Bürgermeisterstück, Knie und Hüfte unterteilen. Der Rücken, auch als Sattel bezeichnet, liefert zartes Fleisch für Steaks oder Medaillons. Die Schultern enthalten stärker beanspruchte Muskeln und eignen sich ideal für Schmorgerichte. Brust und Hals sind kräftiger im Geschmack und werden häufig für Ragouts, Gulasch oder Suppen verwendet.
Beim Zerlegen folgt man stets den natürlichen Muskelsträngen und Sehnenlinien. Die Schnitte erfolgen entlang dieser Strukturen, damit möglichst wenig Fleisch beschädigt wird. Überflüssiges Fett, Sehnen und Häutchen werden sorgfältig entfernt, da sie den Geschmack beeinflussen können. Nach dem Zerteilen werden die Stücke beschriftet, vakuumiert oder kühl gelagert.
Das sachgemäße Zerlegen eines Rehs erfordert etwas Übung, ist mit anatomischem Grundwissen jedoch gut zu bewältigen. Das Ergebnis ist eine Vielzahl hochwertiger Teilstücke, die sich für unterschiedliche Zubereitungsarten eignen und die Wertschätzung für das Wildtier deutlich widerspiegeln.
In Rottbach wurden dann die Rehstücke unter Anleitung von Denis Kleinknecht zubereitet – und natürlich gemeinsam verzehrt. Weitere Kurse gibt es online.
Seit dem 12. Dezember 2025 steht die Live-Übersetzung mit Apple AirPods nun auch Nutzerinnen und Nutzern in Europa offiziell zur Verfügung. Ich hab das Update gleich geladen und ausprobiert. Der Hammer!
Die Funktion, die zuvor in den USA getestet wurde, kombiniert fortschrittliche On-Device-Spracherkennung mit KI-gestützter Übersetzung in Echtzeit. Technisch basiert das System auf der Neural Engine der Apple H2- und H3-Chips, die Sprachsignale lokal verarbeiten und so Verzögerungen minimieren. Eine stabile Internetverbindung wird nur noch zur Synchronisierung komplexer Sprachmodelle benötigt, wodurch der Datenschutz auf hohem Niveau bleibt.
Apple analysiert das System Sprache in mehreren Verarbeitungsschritten: 1. Spracherkennung (ASR) – Umwandlung des Audiosignals in Text mittels neuronaler Netze. 2. Maschinelle Übersetzung (NMT) – Übersetzung des erkannten Textes über ein kontextsensitives Transformer-Modell. 3. Sprachausgabe (TTS) – Synthese der übersetzten Sprache in Echtzeit, abgestimmt auf die Stimmeinstellungen des Nutzers. Apple setzt dabei auf On-Device Processing, um Latenzzeiten zu minimieren und Datenschutzstandards einzuhalten.
Im praktischen Einsatz aktivieren Nutzer die Übersetzung über Siri oder direkt in der Systemsteuerung der AirPods. Nach Auswahl der gewünschten Sprachen werden gesprochene Sätze in Echtzeit erkannt, übersetzt und über die Kopfhörer ausgegeben. In Kombination mit iPhone oder Vision Pro ermöglicht das System auch eine visuelle Transkription, die auf dem Display oder im Sichtfeld eingeblendet wird. Besonders bemerkenswert ist die niedrige Latenzzeit: Apple spricht von weniger als 300 Millisekunden zwischen gesprochener Eingabe und der übersetzten Wiedergabe, was eine natürliche Gesprächsdynamik erlaubt.
Die Übersetzung wird in über 40 Sprachen und Dialekten unterstützt, darunter Deutsch, Französisch, Italienisch, Spanisch, Japanisch und Mandarin. Neu ist die adaptive Umgebungserkennung: Durch die Analyse von Hintergrundgeräuschen und Gesprächssituationen optimieren die AirPods Lautstärke, Betonung und Sprachebene der Übersetzung automatisch. Das macht die Funktion auch in lauten Umgebungen wie Bahnhöfen oder Konferenzsälen zuverlässig einsetzbar.
Mit dieser europäischen Einführung setzt Apple einen weiteren Schritt in Richtung kontextbewusster, KI-gestützter Kommunikation. Die Kombination aus mobiler Rechenleistung, Spracherkennung und maschinellem Lernen in Echtzeit hebt die AirPods damit über ihre ursprüngliche Audio-Funktion hinaus – hin zu intelligenten Schnittstellen zwischen Menschen unterschiedlicher Sprachen. Und als Tourist kann ich verstehen, was der französische Kellner mir an den Kopf wirft, wenn mein Schulfranzösisch versagt.
Ob Terminbestätigung für den nächsten Arztbesuch, die ersehnte Versandinfo vom Lieblingsshop oder der Login-Code für eine App, ohne den nichts mehr geht – E-Mails begleiten uns längst durch nahezu jeden Moment des Alltags. Was einst als nüchternes Kommunikationsmittel begann, ist heute ein stiller, aber unverzichtbarer Begleiter im privaten Leben geworden. Für die allermeisten Menschen gehören E-Mails nicht mehr nur zum Berufsalltag, sondern sind ein selbstverständlicher Teil der persönlichen Organisation, der kleinen Freuden und manchmal auch der großen Entscheidungen. Für mich ist das Mail-Postfach das Herz meiner Kommunikation, wo viele Kanäle zusammenlaufen.
Und ihre Bedeutung wächst weiter. Im Durchschnitt landen heute bereits 13 private Nachrichten pro Tag im Mailpostfach von Internetnutzern. Noch vor zwei Jahren waren es im Schnitt zehn – ein deutlicher Anstieg, der zeigt, wie sehr sich unser Alltag weiter in die digitale Welt verlagert. Diese Zahlen stammen aus einer repräsentativen Befragung von 1.002 Personen ab 16 Jahren in Deutschland, durchgeführt im Auftrag des Digitalverbands Bitkom. Unter ihnen befanden sich 928 aktive Internetnutzer, deren Antworten ein klares Bild zeichnen: Die private E-Mail ist aus dem Leben der Menschen kaum mehr wegzudenken.
Ich begann selbst vor Jahren mit einer Compuserve-Adresse, dann kam ein AOL-Postfach dazu. Heute sind es viele Accounts, die über Apple-Mail bei mir auf Rechner, Smartphone, Tablet und Co zusammenlaufen – und täglich administriert werden (müssen). Bin ich mal eine Woche offline, dann laufen die Postfächer voll und ich brauche mindestens einen Tag, um meine Mails zu ordnen und zu sortieren – und auch um zu antworten. So habe ich für mich eine tägliche Mailroutine erarbeitet, an die mich einigermaßen halte.
Dabei ist die Menge der täglichen Nachrichten durchaus unterschiedlich verteilt. Rund jede und jeder Fünfte erhält lediglich ein bis vier private E-Mails am Tag, bei 19 Prozent sind es fünf bis neun. Der größte Anteil, nämlich 28 Prozent, bekommt täglich zehn bis 19 Nachrichten, und bei mehr als einem Viertel – stolze 26 Prozent – füllen sogar 20 oder mehr E-Mails pro Tag das private Postfach. Jede dieser Nachrichten erzählt eine kleine Geschichte: von Bestellungen, Verabredungen, Verträgen oder Erinnerungen, die unser Leben strukturieren. Viel Zeit nimmt bei mir die Ablage in Anspruch: Wird sie in ein Unterpostfach verschoben oder kann ich sie löschen oder muss ich sofort darauf reagieren?
„Obwohl sich die digitale Kommunikation ständig weiterentwickelt, bleibt die E-Mail für viele ein zentraler Bestandteil ihres Alltags“, betont Dr. Sebastian Klöß, Leiter Märkte & Technologien beim Bitkom. Ihre Stärke liege in ihrer Einfachheit und Verlässlichkeit – und darin, dass sie unabhängig von einzelnen Plattformen oder Messengerdiensten funktioniert. Gerade weil die private E-Mail-Adresse häufig auch als Login- oder Identifikationsmerkmal für zahlreiche andere Dienste dient und sensible Informationen wie Vertragsunterlagen oder persönliche Daten enthält, sei es umso wichtiger, das eigene Postfach gut zu schützen. Ein sicheres Passwort ist damit längst mehr als eine technische Kleinigkeit – es ist ein Schlüssel zur digitalen Identität.
Bemerkenswert ist zudem, dass die E-Mail quer durch alle Altersgruppen eine ähnliche Rolle spielt. Junge Menschen zwischen 16 und 29 Jahren erhalten im Durchschnitt 14 private E-Mails täglich. Bei den 30- bis 49-Jährigen sind es 13, bei den 50- bis 64-Jährigen rund 12 Nachrichten pro Tag. Und selbst bei den 65-Jährigen und Älteren liegt der Wert wieder bei 13 E-Mails täglich. Die E-Mail verbindet Generationen – leise, zuverlässig und oft unterschätzt.
Fast schon eine Randnotiz wirkt vor diesem Hintergrund die Tatsache, dass lediglich ein Prozent aller Internetnutzernutzer in Deutschland nach eigenen Angaben über keine private E-Mail-Adresse verfügt. Für alle anderen ist sie längst zu einem festen Bestandteil des Alltags geworden – ein digitaler Briefkasten, der jeden Tag ein Stück Leben widerspiegelt.
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