Wir sind wieder mit unserer blauen Knutschkugel auf Reisen gegangen. Ziel war Türkheim in Bayern – zum zweiten schwäbischen Microlino-Stammtisch. 65 Kilometer bei bestem Reisewetter nahmen wir mit unserem Elektrogefährt auf uns, um mit gleichgesinnten Microlino-Pilotinnen und -Piloten einen angenehmen Nachmittag in der Schlossgaststätte zu verbringen. Microlino-Fahren heißt nicht: schnell ankommen. Microlino-Fahren heißt: gesehen werden, winken, positive Emotionen empfangen.
Der Microlino weckt eine Vielzahl an Gefühlen, die ihn weit mehr als nur ein Fortbewegungsmittel erscheinen lassen. Sein retro-inspiriertes Design erinnert an die legendäre BMW Isetta und ruft dadurch Sympathie und Nostalgie hervor – viele Menschen empfinden ihn als charmant, beinahe verspielt oder gar „süß“. Hier unser Tag als Film.
Gleichzeitig vermittelt der Microlino ein starkes Gefühl von Freiheit und Unabhängigkeit: In der Stadt lässt sich mit ihm nahezu jeder Parkplatz erobern, er gleitet leise durch den Verkehr und schenkt seinem Fahrer das gute Gefühl, flexibel und souverän unterwegs zu sein. Dabei steht er auch für ein umweltbewusstes Lebensgefühl – als elektrisch betriebenes Leichtfahrzeug verkörpert er moderne Mobilität und Verantwortungsbewusstsein ohne Verzicht. Wer mit dem Microlino unterwegs ist, spürt eine gewisse Leichtigkeit und Lebensfreude. Die Fahrt wirkt oft wie ein kleines Abenteuer, begleitet von neugierigen Blicken und freundlichen Reaktionen anderer Verkehrsteilnehmer. Nicht zuletzt ist der Microlino Ausdruck von Individualität: Er fällt auf, hebt sich vom automobilen Mainstream ab und macht ein klares Statement – nämlich, dass Nachhaltigkeit, Stil und Persönlichkeit auch im Kleinformat Platz finden.
Schon im vergangenen Jahr gab es einen großartigen Stammtisch in Schwabmünchen. Jetzt sollte es tiefer nach Bayerisch-Schwaben gehen. Die Voraussetzungen: Die Batterie ist voll geladen, die Fahrtzeit beträgt etwas über eine Stunde, Autobahnen sind unbedingt zu vermeiden. Als App verwenden wir ABRP in der Free-Version. Fenster und Schiebedach auf, Hut auf – und los geht’s. Und wir haben einen Geschwindigkeitsrekord von 92 km/h aufgestellt.
Auf der Fahrt machten wir einen Zwischenstopp an der Autobahnkirche Windach Maria am Wege. Die Gespräche mit anderen Autofahrern und ihren PS-Boliden waren interessant. Unser Microlino wird von den Verbrennerfahrern nicht als Konkurrenz betrachtet – vielleicht werden wir ein wenig belächelt, aber die Sympathien sind auf unserer Seite.
In Türkheim angekommen, biegen wir durch den Torbogen ein – und da stehen sie schon: die anderen Stammtisch-Brüder und -Schwestern mit ihren Fahrzeugen, schön aufgereiht. Zwei rote, zwei mintfarbene und – mit uns – zwei blaue E-Autos waren erschienen. Eine wahre Augenweide!
Die Microlinos waren Blickfang, Fotomotiv und sofortiger Gesprächsanlass mit Passanten. Eine Dame erzählte uns von ihrem grünen VW-Käfer aus dem Jahr 1977, andere von der Isetta ihrer Jugend. Positive Vibrationen – mit wem wir auch sprachen. Zwei unserer Fahrer hatten zum Spaß einen riesigen Aufziehschlüssel auf das Dach gestellt – natürlich nur zur Show, aber ein großartiger Aufhänger, um das Eis mit Passanten zu brechen.
Nach 65 Kilometern Reiseweg mussten wir erst einmal Strom tanken – sonst wären wir nicht mehr heimgekommen. Kurzerhand schlossen wir uns an eine Ladesäule an, bevor der eigentliche Stammtisch und Meinungsaustausch begann.
Skurriles Gesprächsthema: Wie kann man in einem Microlino übernachten? Ein Paar hatte es ausprobiert und berichtete von unbequemen Erfahrungen auf der Fahrt zum Stammtisch nach Bamberg. Meine Gattin hatte die Idee, eine angepasste Luftmatratze für den Fahrerraum zu entwerfen – vielleicht sorgt sie so künftig für mehr Bequemlichkeit. Microlino-Fahrer sind eben erfinderisch.
Um das Zusammengehörigkeitsgefühl zu stärken, gab es eigens angefertigte Poloshirts mit dem Aufdruck „Microlino Team Schwaben“ – und Kekse in Microlino-Form. Wir sind eben Spinner – im positiven Sinne!
Einhellig war man der Meinung, dass die neue App für das Fahrzeug per Software-Update allen Microlinos zur Verfügung gestellt werden sollte. Natürlich wurde auch über das neue Cabrio-Modell diskutiert, über die Leistung der neuen Batterie und den möglichen Einsatz von CarPlay im Cockpit. Die Idee kam auf, mit den Microlinos an einem Isetta-Treffen teilzunehmen. Das nächste findet im August in Fürstenfeldbruck statt – wir strecken schon mal die Fühler aus.
Meine Frau erklärte, dass sie 2026 gerne einen Stammtisch bei uns im Landkreis veranstalten würde – im Rahmen von „Kunst im Stadl“ in Anzhofen. Dort sind wir seit Jahren mit der Aktion PiT Togohilfe vertreten, und unsere Microlinos würden wunderbar in dieses kreative Umfeld passen. Sie will es für 2026 einmal probieren – dann würde sich der Schwaben-Stammtisch nach Oberbayern ausdehnen. Auch kein Problem.
Nach einer Stärkung und den ersten Diskussionen fuhren wir mit unseren Autos in Kolonne durch Türkheim. Unsere sechs Fahrzeuge machten Eindruck, fielen auf und wurden bestaunt. Bei der örtlichen Eisdiele gab es eine Abkühlung, während unsere Fahrzeuge – in Reih und Glied geparkt – erneut für Aufmerksamkeit und Gespräche sorgten.
Zurück im Schlossgarten wurde nochmals Strom für die Heimreise getankt. Und zur Überraschung präsentierte meine Frau noch einen Microlino-Song, der mit KI generiert wurde. Nur ein Spaß – noch nicht perfekt –, aber ein wunderbarer Abschluss für einen rundum gelungenen Tag. Bis zum nächsten Stammtisch!
Eindrucksvoll, sehr eindrucksvoll ist das Gebäude der Universität Glasgow. Touristen sagten mir, es erinnere sie an Harry Potter. Auf jeden Fall ist die Uni einen Besuch wert. Der Campus lädt zum Spazieren ein und natürlich schaute ich auch zur Memorial Chapel rein, bei der gerade eine Probe lief und ich einfach mitgegangen bin.
Die Memorial Chapel der Universität Glasgow ist ein eindrucksvolles, neogotisches Bauwerk im Herzen des historischen Campus auf dem Gilmorehill. Sie wurde 1929 eingeweiht und erinnert an die Studierenden und Mitarbeiter der Universität, die im Ersten Weltkrieg ihr Leben verloren. Die Kapelle besticht durch ihre ruhige, erhabene Atmosphäre, hohe Gewölbe, kunstvolle Glasfenster und eine fein gearbeitete Innenarchitektur.
Sie wird sowohl für Gottesdienste und Gedenkveranstaltungen als auch für Konzerte und akademische Zeremonien genutzt und ist ein Ort des stillen Gedenkens und der spirituellen Sammlung innerhalb der lebendigen Universitätsgemeinschaft.
Der Campus Der Campus der Universität Glasgow liegt im Westen der Stadt auf dem Gilmorehill und zählt zu den schönsten Universitätsanlagen Großbritanniens. Geprägt wird er durch das imposante Hauptgebäude im neogotischen Stil mit seinen Türmen, Arkaden und Innenhöfen, das Ende des 19. Jahrhunderts erbaut wurde. Der Campus verbindet historische Architektur mit modernen Lehr- und Forschungseinrichtungen und bietet weitläufige Grünflächen, Museen, Cafés und Bibliotheken. Die Atmosphäre ist lebendig und international, geprägt von Studierenden aus aller Welt. Der Blick über den nahegelegenen Kelvingrove Park bis hin zur Skyline Glasgows macht den Campus zu einem inspirierenden Ort zum Lernen und Leben. Ich habe mich niedergelassen und mir über diesen Campus nachgedacht. Ich selbst habe an keiner Campus-Uni studiert, was ich heute bedauere.
Hunterian Museum in Glasgow Das Hunterian Museum in Glasgow ist das älteste öffentliche Museum Schottlands und gehört zur Universität Glasgow. Es wurde 1807 gegründet und geht auf die umfangreiche Sammlung des Arztes, Anatomen und Wissenschaftlers William Hunter (1718–1783) zurück, einem ehemaligen Studenten der Universität. Das Museum befindet sich heute im Hauptgebäude der Universität auf dem Campus Gilmorehill und präsentiert eine vielseitige Sammlung aus den Bereichen Medizin, Naturwissenschaften, Archäologie, Kunst und Geschichte.
Ein besonderer Schwerpunkt liegt auf der medizinischen Sammlung Hunters, die Präparate, wissenschaftliche Instrumente und anatomische Studien umfasst. Ergänzt wird dies durch bedeutende naturkundliche Exponate, darunter Fossilien, Mineralien und zoologische Präparate. Auch Objekte aus der römischen Archäologie, insbesondere Funde vom Antoninuswall, sind ausgestellt. Neben der Dauerausstellung zeigt das Hunterian Museum regelmäßig wechselnde Sonderausstellungen und bietet einen Einblick in die Forschungsarbeit der Universität.
Das Museum ist öffentlich zugänglich und kostenlos zu besichtigen. Es dient nicht nur als Schaumuseum, sondern auch als Lehr- und Forschungsstätte und ist Teil des größeren Verbunds der Hunterian Collections, zu dem auch die Hunterian Art Gallery, das Mackintosh House und das Zoology Museum gehören.
Es war einer dieser lauen Sommerabende, an denen das Schlossplatz-Flair in Stuttgart wie elektrisiert in der Luft lag. Die Jazzopen 2025 hatten schon viele magische Momente geboten – doch als Martin Kohlstedt die Bühne betrat, wurde es still und erwartungsvoll zugleich. Im ersten Moment kaum greifbar, wie ein zaghafter Hauch, tastete sich sein Spiel — irgendwo zwischen akustischer Poesie und elektronischer Vision — in die Herzen des Publikums.
Ich kenne und schätze Martin Kohlstedt seit Jahren und als ich hörte, dass er vor dem großen Jean-Michel Jarre in Stuttgart auftritt, dann war klar: Da muss ich hin.
Meines Wissens war in Stuttgart das größte Publikum versammelt, vor dem Kohlstedt je gespielt hat. Daher war der Musiker sicherlich nervös, was man seinem Spiel aber nicht anmerkte, wohl aber seinen Ansagen.
Kohlstedts Hände flogen förmlich über die Tasten, als suchten sie nach einer Sprache jenseits der Worte. Seine Klavierlinien verschlangen sich mit feinen elektronischen Texturen, mal zart wie Morgentau, dann wieder fordernd, fast eruptiv. Mit jedem einzelnen Takt schien die Musik zu pulsieren, zu atmen, sich neu zu formen — getragen von einer Intimität, die das Publikum mitten ins Geschehen holte. Die modulare Kompositionsweise des Künstlers sorgte dafür, dass Altvertrautes urplötzlich in neuen Farben leuchtete, dass die Grenzen zwischen Improvisation und festem Werk verschwammen.
Die meisten Menschen im Publikum waren sicherlich wegen Jean-Michel Jarre gekommen und kamen zum ersten Mal in Kontakt zu Martin Kohlsted. Für mich steht fest: Kohlstedt hat durch diesen Auftritt neue Fans gewonnen, die über die musikalische Begabung des Thüringers begeistert waren.
Der Abend war ein Fluss von Emotionen — an manchen Stellen schwebte sanfte Nachdenklichkeit durch die Luft, dann wieder blitzten Momente purer Euphorie auf. Kohlstedts Mut, musikalisch das Ungewisse zu suchen, zog sich wie ein roter Faden durch das Set. Jeder Ton, jede Pause, jeder elektronische Impuls schien eine Botschaft zu sein: Hier entsteht etwas Einzigartiges – gemeinsam, im Hier und Jetzt.
Das Publikum ließ sich mittragen, leise erste „Bravo“-Rufe gingen in tosenden Applaus über. Wer zuvor vielleicht noch skeptisch war, stand am Ende berührt und inspiriert da, dankbar für einen Musiker, der den Mut hat, Musik als lebendigen Dialog zu begreifen. Die Jazzopen 2025 erhielten in diesem Augenblick eine neue Facette: Martin Kohlstedts Klangwelten verdichteten sich zu einer Erfahrung, die weit mehr war als ein Konzert — sie war ein emotionales Eintauchen in den unvorhersehbaren Zauber des Moments.
Wie ich auf Nachfrage bestätigt bekam, gab es hinter der Bühne einen Handschlag vom französischen Meister schon während des Soundchecks. Ich denke, hier ist auch ein Herzenswunsch von Kohlstedt in Erfüllung gegangen. Ich freu mich auf die nächsten Konzerte mit diesem Künstler.
Großbritannien und seine Kriege – voller Erstaunen bin ich auf Edinburgh Castle durch das Kriegsmuseum gelaufen und habe mir Siege und Niederlagen der schottischen und britischen Truppen angeschaut. So ein War Museum wäre wohl in Deutschland eher selten, daher habe ich dort viel Zeit verbracht und vieles näher betrachtet – natürlich auch die Zeit des Zweiten Weltkriegs als Britannien den Angriffen von Nazi-Deutschland widerstand.
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Ein Rundgang durch das National War Museum im Edinburgh Castle beginnt meist nach dem Durchqueren der imposanten Burgmauern, mitten im Herzen der historischen Festung auf dem Castle Rock. Das National War Museum befindet sich im Hospital Square innerhalb der historischen Mauern des Edinburgh Castle und wurde 1933 in einem ehemaligen Arsenal- und Lazarettgebäude aus dem 18. Jahrhundert eröffnet Es ist in einem ehemaligen Ordnance-Storehouse aus dem 18. Jahrhundert untergebracht. Ich habe einen Rundgang durch das Museum mit meiner VR 360 Grad Kamera gemacht.
Die Ausstellung erstreckt sich über zwei Stockwerke in einem rechteckigen Bau und bietet einen detaillierten Überblick über rund 400 Jahre schottischer Militärgeschichte ─ von der Bewaffnung der Highlands über chemischen Kriegsschutz bis hin zu persönlichen Briefen aus den Kriegsgebieten.
Bereits im Eingangsbereich fällt die eindrucksvolle Architektur der Burg ins Auge, und man verspürt sofort die lange Tradition dieses Ortes. Zu Beginn des Rundgangs erhält man einen einführenden Überblick über die Bedeutung des Krieges für Schottlands Politik, Identität und internationale Beziehungen. In mehreren dauerhaften Ausstellungen werden die wichtigsten geschichtlichen Epochen aufgegriffen: Von den kriegerischen Auseinandersetzungen im 17. und 18. Jahrhundert, als das schottische Territorium noch stark zwischen Highlands und Lowlands unterteilt war, bis hin zu den Einsatzorten schottischer Truppen in weltweiten Konflikten der Neuzeit.
Die Ausstellungsräume verteilen sich auf zwei Stockwerke und sind thematisch gegliedert. Im ersten Saal A Nation in Arms wird die strategische Bedeutung Schottlands, geprägt von Küstenlinien und Seewegen, hervorgehoben. Hier sind Uniformen, Ausrüstungsgegenstände und Karten zu sehen, die anschaulich machen, wie sehr Gelände und geographische Lage das Militärwesen beeinflusst haben.
In der Galerie A Grand Life for a Scotsman begegnet der Besucher dem Alltag der Soldaten: Rekrutierung, Ausbildung, Fronteinsatz und das Leben nach dem Militärdienst werden anhand persönlicher Briefe, Souvenirs, Uniformen und Fotos dargestellt. Besonders bewegend ist die Sammlung privater Gegenstände.
Der nächste Abschnitt Tools of the Trade ist den Waffen, Rüstungen und dem militärischen Gerät gewidmet. Beginnend mit Broadswords der Highlands, über Musketen und frühe Gewehre bis hin zu modernen Ausstattungsstücken und sogar ABC-Schutzanzügen, offenbart sich die technische Entwicklung des Kampfes. Ergänzend dazu illustrieren medizinische Sets und Transportausrüstung die logistischen Herausforderungen während der Feldzüge.
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In der Galerie Highland Soldier wird die Geschichte der Highlander behandelt – vom einstigen Rebellen zum stolzen Vorbild im britischen Heer. Historische Uniformen, Malerei und traditionelle Bagpipe-Musikinstrumente zeigen anschaulich den Wandel und die kulturellen Eigenheiten dieser Soldaten.
Mich haben die ersten Fotoapparate natürlich interessiert, die eingesetzt wurden. Besonders hervorzuheben ist eine F24-Luftkamer—ein robustes Hochleistungsgerät mit fünf Zoll Objektiv und Handgriff, das von der Royal Air Force im Zweiten Weltkrieg bei Luftaufklärungseinsätzen verwendet wurde. Dieses Gerät illustriert eindrucksvoll, wie Präzisionsfotografie zur Aufnahme von Luftbildern diente – essenziell für strategische Planungen, z. B. zur Kartenerstellung und Zielerfassung.
Eindrucksvoll für mich waren Kriegsbilder aus der Niederlage bei Gallipoli. Die Schlacht bei Gallipoli (auch Dardanellen-Kampagne genannt) war eine militärische Offensive während des Ersten Weltkriegs, die von April 1915 bis Januar 1916 dauerte. Sie fand auf der Halbinsel Gallipoli im heutigen Türkei statt und war ein Versuch der Alliierten, das Osmanische Reich, einen Verbündeten der Mittelmächte, zu besiegen und eine Seeverbindung zu Russland über die Dardanellen zu öffnen. Die Alliierten verloren rund 250.000 Soldaten, darunter viele Tote, Verwundete und Vermisste. Die Kampagne gilt als eine der größten militärischen Fehlschläge der Alliierten im Ersten Weltkrieg.
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Ein besonderer Fokus liegt auch auf den persönlichen Geschichten von Menschen im Krieg: Aktive Dienstzeiten, Medaillen und Auszeichnungen, aber auch Zeugnisse von Frauen im Krieg sind zu entdecken. Die Ausstellung In Defence beschäftigt sich schließlich mit der Frage, wer in kriegerischen Zeiten Schottland selbst verteidigte – anhand von Erinnerungsstücken und Fotografien von Heimatschutzkräften und Zivilisten.
Im Gallery-Bereich Active Service stehen die Erlebnisse außergewöhnlicher Einzelpersonen aus dreihundert Jahren Krieg im Mittelpunkt. Allgegenwärtig ist das Motiv des Verlusts und der persönlichen Opferbereitschaft, sichtbar in Briefen, Tagebucheinträgen, Fotos und Orden. Kunst spielt ebenfalls eine zentrale Rolle. Herausragend ist Robert Gibbs berühmtes Gemälde „The Thin Red Line“, das den Moment einer entscheidenden Schlacht während des Krimkriegs einfängt. Ich habe das Bild als Kopie in einem Hotel in Stirling gesehen.
Weitere plakative Kriegsdarstellungen und Rekrutierungsplakate zeugen von der Rolle des Militärs in der schottischen Gesellschaft. Für mich auch interessant, ein Bild von der Schlacht von Waterloo um den berühmten Bauernhof.
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Die Ausstellung wird ergänzt durch eine Forschungsbibliothek, die Interessierten die Möglichkeit bietet, weitergehende Informationen einzusehen. Am Ende des Rundgangs verlässt man das Museum mit einem umfassenden Einblick in die wechselvolle schottische Militärgeschichte, geprägt von großen politischen Umwälzungen, individuellen Schicksalen und dem steten Wandel militärischer Technik und Taktik.
Die Atmosphäre im National War Museum bleibt zurückhaltend sachlich und respektvoll – getragen von dem Wunsch, das historische Erbe Schottlands nicht nur als Ereignisfolge, sondern auch als Sammlung persönlicher Geschichten und Entwicklungen erfahrbar zu machen.
Natürlich hat Schottland viel, ganz viel eigene Musik zu bieten, aber wie es der Zufall wollte, trafen wir gleich zweimal auf einen professionellen US-amerikanischen Chor, der in Schottland auf Konzertreise war.
Zunächst erlebte ich die erhabene Atmosphäre der Glasgow Cathedral mit den kraftvollen Stimmen des Masterworks Choir. Inmitten gotischer Architektur und jahrhundertealter Geschichte erfüllt klassische Chormusik den Raum – ein unvergesslicher Moment voller Klang, Spiritualität und Gänsehaut. Ein musikalisches Highlight im Herzen von Glasgow. Hier ist das ganz Konzert als Video.
The Masterworks Choir ist ein renommierter US-Konzertchor, den wir ein paar Tage später in der Kathedrale von Inverness trafen und uns nett unterhielten.
Leider war während des Konzerts die Besichtigung der Gotteshäuser nicht möglich. Die Glasgow Cathedral, auch bekannt als St. Mungo’s Cathedral, ist eines der bedeutendsten mittelalterlichen Bauwerke Schottlands und das älteste erhaltene Gebäude der Stadt Glasgow. Sie befindet sich im östlichen Stadtzentrum und wurde auf dem Grab des heiligen Mungo (auch Kentigern genannt) errichtet, des Stadtpatrons und christlichen Missionars, der im 6. Jahrhundert lebte. Die heutige Kathedrale stammt größtenteils aus dem 13. Jahrhundert und wurde in der für die Gotik typischen Kreuzform mit hohen Spitzbögen, Rippengewölben und farbigen Glasfenstern erbaut.
Die Kirche ist ein herausragendes Beispiel gotischer Architektur in Schottland und blieb – anders als viele andere mittelalterliche Kirchen – auch nach der Reformation weitgehend unversehrt. Besonders bemerkenswert ist die Krypta, die sich direkt unter dem Chor befindet und das Grab des heiligen Mungo beherbergt. Sie gilt als einer der ältesten Teile des Gebäudes und stammt aus dem 12. Jahrhundert.
Die Glasgow Cathedral diente lange Zeit als Sitz des Erzbischofs von Glasgow, bis die schottische Reformation 1560 die katholische Kirche entmachtete. Heute gehört sie zur Church of Scotland und wird weiterhin aktiv als Gemeindekirche genutzt. Die Kathedrale ist außerdem ein beliebtes Ziel für Touristen und ein geschütztes Denkmal. In unmittelbarer Nähe befindet sich die Necropolis, ein viktorianischer Friedhof, der oft in Verbindung mit einem Besuch der Kathedrale besichtigt wird.
Es gibt diese seltenen Momente, in denen Musik nicht nur erklingt, sondern den Raum verwandelt. Am 8. Juli 2025 wurde der Stuttgarter Schlossplatz zur digitalen Kathedrale, als Kraftwerk die Bühne der Jazzopen betraten. 7.200 Menschen, ausverkauftes Haus, und doch lag eine gespannte Ruhe in der Luft, als die ersten Vocoder-Klänge den Countdown zur „Mensch-Maschine“ einleiteten.
Der Himmel über dem Schlossplatz färbt sich langsam violett. Die Jazzopen 2025 haben geladen, und mit Kraftwerk steht eine Legende der elektronischen Musik auf dem Programm. Schon Stunden vor Beginn ist die Atmosphäre elektrisiert. Menschen aller Generationen strömen herbei, viele tragen T-Shirts mit den ikonischen Kraftwerk-Grafiken, einige sogar in Anzügen und Krawatten – Hommage an die Ästhetik der Band. Ich habe nach Essen und Wien nun die wichtigste deutsche Band zum dritten Mal gesehen, jedes Mal mit einem anderen Konzept, aber immer mit der für mich wegweisenden Musik. Es wird immer weiter gehen, Musik als Träger von Ideen.
Die Bühne als Zeitmaschine Als die Lichter erlöschen, ist es, als würde eine Zeitmaschine anspringen. Vier Silhouetten erscheinen hinter ihren Pulten, umgeben von geometrischen Formen, die über die Leinwand tanzen. Die ersten Takte von „Nummern“ erklingen, und sofort ist klar: Hier wird keine Nostalgie zelebriert, sondern eine musikalische Vision, die nie an Aktualität verloren hat. Die Beats sind präzise, die Sounds glasklar – und doch schwingt eine Wärme mit, die Kraftwerk immer von ihren Nachfolgern unterschieden hat. Der Sound in Stuttgart war wirklich für mich hervorragend. Mich drückte der Sound regelrecht in den Klappstuhl.
Wackelkontakt Ich will nicht päpstlicher sein als der Papst, aber dieses Mal hatte die Band ihre Anzugtechnik nicht im Griff. Da schaffen es die Techniker eine großartige Light- und Multimedia-Show auf die Bühne zu bekommen, aber die Lampen an den Anzügen der vier Akteure flackerten. Techniker kamen während des Konzerts auf die Bühne und legten wohl eine Duracell nach. Am Ende stand Mastermind Ralf Hütter mit halberleuchteten Anzug hinter seinem Pult. Ist es wirklich so schwer, Lampen in einen Bühnenanzug zu schrauben? Es gab wohl bei fast allen im Team Schwierigkeiten.
Der Puls der Stadt Der Schlossplatz vibriert. „Computerwelt“ und „Autobahn“ – Hymnen einer digitalisierten Gesellschaft – entfalten ihre hypnotische Wirkung. Die Menge wiegt sich im Takt, von den ersten Reihen bis zu den hinteren Stehplätzen. Die Projektionen, mal minimalistisch, mal verspielt, erzählen Geschichten von Datenströmen, urbaner Mobilität und dem ewigen Traum vom Fortschritt. Es ist, als würde der Puls der Stadt mit dem der Musik verschmelzen. Erinnerungen kommen hoch, als Alexander Gerst einmal von der ISS zugeschaltet wurde. Was war das für ein geschichtsträchtiger Moment! So etwas lässt sich nicht toppen. Ausfallende Lampen am Anzug sind vielleicht ein Zeichen, dass Ralf Hütter vielleicht mal was neues auflegen sollte.
Zwischen Euphorie und Melancholie Doch Kraftwerk können auch anders. Bei „Radioaktivität“ wird die Stimmung nachdenklicher. Die Projektionen zeigen atomare Warnzeichen und Mahnungen an die Verantwortung des Menschen. Die Musik wird düsterer, fast bedrohlich. Es ist ein Moment der Reflexion, der zeigt, wie politisch und relevant Kraftwerk immer noch sind. Für mich eines der stärksten Songs der Band.
Die Roboter tanzen – und wir mit ihnen Als die Zugabe „Die Roboter“ erklingt, wird die Bühne zur futuristischen Performance. Die Musiker bewegen sich kaum, und doch ist alles Bewegung: Die Visuals, die Musik, das Publikum. Für einen Moment scheint es, als wären wir alle Teil einer großen Choreografie – Mensch und Maschine, vereint im Rhythmus. Es ist ein Gänsehautmoment, in dem die Grenze zwischen Bühne und Zuschauerraum verschwindet.
Ein Fest für die Sinne Die Setlist ist ein Streifzug durch fünf Jahrzehnte Musikgeschichte: „Das Model“, „Spacelab“, „Tour de France“ „Trans Europa Express“ – jeder Song ein Meilenstein, jeder Beat ein Stück Zukunft. Die Visuals sind ein Fest für die Sinne: Mal leuchtende Zahlenkolonnen, mal rasende Autobahnen, dann wieder die ikonischen Roboterfiguren. Wer mittig steht, erlebt ein Gesamtkunstwerk aus Klang und Bild; an den Rändern bleibt manches Detail verborgen, doch die Energie ist überall spürbar. Die Mensch-Maschine funktioniert.
Das Publikum: Von jung bis alt, von Nerd bis Tänzer Was besonders berührt: Das Publikum ist so vielfältig wie selten bei einem Konzert. Ältere Fans, die Kraftwerk noch aus den 70ern kennen, tanzen neben jungen Menschen, die die Band erst durch Techno und Electro für sich entdeckt haben. Es ist ein generationenübergreifendes Erlebnis, das zeigt, wie zeitlos und verbindend Musik sein kann.
Finale mit Zukunftsvision Nach mehr als zwei Stunden endet das Konzert mit „Musique Non Stop“. Die Musiker verabschieden sich einzeln, jeder mit einer kleinen Verbeugung, während die Musik weiterläuft. Es ist ein symbolischer Akt: Die Maschine spielt weiter, auch wenn der Mensch die Bühne verlässt. Ein letzter Blick auf die leuchtenden Projektionen, dann verschwindet Kraftwerk im Dunkel der Nacht – und hinterlässt ein Publikum, das noch lange nach dem letzten Ton auf dem Schlossplatz verweilt. Als Zugabe gab es die Roboter. Ralf Hütter, Henning Schmitz, Falk Grieffenhagen und Georg Bonartz machten die gewohnte Verbeugung vor der Zugabe.
Ein Abend, der bleibt Kraftwerk bei den Jazzopen 2025 war weit mehr als ein Konzert. Es war eine Reise durch Raum und Zeit, ein Fest der Sinne, ein Nachdenken über Technik, Kunst und Menschlichkeit. Es war ein Abend, der zeigte, dass Musik nicht nur unterhalten, sondern bewegen, verbinden und inspirieren kann. Wer dabei war, wird diesen Moment nicht so schnell vergessen – denn für ein paar Stunden war die Zukunft in Stuttgart zu Gast. Jetzt bin ich gespannt auf München im Winter. Dort spielen die Herrschaften in der schlechtesten Halle der Stadt. Ich hoffe, dass ausgefallene Anzugslampen das kleinste Übel sein werden.
Schottland ist stolz auf seine Helden: William Wallace, Robert the Bruce, Rob Roy, Robert Burns und viele mehr. Hier eine kleine Geschichte von Burns aus meinem Hotel Golden Lion in Stirling, in dem ich geschlafen habe.
Im Pub des Hotels erfuhr ich von dieser schönen Geschichte. KI Das Golden Lion, bereits damals ein angesehenes Haus mit prominenten Gästen, bot Burns nicht nur Unterkunft, sondern wurde zu einem Ort von symbolischer Bedeutung.
Während seines Aufenthalts im Hotel verfasste Burns ein paar Zeilen, die er – der Überlieferung nach – in eine Fensterscheibe ritzte. Darin beklagt er den Verfall der einstigen schottischen Monarchie und spielt auf das heruntergekommene Stirling Castle an, das er vom Fenster seines Zimmers aus sehen konnte.
Die Verse, einfach und kraftvoll, waren ein kritischer Kommentar zur damaligen politischen Lage: “Here Stewarts once in triumph reigned, And laws for Scotland’s weal ordained; But now unroofed their palace stands, Their sceptre’s fallen to other hands.” Zu deutsch etwa: „Hier herrschten einst die Stewarts im Triumph, Und setzten Gesetze zum Wohle Schottlands fest; Doch nun steht ihr Palast ohne Dach, Ihr Zepter fiel in fremde Hand.“
Diese Zeilen stammen aus dem Gedicht The Royal Palace of Stirling, in dem Burns die Vergänglichkeit von Macht und Ruhm thematisiert – ein zentrales Motiv seiner Dichtung. Die Verse drücken seine politische Enttäuschung aus, aber auch seine tiefe emotionale Verbundenheit mit der schottischen Geschichte und Kultur. Obwohl diese spontane Tat später bedauert und das Fenster schließlich entfernt wurde, bleibt der Moment ein bedeutendes Zeugnis für Burns’ leidenschaftliches Verhältnis zu seinem Heimatland.
Der Aufenthalt im Golden Lion ist rückblickend mehr als eine Anekdote. Er verdeutlicht, wie sehr sich Robert Burns nicht nur als Dichter, sondern auch als politisch und historisch denkender Mensch verstand. Sein Wirken im Golden Lion Hotel ist bis heute ein fester Bestandteil der Burns-Rezeption und erinnert an die Verbindung von Literatur, Zeitgeschehen und persönlicher Haltung, die sein Werk bis heute prägt. Das Hotel selbst würdigt diesen Moment der Geschichte, und für viele Besucher ist es ein besonderer Ort, der die Präsenz eines großen schottischen Geistes spürbar macht. Und für das Hotel ist es heute ein geniales Marketinginstrument.
Dreimal habe ich Neil Young live erlebt – zuletzt vor wenigen Tagen, unter freiem Himmel auf der Berliner Waldbühne. Der 80-Jährige trat auf mit Chrome Hearts, einer jungen Band, die er forderte, antrieb, mitnahm. Die Ära Crazy Horse ist vorbei – aber das Feuer brennt weiter, nun in neuen Körpern, neuen Händen, unter den alten Akkorden.
Zuvor hatte ich ihn gesehen – nicht leibhaftig, sondern durch die Linse des Netzes – beim legendären Glastonbury-Festival. Ein alter Mann mit aufrechter Haltung, ein Gitarrengurt wie eine Schärpe, ein Blick, der nicht fragt, ob er darf. Diese Energie! Also Zugticket gebucht, ab nach Berlin, mein erstes Mal auf der Waldbühne – einem Ort, der wie geschaffen scheint für Legenden.
Die Setlist war ein Geschenk an die Getreuen, an jene, die ihn seit Jahrzehnten begleiten. Es war eine Reise durch Jahrzehnte, ein Streifzug durch Höhen und Nebel. Nicht jeder Song ein Geniestreich – doch stets kraftvoll, aufrichtig, mit Haltung gespielt. Als „Hey Hey, My My“ erklang, laut und roh, stimmten 22.000 Seelen ein in die Hymne: „Rock and roll can never die.“
Ich lauschte, als die Zeilen kamen: „It’s better to burn out than to fade away. The king is gone but he’s not forgotten.“ Und ich wurde still. Da steht er, 80 Jahre alt, vor der Wand aus Lautsprechern, trotzt der Zeit – und stellt sich ihr zugleich.
Die Band spielte mit einer Freude, die mitriss. Besonders in den langen, offenen Passagen, wo Musik fließt, tastet, sich verliert und neu findet. Young selbst: ganz bei sich, ganz bei seiner Old Black – dieser schwarzen, zerschrammten Gibson Les Paul von 1953. Ein Relikt, ein Werkzeug, ein Begleiter.
Und dann die Momente, die unter die Haut gingen: „Like a Hurricane“, aufbäumend, stürmisch – „Rockin’ in the Free World“, trotzig, wütend, frei.
Am Ende reißt Neil die Saiten aus dem Holz, spielt mit der Rückkopplung, als würde er mit der Welt sprechen. Keine Pose. Kein Trick. Einfach Neil. Hier das Video
Hat er etwas Neues gesagt? Nein. Keine Revolution wie einst bei der Trans-Tour. Aber das war nicht nötig. Es war Rock’n’Roll. Echt. Ehrlich. Unverstellt. Und was will man mehr?
Die St. Margaret’s Chapel auf dem Gelände von Edinburgh Castle ist nicht nur das älteste erhaltene Gebäude der schottischen Hauptstadt, sondern auch ein Ort voller symbolischer Kraft und historischer Tiefe. Trotz ihrer geringen Größe und schlichten Bauweise strahlt die Kapelle eine stille Würde aus, die bis heute Besucher aus aller Welt berührt. Ich habe mich eine halbe Stunde in den Raum gesetzt, die Touristen beobachtet und hing meinen Gedanken nach.
Eine Kapelle aus der Zeit der Königinnen Erbaut wurde die Kapelle zu Ehren der heiliggesprochenen Königin Margarete von Schottland, einer angelsächsischen Prinzessin und der Gemahlin von König Malcolm III. Nach ihrem Tod im Jahr 1093 ließ ihr Sohn David I. in den Jahren nach 1130 das kleine Gotteshaus errichten. Die Kapelle war damit ein privater königlicher Andachtsraum, vermutlich genutzt für stille Gebete, Taufen und Abschiede – ein Ort innerer Einkehr inmitten der damals mächtigen Burganlage.
Königin Margarete selbst war eine fromme, wohltätige Frau, die großen Einfluss auf die kirchliche Reform in Schottland nahm. Sie wurde 1250 von Papst Innozenz IV. heiliggesprochen und gilt bis heute als eine der bedeutendsten religiösen Gestalten der schottischen Geschichte. Ihre Verehrung verleiht der Kapelle bis heute eine besondere Aura der Heiligkeit und des Gedenkens. Horden von Touristen wollen den Raum besichtigen und viele sind enttäuscht von der Schlichtheit.
Romanische Architektur in Miniatur Die St. Margaret’s Chapel ist ein Paradebeispiel für romanische Sakralarchitektur im Kleinformat: Der Bau misst nur etwa sechs Meter in der Länge und knapp vier Meter in der Breite. Die dicken Mauern, das rundbogige romanische Fenster und das kleine Tonnengewölbe im Inneren schaffen eine intime, fast geschützte Atmosphäre. Die Kapelle wurde im Laufe der Jahrhunderte mehrfach restauriert, unter anderem im 19. Jahrhundert durch Königin Victoria, die großes Interesse an der Geschichte Schottlands zeigte.
Trotz der Restaurationen ist der ursprüngliche Charakter weitgehend erhalten geblieben – auch weil die Kapelle jahrhundertelang unberührt blieb. Während Edinburgh Castle wechselnde militärische und politische Rollen spielte, blieb die Kapelle vergessen, überbaut und zweckentfremdet – bis man sie im 19. Jahrhundert wiederentdeckte und als historischen Schatz erkannte.
Die Fenster Lange habe ich mir die Fenster angesehen: In der St. Margaret’s Chapel auf Edinburgh Castle befinden sich fünf kunstvoll gestaltete Glasfenster, die 1922 von dem renommierten Glasmaler Douglas Strachan geschaffen wurden. Die Motive sind:
St. Margaret von Schottland – Die Namenspatronin der Kapelle. Ihr Bildnis zeigt die heilige Königin in würdevoller Haltung und erinnert an ihren Einfluss auf die frühen kirchlichen Reformen in Schottland. St. Andrew – Der Schutzpatron Schottlands. Der Apostel wird mit dem typischen Andreaskreuz dargestellt, das im National- und Kirchenwappen eine zentrale Rolle spielt. St. Columba – Der irisch-schottische Missionar, der das Christentum in Schottland verbreitete. Sein Fenster vermittelt eine spirituelle Tiefe und den Brückenschlag zwischen keltischer und schottischer Christenheit. St. Ninian – Früher Missionar der Pikten und einer der ersten christlichen Heiligen Britanniens. Sein Fenster symbolisiert die historische Verwurzelung des Glaubens in der Region. William Wallace – Der schottische Nationalheld („Braveheart“), hier als symbolische Figur für Freiheitsgeist und nationale Identifikation vertreten. Ein ungewöhnliches Motiv für eine Kapellenranzahlung, aber typischer Ausdruck des schottischen Selbstverständnisses um 1922.
Douglas Strachan (1875–1950) gilt als einer der bedeutendsten Glasmaler Großbritanniens im frühen 20. Jahrhundert. Seine Arbeiten zeichnen sich durch klare Farbfelder, filigrane Bleiführung und eine plastische Wirkung aus, die für religiöse und symbolische Darstellungen besonders geeignet ist.
Als Gegenstück zur romanischen Architektur – schlicht, klar, intim – fügen sich Strachans farbintensive Fenster harmonisch ins Innere der Kapelle ein. Sie verleihen dem kleinen Gotteshaus eine leuchtende Transzendenz und helfen dem Besucher, in einen Moment der Stille und Kontemplation einzutauchen.
Das Gebetsbuch Nahezu unscheinbar am Rande gibt es einen historischen Schatz finden: eine Faksimile-Ausgabe des sogenannten „St. Margaret’s Gospel Book“, eines mittelalterlichen Gebetsbuches, das ursprünglich der heiligen Margarete von Schottland selbst gehört haben soll.
Es handelt sich um eine illuminierte Reproduktion des historischen Evangelienbuches, das im 19. Jahrhundert nach alten Vorlagen hergestellt wurde. Ein Exemplar dieser Faksimile befindet sich heute in einem Glaskasten innerhalb der Kapelle – sorgfältig präsentiert als Hinweis auf das geistliche Erbe von Königin Margarete.
Das Originalbuch, so die Überlieferung, sei einst von Margarete mit großem Wert geschätzt worden – nach einem Unfall, bei dem es in einen Fluss fiel, soll es nahezu unversehrt geborgen worden sein. Diese Geschichte wird in der mittelalterlichen „Vita“ von Margarete erzählt – was dem Buch den Nimbus eines Wunders verlieh.Die vormalige Originalausgabe ist heute in der Bodleian Library in Oxford untergebracht. Das in Edinburgh ausgestellte Exemplar erinnert jedoch symbolisch an die persönliche Andacht und die fromme Persönlichkeit der Heiligen, die im 12. Jahrhundert eine reformatorische Rolle in Schottland spielte.
Die Kapelle heute: Ein Ort des Erinnerns und der Andacht Heute ist die St. Margaret’s Chapel mehr als ein architektonisches Relikt – sie ist ein lebendiger Ort des Gedenkens. Sie wird gelegentlich noch für Taufen und Hochzeiten genutzt, vor allem für Angehörige des Royal Regiment of Scotland oder mit besonderer Verbindung zur Burg. Besucher nutzen den Ort oft für einen Moment der Stille – als Kontrast zum quirligen Burgbetrieb draußen. Die Kapelle wird auch von der St. Margaret’s Chapel Guild betreut, einer Gruppe ehrenamtlicher Frauen, die sich dem Erhalt und der Pflege der Kapelle verschrieben haben. Die Mitglieder bringen regelmäßig frische Blumen und sorgen dafür, dass der Raum seinen stillen, spirituellen Charakter bewahrt.
Zugleich ist die Kapelle ein Symbol: für die Kontinuität der Geschichte, für Glauben in einer rauen Umgebung und für die Rolle der Frauen in der schottischen Geschichte – denn Margarete war nicht nur eine Heilige, sondern auch eine Gestalterin gesellschaftlicher und religiöser Veränderung.
Wer mich kennt, der weiß, dass ich ein großer Fan von Bob Dylan bin. Ich höre seine Musik seit Jahrzehnten, ich interessiere mich für sein Werk und habe ich London mal die Halcyon Gallery mit seinen Gemälden besucht. Jetzt stand in Schottland der Besuch der Castle Fine Art Galerie in Glasgow an.
Die Castle Fine Art Galerie in Glasgow, Teil eines renommierten britischen Filialnetzwerks, präsentiert regelmäßig hochwertige Kunsteditionen, darunter auch exklusive Werke des berühmten Musikers und Künstlers Bob Dylan. Dylan, der seit einigen Jahren auch als bildender Künstler auftritt, hat über seine Sammlung hinweg mehrere Editionen realisiert, die in der Glasgower Galerie zu sehen und zu erwerben sind.
Bob Dylans Kunstwerke Ein zentraler Teil der ausgestellten Dylan‑Editionen ist seine „The Beaten Path“-Serie, die erstmals 2016 erschien und seitdem mehrfach erweitert wurde. Sie umfasst Silkscreen‑Drucke in limitierten Auflagen, die typisch amerikanische Straßenszenen, Motels, Bahnlinien und Stadtausschnitte zeigen – eingefangen in seinem rauen, erzählerischen Stil. Die Sammlung vermittelt das Amerika abseits der Touristenroute, Reiserouten entlang von Landstraßen und kleinen Orten – stets mit einem nostalgischen Blick für Alltag und Atmosphäre.
Weitere markante Werke stammen aus der „Deep Focus“-Reihe (2023), die sich durch eine filmisch-inspirierte Komposition auszeichnet. Dylan nutzt eine Tiefenschärfe-ähnliche Technik und inszeniert Motive in Vorder- und Hintergrund mit erzählerischem Charme. Diese Arbeiten zeigen Szenen mit Figuren, Interieurs und Straßenszenen, oft mit einem cineastischen Touch und subtiler Spannung. Besonders eindrucksvoll sind Titel wie Hideaway Woman, Edge of Town oder Man on a Bridge, die Menschen in verlassenen Bars, Nachtmomenten oder urbanen Zwischenräumen inszenieren.
Neueste Präsentationen umfassen „Point Blank“ (2025) – eine Serie von acht Originalgemälden, offenbar als intime Momentaufnahmen konzipiert. Jedes wirkt wie eine visuelle Notiz oder Erinnerungsschnipsel mit emotionaler Direktheit. Besucher der Glasgow-Galerie erhalten somit Zugang zur neuesten künstlerischen Phase Dylans, die deutlich persönlicher und spontaner wirkt als seine früheren Editionen.
Atmosphäre und Präsentation in der Galerie Die Castle Fine Art Galerie in Glasgow legt Wert auf eine hochwertige, ruhige Präsentation: sauber ausgestellte Rahmen, klare Beschilderung der Editionen und professionelle Beratung. Bob Dylan-Werke sind in der Regel signierte Limited Editions und oft schnell vergriffen. Manche Ausgaben, etwa aus der Silkscreen-Kollektion, sind als „sold out“ markiert oder nur vereinzelt verfügbar. Die Ausstellung vermittelt sowohl einen Blick auf Dylans künstlerische Entwicklung als auch auf die verschiedenen Themenkreise seiner visuellen Kunst.
Insgesamt bietet die Castle Fine Art Galerie Glasgow einen überzeugenden Einblick in Bob Dylans kunsthistorisch relevante Arbeit. Mit Serien wie „The Beaten Path“, „Deep Focus“ und „Point Blank“ zeigt Dylan eine beeindruckende visuelle Bandbreite: von urbaner Americana über filmische Szenen bis hin zu persönlichen Momentporträts. Die Galerie fungiert als wichtiger Ort für Sammler und Interessierte, die Dylans bildnerisches Werk im Original erleben möchten.
US-Künstler nutzt britischen Vertrieb Dass Bob Dylan seine bildende Kunst primär über Castle Fine Art, ein renommiertes britisches Galerienetzwerk, und nicht über US-amerikanische Galerien vertreibt, lässt sich durch eine Kombination aus strategischen, künstlerischen und vielleicht auch persönlichen Gründen erklären. Ich habe dazu Becca von Castle Fine Art in Glasgow befragt. Sie verschickt die Dylan-Bilder in die ganze Welt, auch nach Deutschland.
Kontrollierte Präsentation über Castle Fine Art Castle Fine Art hat sich auf exklusive Kooperationen mit Prominenten spezialisiert, die nicht aus dem klassischen Kunstbetrieb stammen – etwa Musiker, Schauspieler oder Popkulturikonen. Für Dylan bietet diese Partnerschaft einen maßgeschneiderten Rahmen, um seine Werke hochwertig, limitiert und kuratiert zu präsentieren – ohne sich mit dem kritischeren, oft elitären Kunstmarkt der USA auseinandersetzen zu müssen.
Britisches Publikum: kulturell offener für Promi-Kunst Im Vereinigten Königreich herrscht ein etwas entspannterer Umgang mit prominenten Künstlern, die sich auch außerhalb ihres Hauptmetiers künstlerisch ausdrücken. Während in den USA Kunstkritik und akademischer Anspruch oft dominieren, ist das britische Publikum – und damit auch der Kunstmarkt – zugänglicher für „Crossovers“ wie Dylan.
Dylans enge kulturelle Beziehung zu Europa Bob Dylan hatte schon immer ein starkes Verhältnis zu Europa – sei es durch ausgedehnte Tourneen oder durch die Tatsache, dass seine Musik und Texte dort besonders literarisch rezipiert werden. Seine bildende Kunst spiegelt oft europäisch geprägte Einflüsse wider (z. B. durch Städtebilder, melancholische Straßenszenen). Der europäische Markt scheint daher empfänglicher für die atmosphärische, erzählerische Qualität seiner Werke. In Schottland hatte der Künstler ein großzügiges Anwesen, was aber vor kurzem verkauft wurde. Auch Songs deuten auf Schottland hin. Der wohl schottischste Songtitel in Dylans Werk ist „Highlands“ – ein knapp 17-minütiges Stück über Sehnsucht, Entfernung und innere Leere. Zwar ist nicht klar, ob die „Highlands“ buchstäblich die schottischen Highlands meinen, aber Dylan selbst sagte in Interviews, dass der Song stark von Robert Burns, dem schottischen Nationaldichter, inspiriert sei. Die Zeile „My heart’s in the Highlands, wherever I roam“ ist eine direkte Anspielung auf Burns’ Gedicht My Heart’s in the Highlands.
Distanz zum US-Kunstbetrieb Dylan hat zeitlebens eine Distanz zum Establishment gesucht – auch zur amerikanischen Kunstszene, die stark durch Prestige, Galeriensysteme und Sammlereliten geprägt ist. Es passt zu seiner Haltung, nicht in den klassischen Galerien in New York oder L.A. auszustellen, sondern einen alternativen Weg zu gehen – in diesem Fall über einen kommerziellen, aber kunstorientierten Anbieter wie Castle Fine Art.
Professionelles Vertriebsmodell Castle Fine Art übernimmt nicht nur die Ausstellung, sondern auch Vertrieb, PR und Kundenkontakt, und zwar in einem hochprofessionellen, aber auch stark kommerziell ausgerichteten Rahmen. Für Dylan – der lieber Kunst schafft als Netzwerke pflegt – ist das eine ideale Lösung: maximale künstlerische Kontrolle, keine Verpflichtungen gegenüber dem traditionellen Kunstbetrieb, und gleichzeitig ein starker Markt.
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