Weil wir uns alle am Hobbit-Fieber angesteckt haben, will ich mal Musik aus der Welt von Mittelerde vorstellen, die vielleicht nicht jedermann kennt. Ich meine jetzt nicht die Soundtracks von Howard Shore und Leonard Roseman, sondern die Musik des Tolkien Ensembles.
Ich hab diese Musik aus Dänemark Ende der 90er Jahre des vergangenen Jahrhunderts auf einem Schallplattenflohmarkt entdeckt. Über die Jahre sind einige Aufnahmen hinzugekommen. Im Jahre 2006 erschien die 4-CD-Sammlung Complete Songs & Poems of The Lord of the Rings, die ich Fans von Mittelerde ausdrücklich empfehlen möchte. Bei der Band Tolkien Ensemble handelt es sich um dänische Musiker, die es sich zur Aufgabe gemacht haben, die Gedichte und Gesänge vom Herr der Ringe zu vertonen und zu veröffentlichen. Unterstützung haben sie von Christopher Lee bekommen, der zahlreiche Tolkien Gedichte vortrug. Schön, dass Lee auch eine Rolle als böser Zauberer Saruman in Jacksons Herr der Ringe-Verfilmung bekommen hat.
Allerdings ist die CD-Sammlung keine leichte Kost. Die komplexen Aufnahmen gehen nicht sofort ins Ohr. Wunderbar finde ich die Choräle, aber auch die leisen Lieder aus dem Auenland. Insgesamt waren über 150 Musiker an den Aufnahmen beteiligt, darunter 14 Solisten. Die Sammlung enthält alle Veröffentlichungen des Tolkien Ensembles. Zehn Jahre hatten Casper Reifff und Peter Hall geraucht, um das Werk zu vollenden. Einige Songs wurden für die CD-Box nochmals neu aufgenommen und die Sammlung wurde neu editiert und nun in die korrekte Reihenfolge gebracht. Cool ist auch, dass ein königlicher Tolkien-Fan mit von der Partie ist. Königin Margarethe II. von Dänemark steuerte zahlreiche Zeichnungen und Illustrationen bei. Das Booklet wurde so wunderbar aufgewertet, es enthält neben den Texten der Gedichte und Gesänge auch eine Biografie der Künstler und die eindrucksvollen königlichen Illustrationen. Es lohnt sich also, die Aufnahmen als CD-Set Complete Songs & Poems of The Lord of the Rings zu erwerben und nicht als mp3-Download.
Für mich gehören diese Aufnahmen zu den Schätzen aus der Welt von Mittelerde. Wer sich ernsthafter mit der Welt von Tolkien beschäftigen will, kommt um diese Aufnahmen nicht herum.
Dass Howard Shore ein Wagnerfan ist, weiß man nicht erst seit seinem Soundtrack-Trio zu Herr der Ringe. Für Fans von Mittelerde ist schön, dass er auch beim Hobbit mit von der Partie ist und soeben seinen ersten Soundtrack der Hobbit-Trilogie ablieferte. Und auch hier wandte der Komponist die Wagnerischen Leitmotive an. Da kann man einfach nichts falsch machen. Im Herr der Ringe waren es über 80 Motive. Nachdem fast 90 Prozent der Filme mit Musik unterlegt waren, hatte Howard Shore richtig etwas zum Komponieren.
War der erste Eindruck beim Anhörem des Herr der Ringe-Werkes klar: Hier wird Soundtrackgeschichte geschrieben. Beim Anhören von The Hobbit: An Unexpected Journey fällt mein erstes Urteil gespaltener aus. Ja, der Score steht in der Tradaition von Herr der Ringe, ja er hat Atmosphäre, aber meine Erwartungshaltung war wohl einfach zu groß. So wie das Buch der kleine Hobbit eben nicht die Komplexität vom Romanzyklus Herr der Ringe erreicht, so erreichen die Kompositionen beim ersten Hören nicht die Durchschlagkraft. Soll aber bitte nicht heißen, dass es ein schlechter Soundtrack ist. Jeder andere, der ein solches Werk abgeliefert hätte, der wäre mit Ruhm und Ehre überschüttet worden. Aber Howard Shore ist eben nicht jeder andere. Hier gelten andere Maßstäbe.
Der Soundtrack ist ruhiger, nicht so gewaltigtätig – Ausnahmen An Ancient Enemy und Radagst the Brown – wirklich wunderbar und ganz großes Kino. Die Aufnahmen fanden mit dem London Philharmonic Orchestr fanden in den Abbey Road Studios statt. Die Themen von Gandalf und Gollum waren ja schon aus Herr der Ringe bekannt und auch die positive Auenlandmusik tut ihr übriges. Ich höre mich in den nächsten Wochen in den Soundtrack richtig rein und bin auf das Feedback der Community gespannt.
Im Moment gibt es zwei Versionen des Soundtracks auf dem Markt. Standard und eine Extened The Hobbit: An Unexpected Journey. Die Special-Edition entält für Sammler ein 26-seitiges Booklet mit ein paar Abbey Road Recording Session Fotos, sechs Bonus Tracks und sieben erweiterte Tracks des Scores. Meine Kaufentscheidung lag bei der Special-Edition.
Das digitale Zeitalter macht es notwendig, dass Musiker mehr auf Tour gehen, um ihre Einnahmen und ihren Lebensstandard zu sichern. Da machen die alten Herren von Deep Purple keine Ausnahme: Seit über 40 Jahren sind die Großväter des Hardrocks in unterschiedlichen Formationen unterwegs. Jetzt lieferten sie das vorletzte Konzert ihrer Deutschlandtour 2012 in der Münchner Olympiahalle ab. Und wir stellen fest: Die Rentnerband hat es noch voll drauf. Das meist ältere Publikum kam entweder in Lederkluft oder im Kamelhaarmantel, brachte aber den Nachwuchs mit. Das Motto lautete „Schau, diese Band war toll als Papa jung war“ und ich ergänze; „diese Band ist es auch als Papa alt war“. Zur Einstimmung gab es einen Ausschnitt aus Prokofieffs „Romeo und Julia“, vielleicht als Erinnerung an den verstorbenen Jon Lord, der sich Zeit seines Lebens der Klassik widmete. Dann begann es in voller Wucht mit „Fireball“.
Bei über 40 Jahren Musikgeschichte brauchen Deep Purple auf keine zweitklassigen Songs zurückgreifen und so war es zeitweise eine Best-of-Show. Die wilden Zeiten sind vorbei. Es gibt keine Bühnenexzesse mehr, die Band liefert eine solide Leistung ab. Die wilden Männer sind weiser geworden, aber nicht ruhiger.
Warten auf den Deep Purple Auftritt in der Olympia-Halle in München
Lief es zu Beginn noch etwas stockend, nahm die Band im Laufe des Gigs richtig Fahrt auf. Das ist vor allem der Kraft von Steve Morse zu verdanken. Der Jungspund in der Kapelle mit seinen 58 Jahren gibt mit der Gitarre den Ton an. Soll Ritchie Blackmore doch seine Mittelaltermucke spielen, Steve Morse ist mehr als ein Ersatz. Er entwickelt die Band weiter, lässt Jazz und Country einfließen. Für den verstorbenen Jon Lord ist der ehemalige Whitesnake-Mann Don Airey (64) mit von der Partie. Sein Solo war klassisch geprägt, mit „Muss i denn“ bewies bei all der Tastenkunst sogar ein Stück Humor. Einstmals konnten wir aggressive Kämpfe zwischen Blackmore und Lord auf der Bühne erleben, die auch mal mit den Fäusten ausgetragen wurden. Heute werden diese Kämpfe zwischen Airey und Morse nur noch musikalisch ausgeführt. Hut ab, vor der Leistung von Ian Paice. Mit seinen 64 Jahren ist er das einzige lebende Gründungsmitglied von Deep Purple.
Sänger Ian Gillan hatte durch die zahlreichen Solos seiner Bandmitglieder die notwendigen Pausen, um seine Stimme zu schonen. Trotz der Stimmband-Schonung kam es in München auch wieder nicht zum legendären „Child in Time“. Diese Zeit ist wohl endgültig vorbei.
Roger Glover bedankt sich für das Ständchen zu seinem 67. Geburtstag.
Hervorragend waren vor allem die Zugaben, begonnen mit einem Geburtstagsständchen für Bassist Roger Glover, der an dem Abend seinen 67. Geburtstag feierte und bei dem ersten Purple-Hit „Hush“ von 1968 sein Bass-Solo ablieferte. Jetzt drehte DP voll auf: Das relativ neue „The Battle Rages On“ kam gut an, doch richtig ab ging es bei den Klassikern „No One Came“ oder „Space Truckin“. Dass Hardrock auf Blues und Rock´n Roll aufbaut, zeigte ein wunderbares Medley alter Rock´n Roll-Songs, die um „Speed King“ eingebaut wurden: Jerry Lee Lewis, Buddy Holly – das war Emotion pur. Das Publikum wippte mit.
Richtige Glückseeligkeit in den Gesichtern erschien als die ersten Noten von „Smoke on the water“ erklangen. Das zumeist ältere Publikum freute sich, diesen Rockklassiker noch einmal live erleben zu dürfen und sang die Zeilen lauthals mit. Letztes Lied des Abends und Rausschmeißer war der alte Hitsingle „Black night“.
Nächstes Jahr werden Deep Purple wohl wieder auf Tour gehen, um das Einkommen zu sichern. Wenn sie wieder so eine Show abliefern, dann ist der Ruhestand noch eine Zeit entfernt.
Beim vierten Album von Emerson, Lake & Palmer mit dem Namen Brain Salad Surgery trafen Giganten aufeinander: Musikalisch waren ELP auf dem Zenit ihres Schaffens angekommen und sie baten den Schweizer Künstler H.R. Giger um die Gestaltung des Covers. Giger ist der breiten Masse durch das Alien-Monster bekannt.
Jetzt entdeckte ich in meiner Single-Sammlung eine Rarität aus dem Jahre 1973. Es handelt sich um eine Schallfolie, die von der britischen Musikzeitschrift New Musical Express herausgegeben wurde. Ich denke, es ist ein Geschenk an die Leser gewesen, genaues weiß ich aber nicht. Die Schallfolie ist eine dünne Folie, die auf eine Single gelegt wurden musste. Allerdings wurde sie anders als die normale Single nicht mit 45 Umdrehungen pro Minute abgespielt, sondern mit 33.5.
Bei den Aufnahmen handelt es sich um einen Querschnitt des damals neuen ELP-Albums Brain Salad Surgery. Der Titel stammt übrigens nicht wie viele vermuteten von Pete Sinfield sondern aus dem Lied „Right Place, Wrong Time“ des genialen Voodoo-Sängers Dr. John.
Die Soundqualität der Schallfolie ist schauderhaft, vor allem nach heutigen Maßstäben gemessen. Aber die Idee hat mir gefallen. Es war lange vor aufgeklebter Heft-CD oder passwortgeschütztem Download-Bereich eine nette und preiswerte Art der Kundenbindung. Das Label war übrigens Manticore. Das war das eigene Label der drei Musiker, das zu Brain Salad Surgery gegründet wurde. Alle künftigen und auch die vorigen ELP-Platten erschienen dann bei Manticore.
Die Schallfolie war in ein schönes Cover gelegt. Es handelt sich um eine verkleinerte Kopie des Plattencovers der damaligen Zeit. Zwei Bilder von H.R. Giger sind darauf zu sehen. In den späteren Ausgaben der Schallplatte zierten die Fotos die Vorder- und Rückseite der Schallplatte. In der ersten Ausgabe war es noch ein Klappcover, eben wie diese Single. Die Rückseite war violett mit dem Schriftzug Brain Salad Surgery.
Achtung, gleich vorweg: Diese Aufnahmen sind nur etwas für Hardcore-Fans des Meisters. Wieder einmal werden Bootleg-Aufnahmen von Bob Dylan im großen Stil auf CD vertrieben. Die Aufnahmen The Minneapolis Party Tape gibt es in unterschiedlichsten Ausgaben.
Aufgenommen wurden sie im Mai 1961 als Dylan bei der Arbeit an seinem ersten Album Bob Dylan war. Der junge Folkie spielte auf einer Party bei der Collage-Bekanntschaft Bonnie Beecher. Dylan war auf dem Weg nach Hause zu seinen Eltern nach Hibbing, Minnesota. Er brauchte wohl eine Pause vom Musizieren in den Clubs und Cafes von Greenwich Village.
So entstanden die Aufnahmen, die den Dylan-Fans auch als Beecher-Hotel oder Minneapolis-Hotel bekannt sind. Sie stammen von zwei, drei verschiedenen Sessions, aufgenommen von einem tragbaren Tonbandgerät. So hören sich die Aufnahmen auch an. Die Aufnahmequalität ist im besten Falle authentisch. Der Sound ist dumpf, es rauscht, aber der Zuhörer bekommt einen kraftvollen jungen Dylan zu hören, der kurz davor steht, die Musikwelt zu verändern. Hier spielt er eigentlich nur Standards und Traditionals. Diese historischen Aufnahmen sind aber ein Beweis dafür, wie schnell sich Dylan entwickelt und von seinen Vorbildern gelöst hat. Unter historischen Aspekten sind diese Aufnahmen revolutionär. Vor allem der letzte Song des Albums Bonnie Why’d You Cut My Hair? zeigt den Humor des jungen Musikanten.
Das Booklet zu dieser Ausgabe liefert informative Hintergrundinfos, erzählt von den Songs, von den Aufnahmen von Tony Glover und mehrt die Mythos Bob Dylan. Glover schrieb später übrigens ein hervorragendes Buch über die Blues-Harmonika. Vielleicht werden die Aufnahmen einmal von Dylan selbst in seiner Bootleg-Serie aufgelegt. Im Moment müssen wir Fans uns noch mit diesem Material von The Minneapolis Party Tape begnügen.
Auch alte Musiker müssen von etwas leben und so werden erfolgreiche Alben immer wieder neu aufgelegt. So auch im Falle einer meiner Lieblingsbands Emerson, Lake & Palmer (ELP). Nach allen regulären Alben, vielen offiziellen und inoffiziellen Bootlegs habe ich wieder zwei neuaufgelegte Klassiker der Dinosaurier des Progrocks erstanden: Das erste Album Emerson,Lake & Palmer und das nachfolgende Bombastwerk Tarkus von 1971. Über die Musik brauche ich wohl nichts sagen: Fans wissen sowieso Bescheid und den Ignoranten fallen beim Hören dieser wunderbaren Mischung zwischen Rock, Klassik und Jazz wahrscheinlich die Ohren ab. Hier wurde Musikgeschichte geschrieben.
Beide Veröffentlichungen liegen als dreifach Deluxe Box vor. Es gibt zum einen das Originalalbum, das ich natürlich schon lange als verschiedene LPs und einer CD-Version im Schrank habe. Dann gibt es einen 2012 Stereo-Mix und eine DVD mit 5.1 Mix. Dazu gibt es je ein nettes Booklet mit zahlreichen Bildmaterial – einiges war mir als Fan durchaus neu. Die Texte sind keine Offenbarung, erwarte ich aber nicht. Sie beinhalten harmlose Insidergeschichten aus der Frühphase der Kapelle. Ich habe die Boxen vor allem wegen der neuen Mehrkanalabmischung gekauft.
Diese neuen Abmischungen von Steven Wilson (Porcupine Tree) haben den angestaubten Werken von Andy Pearce wirklich gut getan. Sony hat im Großen und Ganzen gute Arbeit geleistet. Allerdings: Ich entdecke Töne, die ich beim Hören meiner LP nicht vernommen habe, wie bei Tarkus „The Three Fates“. Ich muss mich wohl an die neuen Versionen gewöhnen, viele Sachen sind bisher noch nie erschienen und liegen als Alternativversion vor. Aber natürlich gilt immer: Die Verschmelzung von verschiedenen Musikstilen ist hier gelungen. ELP war der Anfang, der Durchbruch kam dann mit der ersten LP-Seite von Tarkus. Kleine Kritiken an den Boxen schmälern nicht den Status der Band und Wichtigkeit der beiden Alben für die Rockmusik.
Der neue Sound ist nun glasklar und vor allem beim Hören über Kopfhörer erwischt einem die volle Wucht der Kompositionen. Orgel, Piano und Analogsynthesizer von Meister Keith Emerson sind aggressiv, Bass und Gitarren von Greg Lake kommen klarer, der jugendliche Gesang ist voller – aber was vor allem reinhaut sind die Drums von Carl Palmer. Die Musiker beherrschen ihre Instrumente und die Spielfreude der Engländer ist wahnsinn. Klar, gekünstelt wie es Progrock war, aber handgemacht und unglaublich innovativ. Das ist progressive Rockmusik wie sie sein sollte. Nur Robert Fripp mit King Crimson ging noch darüber hinaus. Aber diesen Streit, will ich hier nicht führen. Und ich hoffe auch, dass ELP Geschichte bleiben, denn die 2010-Aufnahmen aus London, waren nur wirklich was für absolute Fans.
Lange auf ich auf diesen Film gewartet: Prometheus ist das Prequel zu Alien und wiederum führte Altmeister Ridley Scott Regie. Um den Film richtig zu genießen, nahm ich mir als erstes den Soundtrack Prometheus vor. Wenn ich den Score des Films kenne, dann kann ich den Film anschließend noch mehr genießen. Meine Gedanken zu den Alien-Soundtracks habe ich ja bereits in diesem Blog niedergelegt. Nun kam der Soundtrack von Marc Streitenfeld bei mir an und voller Erwartung spielte ich ihn ab.
Streitenfeld ist Münchner, fand mit 19 Jahren in LA seine neue Heimat. Dort absolvierte er ein Praktikum bei Hans Zimmer, wo er das Business kennenlernte. Ich bin wahrlich kein Zimmer-Fan, aber man lernt wohl unter Druck kommerziell zu komponieren. Bei der Arbeit zu Gladiator lernte er auch Ridley Scott kennen, denn die Zimmer-Kompositionsmaschinerie steuerte den Soundtrack bei. Irgendwann löste sich der Münchner von Hans Zimmer und ging seinen eigenen Weg weiter. Es kamen weitere Kooperationen mit Scott wie unter andere, bei American Gangster oder Robin Hood. Sehr gut Werke, die Spaß machen. Soundtrack um Soundtrack sicherte sich Marc Streitenfeld seinen Platz unter den Top-Hollywood-Komponisten.
Aber dann kam der Auftrag zu Prometheus und der steht in der Tradition von Alien. Die Erwartungshaltungen waren enorm. Marc Streitenfeld ist nicht Jerry Goldsmith und das ist gut so. Streitenfeld macht nicht den Fehler, den Soundtrack des Meisters zu kopieren, sondern er schafft sein eigenes Opus. Wunderbar, gewaltig, gefühlvoll. So soll ein Soundtrack in der Tradition von Alien sein. Mit einem Augenzwinkern wird das Goldsmith-Alien-Thema in dem Stück „Friend from the past“ aufgenommen und interpretiert. Solche Hommagen liebe ich. Die 25 Kompositionen der Soundtrack-CD lassen hervorragend mit dem Kopfhörer zu genießen. Aber ich musste zugeben, ich musste den Soundtrack mehrmals hören, um einen Zugang zu finden. Das Prometheus-Thema wird unterschiedlich variiert und interpretiert. Ich muss sagen ich hatte einen riesigen Bammel davor, dass dieser Soundtrack zu Prometheus in die Hose geht. Aber für mich steht fest: Prometheus ist nicht Alien, Streitenfeld ist nicht Goldsmith, aber Scott bleibt Scott. Ich habe die Musik genossen und werde den Film genießen. Und fest steht auch: Mit Streitenfeld habe ich einen neuen Helden für mich entdeckt. Bravo.
Time Life hat ein wunderbares Fotoarchiv und immer wieder werden Schätze aus diesem Archiv gehoben und der Öffentlichkeit zugänglich gemacht. So geschehen vor kurzem bei dem neuen Fotobuch Life in Pictures Life Bob Dylan: Forever Young (Life (Life Books)).
Es sind viele bekannte und einige mir unbekannte Dylan-Fotos darin zu finden. Daneben gibt es eine gefällige Einführung von Robert Sullivan, dem Herausgeber der Life-Bücher. Natürlich hat man die sechziger Jahre erlebt, natürlich war man bei Rolling Thunder dabei, schöne Erinnerungen derjenigen, die noch immer am 60- und 70-Jahre-Tropf hängen. Vom neuen Dylan, gar vom Jesus-Dylan gibt es nicht viel zu lesen oder zu sehen. Die 60er und 70er Jahre sind hervorragend illustriert, doch es gibt nur ein paar Fotos aus den 80ern wie den interessanten Live Aid-Auftritt, ein wenig Papst und ein wenig Ehrungen und Auszeichnungen. Im Grunde ist es Standard-Agenturmaterial, das bekannt ist. Von der Neuzeit keine tieferen Analysen, obwohl das Buch 2012 erschienen ist und Dylan mit seinem Spätwerk ungeheuere kommerzielle und künstlerische Erfolge abliefert.
Kurz wird im Text auf seine zweite gescheiterte Ehe und seine Tochter aus der Beziehung eingegangen, aber nichts wirklich Neues. Nein, diesen Dylan wollen eine Fans von Life nicht sehen, sie wollen lieber die Protest- und elektrische Phase sehen und dokumentieren dies mit wunderbaren Fotos. Mir selbst gefällt die Doppelseite zum Bucheinstieg von Renaldo und Clara eigentlich am Besten. Dylan steht mit Joan Baez (in Hochzeitskleid) in einer Bar. Sam Shepard ordnet im Hintergrund Filmmaterial. Dylan und Baez schauen sich in die Augen – das alte Feuer ist da. Dylan Fans kennen den Dialog aus dem Buch von Sam Sharpard, der sich abspielte: „Warum haben wir nie geheiratet?“ fragte sie. „Ich habe die Frau geheiratet, die ich liebe“, antworte er. Die gescheiterte Liebe wird vor laufenden Kameras ausgetragen und wir sind Zeuge.
Insgesamt ist Life Bob Dylan: Forever Young (Life (Life Books)) ein nettes Buch, kein Muss, aber ein paar neue Fotos vom Meister aus den guten alten Zeiten. Eine Offenbarung ist es nicht, aber solides Fanmaterial.
Die „Songs an einem Sommerabend“ bedeuten für mich Genuss pur und Stress total. Ich bin dieses Jahr bei dem Festival bei Bad Staffelstein in Franken wieder dabei und wieder beauftragt das Konzert, die Stars und den Trubel Backstage zu fotografieren.
Die Szene ist optisch eindrucksvoll. Die Bühne ist auf der Wiese vor Kloster Banz, dem Bildungszentrum der Hanns-Seidel-Stiftung. Pro Abend verfolgen rund 5000 Zuschauer die Show. Und es ist nicht das klassische Open Air-Publikum wie Rock am Ring oder sondern eher gesetztere Zuschauer. Weniger ACDC-T-Shirts und Headbangen als vielmehr Picknickkorb und Strohhut. Es ist ein kritisches Publikum, das handgemachte Musik liebt. Die künstlerische Leitung hat der BR-Recke Ado Schlier inne. Zuckerbrot und Peitsche sind im übertragenen Sinne sein Konzept, das nunmehr im 26. Jahr aufgeht. Die Songs an einem Sommerabend finden dieses Jahr am 6. und 7. Juli 2012 statt, wobei die Tribünenkarten für den Samstag ausverkauft sind.
Konzertfotografie ist anstrengend, das Licht wechselt schnell, mal gelles Gegenlicht, mal Kerzenlichtbeleuchtung und zudem wenn die Witterung bei den Songs seit Jahren durchwachsen ist. Sonnenschein und Regen wechseln sich mit schöner Regelmäßigkeit ab. Der Fotograben vor der überdachten Bühne füllt sich mit Regenwasser. Die Dauerbesucher haben ihre Regencaps immer dabei. Objektive, Kamerabodys, Akkus, Laptop – alles muss getragen und einsatzbereit gehalten werden.
Die Auftritte der Stars entschädigen aber. Gerne erinnere ich mich an das Konzert zum 25jährigen Bestehen des Festivals im vergangenen Jahr, moderiert von Bodo Wartke. Ich sah Reinhard Mey und einen grandiosen Arlo Guthrie unterstützt von Wenzel. Klaus Hoffmann. Hoffmann ist ein absoluter Profi. Hinter den Kulissen kam es zu mehreren Sessions, eine hielt ich auf Video fest.
Für mich waren aber die jungen Wilden die wahren Helden von Banz. Allen voran die Band Max von Milland und der Südtiroler Dominik Plangger. Dazu erschien auch eine Doppel-CD 25 Jahre Songs an einem Sommerabend. Im Booklet sind zahlreiche Fotos von mir veröffentlicht.
Max von Milland brachte frischen Schwung in die Szene und mischte das Volk der Liedermacher mit Rockklängen auf. Dominik Plangger platzt vor Talent pur. Er steht in der Tradition der großen Barden, verbringt einen Teil des Jahres stilecht auf der Alm und schreibt seine Songs. Nachdem wir nicht die Baumwollfelder von Mississippi als Inspiration für Blues haben, müssen eben die Südtiroler Alpen her halten. Das Talent von Plangger hat auch Konstantin Wecker erkannt, der 2010 einen Narren an Plangger gefressen hat und sich an den jungen Künstler hängt. Der Auftritt von Plangger von 2011 ist wunderbar – mal sehen wie es dieses Jahr ist.
Für 2012 haben sich folgende Künstler angesagt: Headliner ist Melanie, die vom Veranstalter als Woodstock-Legende verbraten wird. Das hat die gute Frau nicht verdient, aber wahrscheinlich muss sie mal wieder „Ruby Tuesday“ und „Look What They Done To My Song Ma“ schrubben. Ich habe ein paar Singles zum Signieren dabei, die CD finde ich nicht mehr. Ebenso auf der Bühne ist Konstantin Wecker mit Band, der inzwischen zum sechsten Mal in Banz mit dabei ist. Gespannt bin ich auf Heinz Rudolf Kunze, dessen Song „Dein ist mein ganzes Herz“ ich noch im Ohr habe. Aber am meisten freue ich mich auf die Nachwuchspreisträgern der Hanns-Seidel-Stiftung des Jahres 2012 und vor allem auf Dominik Plangger.
Zum zehnten Mal begab sich der Landesinnungsverband des bayerischen Friseurhandwerks auf eine Wallfahrt. Wie vergangenes Jahr ging es zum Heiligen Berg nach Andechs. Erst Wallfahrt, dann Gottesdienst und dann zünftige Brotzeit. Ich probierte dieses Mal mein neues Kameraspielzeug aus: Eine GoPro Kamera HD Hero2.
Die Kamera nimmt im extremen Weitwinkel auf und ist eigentlich für extreme Sportarten wie Skifahren, Fallschirmspringen, Crossrennen, Boarden u.a. gedacht. Naja, ich betreibe Schach als Sport, habe mir aber die Hero 2 trotzdem auf den Kopf geschnallt und die Wallfahrt aus Sicht eines Pilgers aufgezeichnet. Alles was ich gesehen habe, kann auch der Zuschauer sehen. Das ist bei der Post dann eine große Herausforderung, denn ich nehme so naturgemäß mehr Material auf, als ich überhaupt brauche, Beim Schnitt fällt daher viel Abfall an. Beim Schnitt bei meiner Friseurwallfahrt kam es mir nicht in erster Linie auf eine Dramaturgie an, sondern ich wollte mit der Kamera experimentieren und Erfahrungen sammeln. Natürlich wurden die Bedingungen beim Dreh erschwert, weil die Wallfahrt im Dauerregen stattfand. Ich hätte ab und zu die Optik abwischen sollen. Dennoch viel Spaß beim Schauen. Die Musik stammt übrigens von Dosch Design.
fällt mein erstes Urteil gespaltener aus. Ja, der Score steht in der Tradaition von Herr der Ringe, ja er hat Atmosphäre, aber meine Erwartungshaltung war wohl einfach zu groß. So wie das Buch der kleine Hobbit eben nicht die Komplexität vom Romanzyklus Herr der Ringe erreicht, so erreichen die Kompositionen beim ersten Hören nicht die Durchschlagkraft. Soll aber bitte nicht heißen, dass es ein schlechter Soundtrack ist. Jeder andere, der ein solches Werk abgeliefert hätte, der wäre mit Ruhm und Ehre überschüttet worden. Aber Howard Shore ist eben nicht jeder andere. Hier gelten andere Maßstäbe.
trafen Giganten aufeinander: Musikalisch waren ELP auf dem Zenit ihres Schaffens angekommen und sie baten den Schweizer Künstler H.R. Giger um die Gestaltung des Covers. Giger ist der breiten Masse durch das Alien-Monster bekannt.
gibt es in unterschiedlichsten Ausgaben.
war. Der junge Folkie spielte auf einer Party bei der Collage-Bekanntschaft Bonnie Beecher. Dylan war auf dem Weg nach Hause zu seinen Eltern nach Hibbing, Minnesota. Er brauchte wohl eine Pause vom Musizieren in den Clubs und Cafes von Greenwich Village.
und das nachfolgende Bombastwerk 
von 1971. Über die Musik brauche ich wohl nichts sagen: Fans wissen sowieso Bescheid und den Ignoranten fallen beim Hören dieser wunderbaren Mischung zwischen Rock, Klassik und Jazz wahrscheinlich die Ohren ab. Hier wurde Musikgeschichte geschrieben.
vor. Wenn ich den Score des Films kenne, dann kann ich den Film anschließend noch mehr genießen. Meine Gedanken zu den Alien-Soundtracks habe ich ja bereits in diesem 
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