Archive for the ‘Film’ Category

Katja Brandis (Woodwalkers) begeistert ihre Fans im Scala Fürstenfeldbruck

18. November 2024

Dass Kino mehr sein kann als nur Filme schauen und Popcorn essen, habe ich neulich wieder in meinem Lieblingskino Scala Fürstenfeldbruck erlebt und war begeistert. Kino ist auch eine Eventarena, ein Ort der Zusammenkunft und bestenfalls ein Treffpunkt der Community.

Soeben geschehen: Die Jugendbuchautorin Katja Brandis hat im Kino Station gemacht, um den Film Woodwalkers zu präsentieren, der nach ihren Romanen entstanden ist. Sie verriet, dass es auf jeden Fall einen zweiten Teil geben wird und bei guten Publikumszahlen sogar einen dritten Teil. Doch nicht nur ein wenig Filmgespräch mit donnerndem Applaus gab es, sondern auch Smalltalk mit den zumeist jugendlichen Fans. Der örtliche Buchhandel nutzte die Chance und verkaufte Bücher der Autorin, die sofort signiert wurden. Hunderte Fans stellten sich brav an. Durch das gesamte Kinofoyer zog sich die Schlange der Fans, die ein Autogramm ergattern und ein paar Worte mit der Spiegel-Bestsellerautorin wechseln wollten.

Katja Brandis, die gerade von der Frankfurter Buchmesse kam, war voll im Flow: Sie plauderte, posierte für Fotos und unterschrieb Bücher. Gelegentlich wagten es auch mutige Nachwuchsautoren, sich Ratschläge einzuholen. Einige Clevere brachten sogar ihre Manuskripte mit und übergaben sie an Katja Brandis in der Hoffnung auf Unterstützung bei der Verlagssuche. Ihr klarer Tipp: „Baut euch eine Community auf und bringt das erste Werk als BoD (Book-on-Demand) oder E-Book heraus. So kann man seinen Marktwert am besten testen.“ Genau so hat auch Katja Brandis begonnen, bevor sie den Durchbruch bei einem Verlag schaffte.

Katja Brandis, geboren 1970, gilt als eine der erfolgreichsten deutschen Autorinnen, die sich vor allem mit ihren Jugendbüchern einen Namen gemacht hat. Ihre Werke, darunter die Woodwalkers– und Seawalkers-Reihe, begeistern Leserinnen und Leser mit fantasievollen Geschichten, starken Charakteren und einem besonderen Fokus auf den Schutz der Natur. Brandis, die Germanistik, Amerikanistik und Anglistik studierte, begann ihre Karriere als Journalistin, bevor sie sich dem Schreiben widmete. Ihre Bücher zeichnen sich durch spannende Handlungen und eine fesselnde Mischung aus Fantasy und realitätsnahen Themen aus, die junge Leser nicht nur unterhalten, sondern auch zum Nachdenken anregen.

Die Woodwalkers-Reihe, in der Jugendliche mit der Fähigkeit, sich in Tiere zu verwandeln, Abenteuer erleben, vermittelt wichtige Botschaften über Freundschaft, Toleranz und den Umgang mit der Natur. Brandis’ Schreibstil ist zugänglich und bildhaft, was ihre Werke sowohl für junge als auch für ältere Leser attraktiv macht. Mit ihrem Engagement für Umweltthemen und ihrer kreativen Erzählkunst hat Katja Brandis einen festen Platz in der Welt der Jugendliteratur eingenommen und inspiriert mit ihren Geschichten eine neue Generation von Lesern.

Markus Schmölz, der Geschäftsführer des Scala-Kinos in Fürstenfeldbruck, war sichtlich stolz auf den prominenten Besuch in seinem Kino. Das Feedback der Fans für solche Aktionen abseits von Film und Popcorn war überwältigend.

Leichen pflastern seinen Weg – Western-Matinee am Sonntag, 17. November im Scala FFB

16. November 2024

“Leichen pflastern seinen Weg” ist ein Italo-Western aus dem Jahr 1968, inszeniert von Sergio Corbucci, der als einer der bedeutendsten Regisseure des Genres gilt. Der Film, international bekannt als “Il grande silenzio” oder “The Great Silence”, zeichnet sich durch seine düstere Atmosphäre und unkonventionelle Herangehensweise an das Western-Genre aus. Ich bespreche diesen Film in unserer Western-Matinee am Sonntag, 17. November im Scala Fürstenfeldbruck. Karten gibt es hier. Auch das Wetter passt ideal zu diesem Film.

Was diesen Film besonders macht, ist seine radikale Abkehr von den typischen Western-Konventionen. Statt staubiger Wüsten dienen verschneite Berglandschaften als Kulisse, was eine kalte und unerbittliche Stimmung erzeugt. Die beeindruckende Kameraführung von Silvano Ippoliti fängt die eisige Atmosphäre meisterhaft ein und verstärkt die bedrückende Stimmung des Films.

Die Handlung spielt in den schneebedeckten Bergen Utahs während eines strengen Winters im späten 19. Jahrhundert. Der stumme Revolverheld Silence, verkörpert von Jean-Louis Trintignant, wird von verfolgten Gesetzlosen angeheuert, um sie vor skrupellosen Kopfgeldjägern zu schützen. Klaus Kinski brilliert in der Rolle des eiskalten Kopfgeldjägers Loco, der ohne Gewissensbisse Jagd auf die Flüchtigen macht. Zwischen Silence und Loco entspinnt sich ein tödlicher Konflikt, der von Rache, Habgier und moralischer Ambivalenz geprägt ist.

Die Charaktere sind vielschichtig und brechen mit stereotypen Darstellungen. Silence ist kein klassischer Held, sondern ein gebrochener Mann mit eigener tragischer Vergangenheit. Seine Stummheit verleiht ihm eine mysteriöse Aura und macht seine Handlungen umso ausdrucksstärker. Klaus Kinski liefert eine intensive Performance ab, die die Grausamkeit und Unberechenbarkeit seines Charakters eindringlich vermittelt.

Der Soundtrack von Ennio Morricone unterstreicht die melancholische und düstere Stimmung des Films perfekt. Die musikalischen Kompositionen sind zurückhaltender als in anderen Western dieser Zeit, aber gerade dadurch äußerst wirkungsvoll und einprägsam. Ein besonderes Merkmal von “Leichen pflastern seinen Weg” ist sein kompromissloses und überraschendes Ende, das die Erwartungen des Publikums bewusst unterläuft. Diese mutige Entscheidung verleiht dem Film eine zusätzliche Tiefe und regt zum Nachdenken an. Corbucci nutzt den Film, um Themen wie Ungerechtigkeit, Korruption und die Sinnlosigkeit von Gewalt zu thematisieren.
Ich freue mich auf Sie und den Film. Karten gibt es hier.

Filmkritik: Gladiator 2

13. November 2024

Wenn eine Fortsetzung eines Films gedreht wird, um die Story interessanter zu machen, freue ich mich und kaufe mir gerne eine Kinokarte. Wenn jedoch eine Fortsetzung nur gedreht wird, um ausschließlich die Fans abzukassieren, fühle ich mich hinters Licht geführt. Nun kann man selbst entscheiden, was bei Gladiator 2 zutrifft.

Die Story, die uns Ridley Scott hier präsentiert, ist recht dünn. Er entscheidet sich für fettes Popcorn-Kino à la Michael Bay. Bei den Kampfszenen ist Scott in seinem Element, wie er auch bei Napoleon bewiesen hat. Allerdings blieb bei Napoleon die Geschichte auf der Strecke, was zu einem schwachen Film führte. Bei Gladiator 2 hat er offenbar nichts aus dem Napoleon-Desaster gelernt, dennoch wird der Film wohl kein Flop, da eine starke Fan-Base dahintersteht. Hier meine spontanen Eindrücke nach der Pressevorführung.

Die dünne Geschichte des Sandalenfilms zieht sich über eine Spielzeit von 2 Stunden und 30 Minuten – eine Katastrophe für Kinobetreiber, die den Film unterbringen müssen. Die Spielzeit wird nicht mit Story gefüllt, sondern mit Effekten und Kämpfen – klar, wir sind ja im alten Rom. Ridley Scott schreckt dabei nicht davor zurück, CGI-Haie im Kolosseum einzusetzen. Geht es noch absurder? Ein Fokus auf die politischen Intrigen in Rom hätte dem Film sicher gutgetan. Stattdessen gibt es nur den Austausch von Plattitüden, sorgenvollen Gesichtern, und dann folgt die nächste Klopperei mit Schwert und Schild.

Wenn die insgesamt überzeugenden Schauspieler miteinander agieren, lassen sie pathetische Phrasen ab. Immer wieder wird von Ehre und Stärke gefaselt. Der Ausdruck „Stärke und Ehre“ leitet sich vom lateinischen „Virtūs et Honos“ ab. „Virtūs“ lässt sich wörtlich mit „Stärke, Mut, Exzellenz“ übersetzen, und „et Honos“ bedeutet „und Ehre“. In der römischen Gesellschaft bezog sich „virtus“ nicht nur auf körperliche Stärke, sondern auch auf moralische Vortrefflichkeit. Diese Worte scheinen eine Zielgruppe anzusprechen, die dafür empfänglich ist, obwohl sie kaum den lateinischen Ursprung kennt. „Stärke und Ehre“ ist übrigens auch der Name einer politischen Partei in der Ukraine, die am 26. Oktober 2009 gegründet wurde.

Im Kino erinnerte ich mich an „Meine Ehre heißt Treue“, den Wahlspruch der nationalsozialistischen Schutzstaffel (SS), die mit solchen Parolen Menschen köderten. Und da wir schon beim Thema Nationalsozialismus sind: Hollywood hat keinerlei Berührungsängste vor der Bildsprache von Leni Riefenstahl. Immer wieder werden diese gefährlichen Bilder in Hollywood-Filmen verwendet, sei es in Star Wars oder Gladiator 1. Im zweiten Teil wird diese teuflische Bildsprache von Macht und Kraft nochmals verstärkt von Scott eingesetzt.

Paul Mescal spielt unseren Helden Lucius. Der eher unbekannte, 28-jährige irische Schauspieler macht seine Sache gut, bleibt jedoch im Schatten von Filmpapa Russell Crowe und kann daraus nicht hervortreten. Besonders gefallen haben mir die beiden verrückten Kaiser Caracalla (Fred Hechinger) und Geta (Joseph Quinn); vielleicht sind irre römische Kaiser ein gutes Betätigungsfeld, wie man schon bei Peter Ustinov (Quo Vadis) oder Malcolm McDowell (Caligula) sah. Denzel Washington brilliert als Macrinus, und sein Schauspiel ist ein Genuss.

Insgesamt wird der Film sein Publikum finden – Menschen, die nicht von allzu viel Geschichte abgelenkt werden möchten. Hatten wir im ersten Teil noch eine schöne Schlacht in realen germanischen Wäldern, so verliert man sich im zweiten Teil in einer CGI-Seeschlacht bei der Eroberung einer Stadt. Gut gemacht, aber der Auftakt im ersten Teil hatte mehr Zug. Dieses Mal ist zwar alles größer und mächtiger, doch es berührt mich weniger als im ersten Teil.

Wie zu hören ist, hat Scott bereits Ideen für einen dritten Teil. Mein Rat: Ridley, such dir einen neuen Stoff, der dein Talent zu schätzen weiß, und ruiniere nicht deinen guten Ruf.

Der schwarze Falke (1956) – Rückblick auf meine Western-Matinee

12. November 2024

Wir haben es gewagt und wir hatten aufs richtige Pferd gesetzt. Nach meiner erfolgreichen phantastische Matinee im Scala Kino Fürstenfeldbruck starteten wir eine Western-Matinee und waren skeptisch, ob es noch ein Publikum für den Wilden Westen gibt.

Und siehe da: Es gibt es und der Auftakt war John Fords wichtigster Western Der schwarze Falke von 1956. Hier meine Einführung zum Film.

John Fords 1956 veröffentlichter Western „Der schwarze Falke“ („The Searchers“) gilt als eines der bedeutendsten Werke des amerikanischen Kinos. Der Film, der auf Alan Le Mays gleichnamigem Roman basiert, bietet nicht nur eine fesselnde Geschichte, sondern auch eine vielschichtige Charakterstudie und eine kritische Auseinandersetzung mit Themen wie Rassismus, Obsession und Identität – alles Themen unserer Zeit.

Ethan Edwards, gespielt von John Wayne, ist eine komplexe Figur, die von Rache und Hass getrieben wird. Seine rassistischen Einstellungen gegenüber den Native Americans sind tief verwurzelt und beeinflussen seine Handlungen maßgeblich.

„Der schwarze Falke“ markiert einen Wendepunkt in John Fords filmischem Schaffen. Während seine früheren Western oft heroische Narrative und klare moralische Linien zeichneten, präsentiert dieser Film eine düstere und ambivalente Sicht auf den amerikanischen Westen. Ford dekonstruiert den Mythos des edlen Cowboys und stellt die Gewalt und Vorurteile der Pionierzeit in den Vordergrund.

Die nächste Western-Matinee ist am Sonntag, 17. November um 10:45 Uhr. Wir besprechen und zeigen den hervorragenden Italo-Western Leichen pflastern seinen Weg. Karten gibt es hier.

Frankenstein Junior – Phantastische Matinee am Sonntag, 10. November im Scala

7. November 2024

“Frankenstein Junior” (Originaltitel: “Young Frankenstein”) ist eine US-amerikanische Filmkomödie aus dem Jahr 1974, inszeniert von Mel Brooks. Der Film ist eine Parodie auf die klassischen Frankenstein-Filme der 1930er Jahre und gilt als Meilenstein des Comedy-Genres. Ich bespreche und zeige den Film im Scala Kino im Rahmen der phanatstischen Matinee am Sonntag, 10. November um 10:45 Uhr in urgeschnittener Fassung. Karten gibt es hier.

Der Kurzinhalt
Die Handlung dreht sich um Dr. Frederick Frankenstein, gespielt von Gene Wilder, der Enkel des berüchtigten Victor Frankenstein. Frederick, ein angesehener Neurochirurg, distanziert sich bewusst von den Experimenten seines Großvaters und betont die Aussprache seines Nachnamens als “Fronkensteen”. Nach dem Erhalt eines Testaments reist er nach Transsylvanien, wo er das Schloss seines Großvaters erbt. Dort trifft er auf den schrulligen Diener Igor (Marty Feldman), die charmante Assistentin Inga (Teri Garr) und die mysteriöse Haushälterin Frau Blücher (Cloris Leachman).

Trotz seiner anfänglichen Skepsis wird Frederick von den Aufzeichnungen seines Großvaters angezogen und beschließt, dessen Arbeit fortzusetzen. Es gelingt ihm, ein neues Monster (Peter Boyle) zum Leben zu erwecken. Was folgt, ist eine Reihe komischer Missgeschicke und Verwechslungen, die die Grenzen zwischen Horror und Humor verschwimmen lassen.

Meisterwerk
Mel Brooks gelingt es meisterhaft, den Stil und die Atmosphäre der Originalfilme einzufangen. Der Film wurde in Schwarz-Weiß gedreht, was die nostalgische Anmutung verstärkt. Die Verwendung originaler Requisiten aus den Universal-Frankenstein-Filmen und die detailgetreue Ausstattung tragen zur authentischen Stimmung bei.

Die schauspielerischen Leistungen sind herausragend. Gene Wilder überzeugt als innerlich zerrissener Wissenschaftler, der zwischen Vernunft und Wahnsinn schwankt. Marty Feldman liefert als Igor eine unvergessliche Performance mit seinem unverwechselbaren Humor und seinen bissigen Kommentaren. Die Chemie zwischen den Charakteren ist spürbar und trägt maßgeblich zur Komik des Films bei.

Tanzeinlage
Ein besonderes Highlight ist die ikonische Szene, in der Frederick und das Monster das Lied “Puttin’ on the Ritz” aufführen. Diese unerwartete Musical-Nummer ist ein Paradebeispiel für den absurden Humor des Films und bleibt dem Zuschauer nachhaltig im Gedächtnis.

Humorvolle Hommage
“Frankenstein Junior” ist mehr als nur eine Parodie; es ist eine liebevolle Hommage an das klassische Horrorkino. Der Film balanciert geschickt zwischen Respekt vor der Vorlage und satirischer Überspitzung. Die Dialoge sind pointiert, der Wortwitz scharf, und die visuelle Komik ist perfekt inszeniert.

Zeitloser Klassiker
“Frankenstein Junior” ist ein zeitloser Klassiker, der durch seine intelligente Komik und seine stilvolle Inszenierung besticht. Mel Brooks hat einen Film geschaffen, der sowohl Fans des Horrorgenres als auch Liebhaber von Komödien anspricht. Mit seinem einzigartigen Humor und den herausragenden schauspielerischen Leistungen ist dieser Film ein Muss für jeden Cineasten. Ich bespreche und zeige den Film im Scala Kino im Rahmen der phanatstischen Matinee am Sonntag, 10. November um 10:45 Uhr in urgeschnittener Fassung. Karten gibt es hier.

Prag (13) Ein Denkmal für den Filmpionier Karel Zeman

4. November 2024

Als Filmfan war es ein Pflichttermin auf meiner Reise in die tschechische Hauptstadt Prag. Mit dem Besuch des Karel Zeman Museum Prag endet meine kleine Blogserie über Prag.

Jeder, der sich mit dem Animationsfilm und Spezialeffekte beschäftigt, der stößt auf den Namen Karel Zeman. Er ist ein bedeutender Filmpionier und seine Erben haben nahe der Karlsbrücke auf wunderbare Karel Zeman Museum geöffnet. Danke an Isi und Peter für die Empfehlung.

Karel Zeman war ein tschechischer Filmpionier, der mit seinem einzigartigen Stil und seiner kreativen Vision die Filmwelt revolutionierte. Seine Werke, die Animation, Puppenspiel und Live-Action zu einem unverwechselbaren visuellen Erlebnis vereinten, gelten als Meisterwerke des Kinos und inspirierten Generationen von Filmemachern weltweit. Mit Filmen wie „Die Erfindung des Verderbens“ (Vynález zkázy) und „Die Reise in die Urzeit“ (Cesta do pravěku) schuf Zeman Welten, die von der Fantasie des 19. Jahrhunderts inspiriert waren und den Charme von Jules Verne-Geschichten einfingen. Seine Filme zeichnen sich durch ihren unverwechselbaren Stil aus, der traditionelle Animationstechniken mit innovativen Spezialeffekten und Miniaturmodellen verband und damit die Zuschauer auf eine Reise in fantastische und surreal anmutende Welten führte. Hier Eindrücke als Film.

Ich durfte neulich ein Seminar über Münchhausen halten und zitierte den Künstler. Zum Spaß ritt ich auf dem Museum auf seiner Kanonenkugel.

Zemans Arbeit trug entscheidend zur Entwicklung der visuellen Effekte und der Tricktechnik im Film bei und brachte ihm den Titel des „tschechischen Méliès“ ein. Er hatte eine besondere Fähigkeit, historische und wissenschaftliche Themen in unterhaltsame, lebendige Geschichten zu verwandeln, die nicht nur Abenteuer, sondern auch zum Nachdenken anregen. In einer Zeit, in der digitale Effekte noch nicht existierten, setzte Zeman auf handwerkliches Geschick und Experimentierfreude, die seine Filme auch heute noch magisch und zeitlos erscheinen lassen. Durch seine visionäre Kreativität und sein technisches Können setzte Zeman Maßstäbe im Fantasy- und Trickfilmgenre und erweckte eine magische Welt, die noch immer Zuschauer verzaubert.

Das Karel Zeman Museum in Prag ist dem Lebenswerk des renommierten tschechischen Filmemachers. Es befindet sich im Stadtteil Malá Strana, in unmittelbarer Nähe zur Karlsbrücke, und bietet eine interaktive Ausstellung, die sowohl Kinder als auch Erwachsene anspricht. Hier ein VR-Rundgang.

Die Ausstellung ermöglicht es den Besuchern, tief in die Welt von Zemans Filmen einzutauchen. Sie können die Entstehung seiner Werke nachvollziehen und die von ihm entwickelten Tricktechniken kennenlernen. Besonders hervorzuheben ist die Möglichkeit, selbst aktiv zu werden: Besucher können eigene Fotos und Videos erstellen, indem sie die in den Filmen verwendeten Tricks nachstellen.

Das Museum zeigt eine Vielzahl von Exponaten, darunter Originalrequisiten, Modelle und Kulissen aus Zemans Filmen. Es bietet zudem Workshops und Animationen an, die einen tieferen Einblick in die Filmtechniken des 20. Jahrhunderts ermöglichen. Durch den Einsatz moderner Technologien wird Zemans kreatives Erbe lebendig gehalten und für ein breites Publikum zugänglich gemacht.

Für Filmbegeisterte ist das Karel Zeman Museum ein lohnenswertes Ziel, das die Magie des Kinos und die Geschichte der tschechischen Filmkunst auf interessante Weise präsentiert.

Prag (9): Der kleine Maulwurf – Eine tschechische Kultfigur erobert die Welt

31. Oktober 2024

Überall in Prag stoße ich auf ihn und jedes Mal muss ich mich zusammenreißen, dass ich nicht die Geldbörse zücke und mir einen Krtek kaufe. Ich hab es nicht getan, aber ich habe ganz schön mit mir gekämpft, denn Krtek ist ein süßer Kerl.

Krtek ist Tschechisch und ist bei uns eher bekannt als der kleine Maulwurf. Es ist eine beliebte tschechische Zeichentrickfigur, die Generationen von Kindern und Erwachsenen in vielen Teilen der Welt verzaubert hat, mich eingeschlossen. Die Serie wurde 1956 von dem tschechischen Animator und Illustrator Zdeněk Miler erschaffen und begann als eine kurze Animationsgeschichte für Kinder. Die Figur des kleinen Maulwurfs, die bald zu einem Kultsymbol für Kinderunterhaltung wurde, zeichnet sich durch ihre liebenswerte, neugierige und hilfsbereite Persönlichkeit aus und ist vor allem für die Qualität und Ausdruckskraft ihrer Animation bekannt.

Ursprung der Serie und Schöpfer Zdeněk Miler
Die Geschichte des kleinen Maulwurfs begann in den 1950er Jahren, als Zdeněk Miler für das Studio Bratři v Triku arbeitete, ein renommiertes tschechisches Animationsstudio. Die Tschechen können auf eine große Filmtradition verweisen und besonders im Kinderfilm waren sie auch bei uns erfolgreich. Pan Tau kennt in meiner Generation jeder noch.

Miler suchte nach einer neuen Figur, die speziell für Kinder animiert werden sollte. Die Idee kam ihm durch Zufall, als er beim Spaziergang über einen Maulwurfshügel stolperte. Inspiriert von diesem Erlebnis entschied er sich, die Figur eines kleinen Maulwurfs zu schaffen, die bald zu einem internationalen Phänomen werden sollte.

Sein Ziel war es, eine Figur zu erschaffen, die ohne viele Worte auskommt und durch Bewegungen und Mimik kommuniziert. Der kleine Maulwurf spricht fast nie in der Serie – was ihn universell verständlich macht und ihm eine überregionale, zeitlose Anziehungskraft verleiht. Statt gesprochener Worte nutzt der Maulwurf stattdessen Laute, die von Milers eigenen Kindern inspiriert sind und dem Charakter einen unschuldigen, kindlichen Charme verleihen.

Handlung und Themen der Serie
Die Geschichten um den kleinen Maulwurf sind einfach und dennoch tiefgründig, oft mit moralischen Botschaften, die für Kinder leicht verständlich sind. Der kleine Maulwurf lebt in einer friedlichen, bunten Naturwelt, die von verschiedenen Tieren und Pflanzen bewohnt wird. Er begegnet alltäglichen Herausforderungen und Abenteuern, die in kindgerechter Weise erzählt werden und auf Freundschaft, Hilfsbereitschaft und Umweltbewusstsein setzen. Die Episoden sind oft geprägt von seiner Neugier und seinem Wunsch, Dinge zu verstehen oder zu verbessern, was zu spannenden, manchmal humorvollen, manchmal berührenden Abenteuern führt.

Die Erzählungen greifen Themen wie Freundschaft, Zusammenhalt und Naturverbundenheit auf, ohne belehrend zu wirken. Das waren oft die deutschen Kinderserien, die mit viel Pädagogik vollgestopft waren.

Stattdessen wird Kindern spielerisch vermittelt, dass Freundlichkeit, Geduld und Kreativität zum Ziel führen können. Jede Episode ist eine kleine Lektion darüber, wie wichtig es ist, respektvoll mit der Umwelt und seinen Mitgeschöpfen umzugehen – eine Botschaft, die gerade in der heutigen Zeit von wachsender Relevanz ist.

Animation und Stil
Die Serie “Der kleine Maulwurf” ist bekannt für ihre detailreiche und farbenfrohe Animation, die sorgfältig handgezeichnet ist. Die Figuren und Landschaften sind einfach gestaltet, jedoch mit viel Liebe zum Detail, sodass sie eine lebendige Welt erschaffen, die sowohl Kinder als auch Erwachsene anspricht. Die Farbpalette ist fröhlich und einladend, und die animierten Bewegungen des Maulwurfs sowie seiner Freunde wirken sanft und fließend, was der Serie einen einzigartigen Charme verleiht.

Ein weiterer bemerkenswerter Aspekt ist der Verzicht auf Dialoge. Stattdessen wird die Handlung durch Musik und Geräusche unterstützt, die die Emotionen und Aktionen der Figuren unterstreichen. Die Töne und Laute, die der kleine Maulwurf von sich gibt, sind ein unverwechselbares Markenzeichen der Serie. Diese Entscheidung von Zdeněk Miler, die Serie wortlos zu gestalten, machte sie für Kinder auf der ganzen Welt leicht zugänglich und unabhängig von Sprachbarrieren.

Internationaler Erfolg und kulturelle Bedeutung
Obwohl “Der kleine Maulwurf” ursprünglich für ein tschechisches Publikum gedacht war, wurde die Serie bald international ausgestrahlt und fand vor allem in Europa und Asien großen Anklang. In Ländern wie Deutschland, Japan, Russland und China wurde der kleine Maulwurf zur Kultfigur und ist bis heute beliebt. Besonders in Japan und China genießt die Serie bis heute eine große Fangemeinde, wo der kleine Maulwurf als Symbol für kindliche Unschuld und Umweltbewusstsein gesehen wird.

Die Popularität der Serie spiegelt sich auch in verschiedenen Merchandising-Produkten wider, darunter Spielzeug, Bücher, Kleidung und sogar Briefmarken. 2011, nach dem Tod von Zdeněk Miler, blieb der kleine Maulwurf in den Herzen seiner Fans lebendig, und es entstanden neue Projekte und Kooperationen, um die Figur weiterleben zu lassen. Die Figur inspirierte über die Jahre zahlreiche Künstler und Filmemacher und gilt als eine der bedeutendsten Figuren der tschechischen Popkultur. An jeder Ecke in Prag war der Maulwurf zu sehen.

Der kleine Maulwurf heute
In den vergangenen Jahren wurde die Serie durch neue Animationstechniken erweitert, um den kleinen Maulwurf für die jüngeren Generationen noch zugänglicher zu machen, ohne den klassischen Charme der Originalserie zu verlieren. Mit gefällt diese Version nicht, genauso wie mir die 3D-Biene Maja nicht gefällt.

Heute gilt der kleine Maulwurf als ein liebevolles Beispiel für die Kunst der tschechischen Animation und als ein Symbol für Werte, die über Generationen hinweg relevant bleiben. Sein Erfolg zeigt, dass auch einfache Geschichten, getragen von Sympathie und Herz, eine starke kulturelle und emotionale Wirkung haben können.

Die Nacht der reitenden Leichen (1972) – Rückblick auf meine Matinee

27. Oktober 2024

Mit diesem Film habe ich mich immer schwer getan, weil er zwar in kleinen Bereichen innovativ war, aber im Großen und Ganzen ein Schund ist. Die Nacht der reitenden Leichen stand im Mittelpunkt meiner phantastische Matinee im Scala Kino Fürstenfeldbruck und wurde von mir bewusst als Trash-Kino angekündigt.

Regisseur Amando de Ossorio schuf mit diesem Film das erste Werk einer vierteiligen Serie, die die untoten Templer-Ritter als unheimliche, reitende Leichen in den Mittelpunkt stellt. Die mystische und unheimliche Atmosphäre, die charakteristischen Zombies und der nihilistische Ton des Films prägten das Genre nachhaltig und haben bis heute eine bemerkenswerte Wirkung auf die Popkultur. Obwohl der Film einfach schlecht ist, hat er eine große Fanbase. Hier mein Vortrag:

Die visuelle Darstellung der untoten Templer-Ritter, die auf ihren Geisterpferden reiten, wurde zu einem ikonischen Bild des Horrorkinos. Die Kombination aus verrottenden Leichnamen in alten Ritterrüstungen und den durchdachten, düsteren Kamerafahrten erzeugte eine Atmosphäre der Bedrohung, die in den 1970er Jahren einzigartig war. Das Filmmaterial war für die damalige Zeit bemerkenswert düster und brutal und setzte Maßstäbe für spätere Exploitation- und Gore-Filme.

Die Kombination aus mittelalterlicher Mythologie und Untoten bot eine Grundlage für Horror, der sich von der bis dahin vorherrschenden Zombie-Darstellung abhob. Anders als die damals üblichen Menschenfresser-Zombies in Filmen wie George A. Romeros „Night of the Living Dead“ (1968) waren die reitenden Leichen von Ossorio untote Ritter mit einem übernatürlichen und okkulten Hintergrund, was dem Film eine besondere mystische und historische Tiefe verlieh.

Innovative Monster
Anstelle der üblichen Zombies präsentiert der Film intelligente, organisierte und mythologisch fundierte Kreaturen. Die Tempelritter haben eine eigene Hintergrundgeschichte, was ihnen Tiefe und Komplexität verleiht.

Langsamkeit als Horror-Element
Die langsame, aber unaufhaltsame Bewegung der Tempelritter erzeugt eine beklemmende Spannung. Dieses Stilmittel beeinflusste später viele Horrorfilme, in denen die Bedrohung nicht durch Schnelligkeit, sondern durch Unvermeidbarkeit dargestellt wird.

Geräuschbasierte Verfolgung
Die Blindheit der Tempelritter und ihre Abhängigkeit von Geräuschen fügen dem Genre eine neue Dimension hinzu. Dieses Konzept zwingt die Protagonisten zu stiller Bewegung und verstärkt die Spannung in den Verfolgungsszenen.

Populärkultur
In der Filmindustrie und der Popkultur sind die Templer-Zombies zu einem wiederkehrenden Motiv geworden. Besonders in der Darstellung von mittelalterlichem Horror und okkulten Themen findet man häufig Anleihen aus Ossorios Filmen. So hat der Film eine visuelle und thematische Grundlage für viele spätere Horrorfilme und sogar für Fantasy-Genres geschaffen. Die Vorstellung von untoten Rittern oder Kriegern wurde in vielen Filmen und Serien weiterentwickelt, etwa in der Serie „Game of Thrones“, in der die Weißen Wanderer (White Walkers) als untote Krieger eine ähnliche unheilvolle Bedrohung darstellen.

Die nächste Phantastische Matinee findet am Sonntag, 10. November um 10:45 Uhr im Scala Kino Fürstenfeldbruck statt. Wir besprechen und zeigen die Satire Frankenstein Junior von Mel Brooks. Karten gibt es hier.

Legenden: Filmrequisiten-Sammler Jan Eric Hauber: Warum hat Bayern kein wirkliches Filmarchiv?

20. Oktober 2024

Es gibt Leute, die sammeln Streichholzschachteln. Es ist Leute, die sammeln Bierdeckel. Und es gibt Leute wie Jan Eric Hauber, die sammeln Filmrequisiten. Markus Elfert vom Filmreport und Matthias J. Lange von redaktion42 haben diesen sympathischen Sammler im Lokschuppen in Rosenheim zum Interview getroffen.

Bei ihm begann es mit der TV-Serie Magnum. Von 1980 bis 1988 flimmerte die unterhaltsame Serie mit acht Staffeln über unsere TV-Schirme und wir saßen vor der Glotze, um die Abenteuer auf Hawaii von Thomas Sullivan Magnum IV und Jonathan Quayle Higgins III, dem roten Ferrari und den Dobermännern zu genießen.

Jan Eric Hauber war einer von uns TV-Enthusiasten und bei ihm wurde die Lust aufs Sammeln geweckt. Ab 1999 suchte Hauber, der im Hauptberuf Kunstlehrer und passionierter Jazzmusiker ist, auf eBay nach Filmrequisiten zu Magnum. Ein Saxophon aus der Serie war der Start der Sammlung, die größer und größer wurde. Hauber kam als Fan zum Sammeln und die Käufe waren nicht als Geldanlage gedacht, wie es heute manche so genannte Sammler tun. „Es ist eine Herzenssache“, gibt es offen im Interview zu. In unserem Interview erzählt Jan Eric Hauber viel von seinen Objekten wie Operation Walküre bis hin zu seinem Schatz Shaun das Schaf.

Übrigens, den Ferrari aus Magnum besitzt Hauber nicht, dafür drei Originalnummernschilder des Fahrzeugs und unglaublich viele Requisiten aus der Serie. Das größte Magnum-Objekt ist ein VW-Bus mit der Lackierung Island Hoppers, der verschrottet werden sollte. Heute steht das Auto in Franken.

Ein Kämpfer für den Film
Aber Jan Eric Hauber ist nicht nur ein Sammler, er ist auch ein Kämpfer für den Film. Es stellt sich die Frage, warum hat Bayern kein Filmarchiv hat, wo solche Filmrequisiten ausgestellt und wissenschaftlich zugänglich gemacht werden. Filmproduktion ist im Freistaat ist ein wichtiger Wirtschaftsfaktor, aber die wissenschaftliche Aufarbeitung des Thema in Form einer Archives ist nicht vorhanden.

Frankfurt, Düsseldorf oder Berlin haben solche Institutionen, aber in Bayern fehlt so etwas. Die Bavaria oder Arri würden sich natürlich hier anbieten, aber auch andere Standorte kämen in Frage. Die Dokumente des Münchner Regisseurs Helmut Dietl werden beispielsweise in Berlin aufbewahrt, obwohl München und der Freistaat sich immer wieder mit den Münchner Geschichten, Kir Royal, Monaco Franze und andere Dietl-Werke brüsten. „Das gehört zu uns nach Bayern, nach München“, so die Bitte von Jan Eric Hauber, der das Gespräch mit den Verantwortlichen aus der Politik sucht und gerne zur Verfügung steht. Weitere Beispiele sind Requisiten und Originale von Rainer Werner Fassbinder oder die Winnetou-Kostüme von Rialto. Es ist so vieles vorhanden, aber nichts professionell archiviert und aufbereitet. Das wäre eine Kulturförderung, die dem Filmstandort Bayern gut zu Gesichte stünde.

Musiktipp: Musik aus Edgar Wallace Filmen von Peter Thomas

17. Oktober 2024

Es gibt sie noch, die kleinen, aber feinen Perlen und dies auch bei einem Künstler bei dem ich dachte, ich kenne schon viel. Nein, bei Peter Thomas ist es wieder soweit. Es erscheint dieser Tage eine neugestaltete und neuzusammengestellte Compilation von Musik aus den Edgar Wallace Filmen. Und auch unveröffentlichte Schätze.

Der leider verstorbene Peter Thomas war der Hauskomponist der Rialto-Filme, die mich als Kind faszinierten und mich heute weitgehend amüsieren. Ich hab mir die Komplettbox der Filme angeschafft. Und nun veröffentlicht das kleine, spezialisierte Label Allcore diesen musikalischen Leckerbissen auf CD und Vinyl. Dietmar Bosch hat mir eine Vorab-CD zugeschickt, nachdem die limitierte Special Edition auf rotem Vinyl geordert habe, die in den nächsten Tagen veröffentlicht wird.

Es gab 2000 vom gleichen Label schon mal ein Album mit Musik aus Edgar Wallace-Filmen, aber hier mussten sich Peter Thomas und der auch großartige Martin Böttcher den begrenzten Platz auf dem Album teilen. Jetzt hat Peter Thomas ein ganzes Album mit seiner Edgar Wallace Musik für sich – und das steht im sicher zu. In Zusammenarbeit mit Philip Thomas, der den Nachlass seines Vaters Peter Thomas verwaltet, ordnet und sichtet, hat Dietmar Bosch einen wahren Leckerbissen auf den Markt gebracht.

Mit den deutschen Edgar-Wallace-Filmen, überwiegend produziert von der Rialto Film, entstand zwischen 1959 und 1972 die am längsten fortgesetzte Kinofilmreihe der Deutschlands. Die Verfilmungen der Werke des britischen Kriminalschriftstellers waren von Anfang an ein großer Erfolg, was nicht zuletzt auch am unkonventionellen Einsatz signifikanter Musik lag. „Hallo hier spricht Edgar Wallace“ und dann Schüsse aus einem Maschinengewehr – was hab ich mich als Kind davor gefürchtet.

Für den unverwechselbaren Sound fast der Hälfte dieser Thriller (18 von 38) zeichnete Peter Thomas verantwortlich. Dabei konnte er sich, je nach Budget, ordentlich austoben: Schreie, Schüsse, das Klacken von Schnappmessern – es wurde eingebaut, was gefiel. Und wenn man die Scheibe über Kopfhörer hört, gehen diese oft leise eingespielten Effekte voll auf die Birne – genial.
Auf dem hier vorliegenden Album sind alle 17 Titelmusiken und sechs weitere Stücke enthalten, die Peter Thomas zwischen 1961 und 1971 für die Wallace-Reihe schrieb. Es ist somit die erste Compilation, die alle von Peter Thomas mit Musik versorgten Filme der Reihe umfasst. Darunter sind fünf Erstveröffentlichungen. Auf der CD finden sich außerdem vier Bonustracks, die sich bereits auf der längst vergriffenen Best of Edgar Wallace-CD von 2000 befanden.
Also unbedingt zugreifen und sich ein Exemplar sichern, denn es ist unmöglich von Edgar Wallace bzw Peter Thomas nicht gefesselt zu sein.