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Musiktipp Roll with the Punches von Van Morrison

22. September 2017

Gut, dass ich im Bett lag als ich die ersten Töne des neuen Van Morrison Albums Roll with the Punches via Amazon Music hörte. Ich lag in meinem Hotelbett als Amazon per Mail meldete, dass ich das Album via Stream hören könnte. Pflichtbewusst hatte ich mir das neue Van Morrison-Album Roll With the Punches vor Wochen vorbestellt, nun wurde es veröffentlicht und es haute mich um.


Van Morrison bringt in schöner Regelmäßigkeit Alben auf den Markt, in den vergangenen Jahren waren keine wegweisenden Aufnahmen mehr dabei. Der Tiefpunkt war für mich Duets von 2015. Aber Van Morrison kann es noch. Er lebt den Blues. Roll with the Punches ist Blues pur und er haut dich um. Gut, dass ich ja noch im Bett lag.
15 Blues Songs, davon fünf aus eigener Feder, zeigen, warum John Lee Hooker den Musiker als „besten weißes Bluessänger“ bezeichnet hat. Die anderen Songs sind Klassiker, immer wieder gehört, aber selten in so einer intensiven Interpretation. Und Van the Man hat darauf geachtet, dass die Aufnahmen perfekt zusammenpassen. Es ist kein Album mit einzelnen Songs, sondern ein kompaktes, aufeinander abgestimmtes Blues-Album.
Die Wirkung auf mich war grandios. Ich lag im Bett, wollte eigentlich aufstehen und mich auf den Tag vorbereiten. Aber ich war in Bluesstimmung, hörte den Blues und bliebt liegen. Roll with the Punches haute mich um, knockte mich aus. Van Morrison traf den Ton, traf die Stimmung: Er singt intensiv wie lange nicht mehr, aus tiefster Seele. Der Blues im Mittelpunkt seines Albums, dazu ein wenig Jazz, dann ein wenig Rock. Die Rezeptur ist perfekt, die Präsentation des Ergebnisses ebenso.
Bei Roll with the Punches hatte der musikalische Eigenbrödler wieder ein paar Helfer an seiner Seite. Georgie Fame und Chris Marlowe durften wieder mal mitspielen und vor allem Jeff Beck zupfte bei „Bring it on Home to me“ mit. Mit dem Aufruf „Allright Jeff“ motiviert Van seinen Gastgitarristen zu einer intensiven Einlage.
Also klar Musiktipp aus dem Bett. Wer auf Blues steht, der sollte sich von Van Morrison und seinem Roll With the Punches einen Schlag versetzen lassen.

 

 

Musiktipp: Keep me singing von Van Morrison

30. Januar 2017

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Da ist er wieder, der störrische alte Knabe, der Mann der Irland den Blues brachte. Van Morrison hat sein neues Album Keep me singing veröffentlicht. Es ist im Herbst erschienen und ich hatte jetzt erst die Muse es richtig anzuhören. Und es ist schlichtweg ein Hammer. Wer den Iren mag, wird nicht enttäuscht sein. Es ist mit Abstand sein bestes Album der vergangenen Jahre.
Wenn ein anderer Künstler Keep me singing aufgenommen hätte, wären die Kritiker auf die Knie gefallen. Bei einem Meister wie Van Morrison nehmen sie dieses Album zur Kenntnis. Schließlich sprechen wir nicht von irgendeinem Songwriter, wir sprechen von Van Morrison, der zahlreiche Klassiker herausgebracht hat. Er erfindet sich immer wieder neu und eigentlich nimmt er seit Jahrzehnten die gleiche Platte immer wieder neu auf. Die neuen Songs klingen so vertraut, als ob ich sie seit Jahren kenne. Melodie, Dramaturgie, Inhalt – alles genial. Es ist so, als ob Van Morrison nie weg gewesen war. Er schließt nahtlos mit Keep me singing an seine Klassiker an. Welcher Musiker kann dies von sich behaupten?
Der Mann mit seinen 71 Jahren ist immer noch grantig, in Bayern sagt man bei uns, er ist ein Grantler, aber einer auf ganz hohem Niveau. 13 Songs sind auf dem Album, davon eine Coverversion. Ich habe dieses Album bei einer guten Flasche (schottischem) Whisky genossen – verzeih lieber Van ich mag schottischen lieber als irischen Whisky. Ich habe die Beleuchtung reduziert, die Musik aufgedreht und hab es genossen. Augen zu und der Musik gelauscht – so kann jeder Abend verlaufen. Es ist dieses Mal ein ruhiges Album geworden, ein bisschen Jazz ist eingeflossen. Ich hab sie zum ersten Mal im warmen Sonnenuntergang im Herbst gehört und die sentimentale Stimmung hat mich verzaubert. Jetzt ist es Winter und ich sitze beim warmen Sonnenuntergang und kann genießen.
Für mich zählt Van Morrsions Keep me singing zu den positiven Alben des vergangenen Herbsts und ich kann das Album bedenkenlos empfehlen.

Musiktipp: Qxygene 3 von Jean-Michel Jarre

7. Dezember 2016
40 Jahre nach Oxygene kommt nun Oxygene 3.

40 Jahre nach Oxygene kommt nun Oxygene 3.

Mir war nicht ganz wohl, als ich die CD auspackte und in den Player legte, den Kopfhörer aufsetzte und Play drückte. Nach den ersten Takten, nach den ersten Stücken war ich allerdings versöhnt. 40 Jahre nach dem Erscheinen von Qxygene veröffentlichte Elektronikpionier Jean-Michel Jarre vor kurzem seinen dritten Teil. Nach zwei Alben der jüngsten Zeit, die mir eher durchschnittlich gefallen haben, kommt jetzt Oxygene 3 auf den Markt. Es ist eine solide Weiterentwicklung des Konzepts und das Album macht mir einen riesigen Spaß. Ich vermisse zwar das Blummbern und Zischen der alten Tage, aber Jean-Michel Jarre hat seine Ideen weiterentwickelt und ins 21. Jahrhundert gerettet. Qxygene 3 ist moderner geworden ohne seine Ursrpünge zu verleugnen.

Den ersten Eindruck von Qxygene 3 bekam ich im November bei einem Konzert in Nürnberg. als Jean-Michel Jarre den Track 17 aus dem neuen Album live spielte. Das Konzert und auch die Musik von Qxygene 3 hat mir gefallen, wie ich auch in meinem Blog geschrieben habe.
Nun Oxygene 3 setzt die Tradition der Nummerierung fort. Dieses Mal sind die Stücke Oxygene 14 bis 20 enthalten und zudem ein Continuous Mix. Ich habe mir die Oxygene Trilogy gekauft. Zwar hatte ich das Album von 1976 auf LP und CD, das Album Oxygene 2 finde ich nicht mehr und so war der Kauf der Trilogie beschlossene Sache.
Das neue Album startet unaufgeregt, sphärisch. Als ich die ersten Takte hörte, löste sich die Spannung. Endlich, endlich bringt er mir das, was ich an Jarre mag. Allerdings sind die Melodien des ersten Albums in den 40 Jahren verloren gegangen. Jarre ist mit der Zeit gegangen. Es gibt heute viel mehr Rhythmus und weniger Melodie. Vielleicht hat er sich auch mit den Sequenzer ein paar Mal zu einfach gemacht. Das war bei der Electronica-Tour zu bemerken und ist auch hier zu bemerken. Als Fan der ersten Stunde stört mich das ein wenig, aber es ist wohl der Lauf der Dinge.
Die Begeisterung über die elektronischen Klänge wird Jarre heute nicht mehr auslösen. Was vor 40 Jahren eine Revolution war und zum Gesprächsthema war, provoziert heute keinen mehr. Elektronische Musik ist heute Bestandteil der Musikwelt geworden, aber das sind Tüftler wie Jarre, Schulze, Kraftwerk und Froese zu verdanken. Für mich war die Musik eine Zeitreise. Jarre nahm mich mit auf eine Reise durch meine Gedanken. Was früher Space-Musik war, inspiiert heute meine Gedanken. Als ich den Kopfhörer wieder absetzte, war ich wieder in meinem Musikzimmer. Für die Art der Reise bin ich Jean-Michel Jarre dankbar. Nach Luft schnappen, wie früher einmal, musste ich heute nicht mehr und auch das ist gut so. Oxygene 3 kommt auf mein iPhone und wird eine Zeitlang musikalischer Begleiter auf meinen Reisen sein.

Kein Musiktipp: Woodstock 40

13. Januar 2013

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Ja, ich gebe es zu. Ab und zu hänge ich noch am Sechzigerjahre Tropf. Die Musik der damaligen Zeit gefällt mir bis heute sehr gut. Und wenn wir von den Sechzigern sprechen, dann sprechen wir auch von Woodstock. Das große Rockfestival war rückblickend gesehen ein Fiasko, als Gesamtprodukt allerdings ein Millionen Erfolg, das fette Dollars einbrachte. Der Kinofilm, aber vor allem die Musik spülten Millionen in die Kassen der Veranstalter.

Ich hatte schon die legendären Woodstock eins und zwei Schallplatten später CD‘s, jetzt kaufte ich mir aber die sechs CD Box Woodstock 40. Die Box umfasst viele Aufnahmen der drei Tage von Liebe, Frieden und Musik. Ich hab sie gekauft, um auch den letzten Ton des legendären Musikfestivals genießen zu können oder sogar um Schätze zu finden.

Das hätte ich besser sein lassen sollen. Wie bei jedem Festival gab es auch bei Woodstock A- und B-Stars. Ich hätte es eigentlich besser wissen müssen. Nicht jede Note, sei sie auch noch auf dem legendären Festival gespielt wurden, ist ein Genuss. Dabei meine ich vor allem Quill, die wohl im Drogenrausch versunken sind. Viele der Künstler können es halt einfach nicht. Oder sie hatten einfach einen schlechten Tag. Ich denke in die letztere Kategorie fällt vor allem der Auftritt von Grateful Dead. Vielleicht waren es zu viel Drogen, vielleicht war es zu viel Stress. Dieser Auftritt ging daneben und wurde zurecht bisher nicht veröffentlicht.

Zu den verfiel ich den Irrglauben, dass die sechs CD Box endlich mal das gesamte Festival zeigen würde. Das ist ein Irrtum. Der wirklich gute und enorm wichtiger Auftritt von Ten years after mit Going home ist gar nicht CD. Warum schaffen es die Plattenfirmen eigentlich immer noch nicht, sich zu einigen? Muss erst die gesamte Musikindustrie hinweg gefegt werden, damit sie von ihren Rechten abdrücken. Den Künstlern und den Fans tut man mit so einem Vorgehen keinen Gefallen.

Ja, ich gebe zu: die Box sieht schön aus. Auch das beiliegende Heft ist nett editiert. Einige Fotos kannte ich noch nicht. Die Texte sind in der Regel eine Lobhudelei auf die alten Zeiten und ich kann getrost darauf verzichten. Was mich als Fan interessierte, dass erstmals die vollständige Trackliste der Auftritte zugänglich ist. Und ja, ich gebe auch zu, dass der Sound wirklich besser geworden ist: Eddie Kramer hat aus dem zum Teil grauenhaften Material unglaubliches geleistet. Dennoch: Mist bleibt Mist, auch wenn er nun glasklar daherkommt wie in Woodstock 40.

Musiktipp: Timm Thaler von Christian Bruhn

3. Juni 2012

Natürlich war ich als Kind ein Fan der ZDF-Weihnachtsserie Timm Thaler. Der Erfolg der Serienfigur war lange Zeit der Fluch des Hauptdarstellers Thomas Ohrner. Den Erfolg der Serie machte nicht nur die nette Geschichte von James Krüss, die schauspielerischen Leistungen von Ohrner und vor allem Horst – es ist der Teufel – Frank aus, sondern auch die fabelhafte Musik von Christian Bruhn. Er schrieb 1980 den legendären deutschen Soundtrack zu Captain Future, der ihn in die Herzen der Fans katapultierte und weitere Aufträge sicherte. Ein Jahr zuvor spielte Bruhn, der übrigens von 1991 bis 2009 Aufsichtsratsvorsitzender der GEMA war und heute Musikprofessor in Nürnberg ist, den Soundtrack zu Timm Thaler in seinen Münchner Studie ein.

Das Kölner Label Diggler veröffentlichte dankenswerter Weise im Jahre 2004 den Soundtrack Timm Thaler mit vier Bonus-Tracks, 16 Seiten Booklet und einem Grußwort von Christian Bruhn. Beim Reinhören erkenne ich wieder, dass Captain Futureund Timm Thaler nahezu Geschwister sind. Ideen von Timm Thaler werden bei Captain Future wieder aufgegriffen und perfektioniert. Jeder, der den Space-Sythni-Sound von Captain Future mag, sollte unbedingt den Soundtrack von Timm Thaler hinein hören. Vor allem das melancholische Thema der Serie in G-Moll mit Moog-Flöten von Kristian Schulze geht ins Ohr und erinnert an die Jugendtage vor dem Fernseher. Aber auch die andere Musik des Albums zeigt das Können von Bruhn. Wunderbare analoge Synthi-Musik, warm, technisch, leicht jazzig – und trotz des hohen Alters ist die technische Qualität der Aufnahme ein wahrer Hörgenuss.

Bruns hat dafür gesorgt, dass ich als Kind gerne vor der Glotze gesessen habe und hat meine persönliche TV-Geschichte geprägt. Ohne Bruhn wäre meine TV-Erfahrung eine andere gewesen, sie wäre langweilig. Bruhn schuf den Sound zu Wickie, Silas, Sinbad, Jack Holborn, die Wicherts von nebenan. Aber auch Bruhn war zu seiner Zeit ein moderner Sounddesigner. Er schuf die Jingels für u.a. die LBS „Wir geben ihrer Zukunft ein zu Hause LBS!“ und Milka „die zarteste Versuchung, seit es Schokolade gibt“. Dafür ein herzliches Dankeschön von meiner Seite an Christian Bruhn.

Musiktipp: Princess Mononoke von Joe Hisaishi

29. Mai 2012

Als Bewunderer von Hayao Miyazaki schaute ich mir vor kurzem mal wieder Prinzessin Mononoke auf DVD an. Der Film – inzwischen ein Klassiker des Animie-Kinos – haute mich wie jedes Mal vom Hocker. Dieses Mal achtete ich aber mehr auf die Musik als auf die eindrucksvollen Bilder. Und der Soundtrack Prinzessin Mononoke steht dem Film um nichts nach. Was mich verwunderte, er orientiert sich mehr an Hollywood als an seinen japanischen Wurzeln. Klar, ein Joe Hisaishi steht im Schatten eines John Williams oder Jerry Goldsmith, aber dieser Mann versteht sein Handwerk, das hörbar von Philip Glass beeinflusst wurde. Die Soundtracks von Joe Hisaishi haben nie den Erfolg gehabt, den sie eigentlich haben sollten. Dies liegt wohl daran, dass er Insidern bekannt ist, aber durch seine Kompositionen für andere Animie-Filme dem breiten Publikum unbekannt bleibt. Ein Hans Zimmer wird er nicht und das ist gut so.

Hisaishis Musik hat Atmosphäre und ihren Reiz. Das musikalische Thema des Soundtracks „The Legend of Ashitaka“ hat Größe, ist eingängig und wird facettenreich variiert. Der Wechsel zwischen opulenter Kraft und musikalischer Leichtigkeit ist wunderbar. Großes Orchester und einzelne Instrumente sowie drei Vocal-Stücke – alles wird eine solide Einheit.

Der Soundtrack berührt, genauso wie der Film und wenn wie bei „Tatara Women Work Song“ dann doch die japanische Kultur durchbricht, dann ist das ein absoluter Gewinn für den Soundtrack. Das Flair der asiatischen Kultureinflüsse ist auch für westliche Ohren eine Bereicherung und reicht Gott sei Dank über die Weichspülmusik in asiatischen Restaurant hinaus. Ich bring es mal auf den Punkt: Wer die Filme von Hayao Miyazaki mag, der wird auch die Musik von Joe Hisaishi mögen und den Soundtrack zu Prinzessin Mononoke im Besonderen.