Archive for the ‘Film’ Category

Die Nacht der reitenden Leichen – Phantastische Matinee am Sonntag, 13. Oktober im Scala

12. Oktober 2024

Der spanische Horrorfilm La noche del terror ciego (deutsch: „Die Nacht der reitenden Leichen“) aus dem Jahr 1972 ist ein Trashklassiker des Horror- und Exploitation-Kinos, der weltweit einen bedeutenden Einfluss auf das Genre ausübte. Ich bespreche und zeige den Film im Scala Kino im Rahmen der phanatstischen Matinee am Sonntag, 13. Oktober um 10:45 Uhr in urgeschnittener Fassung. Karten gibt es hier.

Regisseur Amando de Ossorio schuf mit diesem Film das erste Werk einer vierteiligen Serie, die die untoten Templer-Ritter als unheimliche, reitende Leichen in den Mittelpunkt stellt. Die mystische und unheimliche Atmosphäre, die charakteristischen Zombies und der nihilistische Ton des Films prägten das Genre nachhaltig und haben bis heute eine bemerkenswerte Wirkung auf die Popkultur.

Die Kombination aus mittelalterlicher Mythologie und Untoten bot eine Grundlage für Horror, der sich von der bis dahin vorherrschenden Zombie-Darstellung abhob. Anders als die damals üblichen Menschenfresser-Zombies in Filmen wie George A. Romeros „Night of the Living Dead“ (1968) waren die reitenden Leichen von Ossorio untote Ritter mit einem übernatürlichen und okkulten Hintergrund, was dem Film eine besondere mystische und historische Tiefe verlieh.

Bedeutung für das Horrorgenre
Die Templer-Zombies in „Die Nacht der reitenden Leichen“ haben einen bedeutenden Einfluss auf die Darstellung von Zombies und Untoten im Horrorkino. Während die meisten Filme bis dahin auf körperliche Verwesung und kannibalische Tendenzen der Untoten fokussiert waren, schuf Ossorio eine völlig neue Art von Zombie, die sich durch ihre Langsamkeit, Blindheit und Unaufhaltsamkeit auszeichnet. Diese Eigenschaften erhöhten den psychologischen Horror und den Suspense-Faktor des Films, da die Opfer der Templer oft in einer hilflosen Lage gefangen waren, während sie von den lautlosen, aber unaufhaltsamen Rittern verfolgt wurden.

Die visuelle Darstellung der untoten Templer-Ritter, die auf ihren Geisterpferden reiten, wurde zu einem ikonischen Bild des Horrorkinos. Die Kombination aus verrottenden Leichnamen in alten Ritterrüstungen und den durchdachten, düsteren Kamerafahrten erzeugte eine Atmosphäre der Bedrohung, die in den 1970er Jahren einzigartig war. Das Filmmaterial war für die damalige Zeit bemerkenswert düster und brutal und setzte Maßstäbe für spätere Exploitation- und Gore-Filme.

Zudem prägte „Die Nacht der reitenden Leichen“ durch seine langsamen und erbarmungslosen Monster das Konzept der unaufhaltsamen, nicht-menschlichen Bedrohung, ein Motiv, das später in zahlreichen Horrorfilmen wiederholt aufgegriffen wurde. Dieses Konzept findet sich unter anderem in Filmen wie „Halloween“ (1978) und „The Terminator“ (1984), wo ebenfalls eine scheinbar unaufhaltsame Macht, die oft eine übernatürliche oder maschinelle Qualität besitzt, die Protagonisten verfolgt.
Karten für die phantastische Matinee gibt es hier.

Frankensteins Braut (1935) und Frankenstein (1910) – Rückblick auf meine Matinee

8. Oktober 2024

Frankensteins Braut (Bride of Frankenstein) ist der 1935 unter der Regie von James Whale entstandene Film und gilt als eines der besten Werke des klassischen Horrorfilms. Ich hab den Film in meiner phantastischen Matinee im Scala Fürstenfeldbruck vorgestellt. Zusätzlich gibt es eine cineastische Überraschung, die Aufführung der ersten Frankenstein Verfilmung 1910.

Frankensteins Braut ist eine Fortsetzung des 1931 erschienenen Films Frankenstein und setzt die Geschichte des Monsters und seines Schöpfers, Dr. Frankenstein, fort. Frankensteins Braut wird oft als eine der wenigen Fortsetzungen betrachtet, die das Original nicht nur erreicht, sondern in vielerlei Hinsicht übertroffen hat. Hier mein Vortrag.

Frankensteins Braut vertieft die Themen, die im ersten Film behandelt wurden, insbesondere die Fragen nach der Verantwortung des Schöpfers und der Natur des Lebens. Der Film setzt sich intensiv mit der Einsamkeit und dem Leid des Monsters auseinander, das, obwohl es furchterregend ist, zugleich als eine tief tragische Figur dargestellt wird. Die Figur des Monsters, gespielt von Boris Karloff, sucht nach Zugehörigkeit und Verständnis, was zu seiner tragischen und unvergesslichen Darstellung beiträgt.

Frankenstein (1910)
Eine besondere Überraschung gab es mit dem 13minütigen Film Frankenstein von 1910 aus den Edison-Studios. Hier mein Vortrag zu diesem Leckerbissen.

Und die nächste phantastische Matinee im Scala Kino Fürstenfeldbruck steht vor der Tür. Ich bespreche und zeige am Sonntag, 13. Oktober um 10:45 Uhr den Trash-Klassiker Die Nacht der reitenden Leichen in angeschnittener Fassung. Karten gibt es hier oder an der Tageskasse.

Corgi TY99283 James Bond Collection Air, Sea & Space

2. Oktober 2024

James Bond verbinde ich in der Regel mit schnellen Autos, aber 007 ging immer wieder in die Luft oder unters Wasser. Corgi stellte mit der Corgi TY99283 James Bond Collection Air, Sea & Space eine Sammlung von Verkehrsmittel vor. Alle Modelle sind reine Schauobjekte und haben keinerlei Gimmicks, wie die größeren Modelle von Corgi.

Und trotzdem musste ich als Bind-Fan diese Dreier-Box haben, um sie ins Archiv zu stellen. Sie enthält den Lotus Esprit S1 aus Spion, der mich liebte. Über den großen Bruder habe ich bereits gebloggt. Dann für mich das Highlight ist Little Nellie, der Ein-Personen-Hubschrauber aus Man lebt nur zweimal. Mir unverständlich, warum die Bond-Figur mit Zügen von Sean Connery in klassischer Bond-Haltung mit Pistole in Qs Fluggerät sitzt. Im Film hat er es nicht. Da ist wohl die Fantasie der Designer von Corgi durchgegangen. Langweilig ist dann noch ein Space Shuttle aus Moonraker. In der größeren Version von Corgi konnte man wenigstens die Luke öffnen und ein Drax-Satellit war darin.

Alle drei Modelle können nichts, sind aber nett anzusehen. Also nur was für Sammler, aber nichts besonders.

Gedanken an Dame Maggie Smith

28. September 2024

Dame Maggie Smith ist im Alter von 89 Jahren verstorben. Die zweifache Oscar-Preisträgerin spielte sich in unser aller Herzen und war eine gefragte Schauspielerin. Als letztes spielte sie Brunhilde Pomsel, die Sekretärin von Joseph Goebbels. Ich habe das Stück nie gesehen.

Für meine Kinder war sie Professor Minerva McGonagall aus Harry Potter. Für meine Frau und mich war sie die Dowager Countess Violet Crawley in Downton Abbey.

Wir genossen ihre Interpretation der Aristokratin und sobald sie auf dem TV-Schirm auftauchte, zauberte sie uns ein Lächeln ins Gesicht. Natürlich war Maggie Smith mehr als die beiden populären Figuren – sie war für die Briten auch Shakespeare, für Spielberg die Wendy in Peter Pan und viele, viele Rollen mehr.

In Downton Abbey gibt es eine Szene, die ich besonders liebe. Es ist aus der Season 1, Episode 2 – The Great War. Die furchteinflößende, scharfzüngige und zugleich witzige Aristokratin fragt, was ein Wochenende ist, als Matthew es in einem Gespräch erwähnt. Köstlich und lehrreich zugleich. Bis in die 1950er Jahre war das, was die britische Mittelschicht ein „Wochenende“ nannte, für die Aristokratie „Samstag bis Montag“. Selten wurden Klassenunterschiede in Britannien so genial dargestellt.

Und ich liebe die Interpretation von Sir Ian McKellen über Maggie Smith über die Oscar-Verleihung von Herr der Ringe und der gemeinsame Besuch im Thronsaal von Buckingham Palace. Köstlich.

Corgi CC04514: Barbara Bach oder doch lieber der Lotus S1

23. September 2024

Als ich 1977 im Kino den Bond-Film der Spion, der mich liebte sah, habe ich mich in Barbara Bach und den Lotus verliebt. Frau Bach war unerreichbar, aber den Lotus bekam ich von meinen Eltern als Spielzeug von Corgi geschenkt. Leider ist er im Laufe der Jahre verloren gegangen. Er wurde exzessiv von mir bespielt und die Raketen flogen im ganzen Kinderzimmer herum, bis sie schließlich ganz verschwunden waren.

Der Lotus von Corti in der Ausgabe von 1977 in Originalverpackung erzielt bei eBay Höchstpreise, aber ich habe mir mit der Wiederauflage des Fahrzeugs als Corgi CC04514 ein kleines, preiswerteres Geschenk gemacht. Den Lotus Esprit S1.

Es ist im Grunde der genaue Nachbau meines Spielzeugs von 1977, außer das er heute in einer etwas höhenwertigen Verpackung als Sammlerschachtel angeboten wird. An den Gimmicks hat sich nichts geändert: Der Lotus verschießt orange Plastikraketen (gegen die Hubschrauber von Bösewicht Stromberg) und er verwandelt sich per Knopfdruck zu einem Unterwasserfahrzeug. Was haben wir damals im Kino über diese Verwandlung gelacht und auch heute wirkt die Szene von 1977 mit Roger Moore und Barbara Bach noch immer.

Wirkung bis heute
Der Lotus Esprit S1 aus dem Film Der Spion, der mich liebte von 1977 ist mehr als nur ein Auto; er ist eine Ikone, ein Symbol für Eleganz, Innovation und die grenzenlose Vorstellungskraft, die das James-Bond-Franchise so unvergesslich macht. Als dieser weiße Keil über die Leinwand glitt, begleitet von der charakteristischen Spannung der Filmmusik, hielt die Filmwelt den Atem an. Es war nicht nur James Bond, der in diesem Moment etwas Magisches erlebte – es waren wir alle. Diese Zeit war eine unbeschwerte Zeit.

Stellen Sie sich vor, wie der Esprit mit seiner scharfen, futuristischen Linienführung durch die malerischen Küstenstraßen Sardiniens fährt. Die Sonne reflektiert auf seiner makellosen Lackierung, während das Meer in der Ferne glitzert. Dieses Fahrzeug verkörperte die Essenz der 70er Jahre: den Drang nach Fortschritt, die Sehnsucht nach dem Außergewöhnlichen und die Lust am Abenteuer. Oh, ich gerate ins Schwärmen.

Doch was den Lotus Esprit S1 wirklich unsterblich machte, war der Moment, als er sich von einem eleganten Sportwagen in ein amphibisches Wunder verwandelte. Verfolgt von Feinden in schwarzen Hubschraubern steuerte James Bond direkt ins Meer – und anstatt unterzugehen, verwandelte sich der Esprit in ein U-Boot. Dieses unglaubliche Szenario sprengte die Grenzen meiner kindlichen Vorstellungskraft. Es war ein Augenblick des Staunens, der die Magie des Kinos in ihrer reinsten Form einfing.

Meisterwerk des Designs
Technisch gesehen war der Esprit S1 bereits ein Meisterwerk des Designs. Entworfen von Giorgetto Giugiaro, strahlte er mit seinen scharfen Kanten und dem keilförmigen Profil eine futuristische Ästhetik aus, die ihrer Zeit voraus war. Unter der Haube verbarg sich ein leistungsstarker Motor, der nicht nur Geschwindigkeit, sondern auch Agilität versprach. Doch es war die Verbindung von Realität und Fiktion, die dieses Auto zu einer Legende machte.

In Der Spion, der mich liebte wurde der Esprit zu mehr als nur einem Fortbewegungsmittel. Er wurde zu einem Charakter, einem Verbündeten, der Bond half, den Gefahren zu entkommen und die Welt zu retten. Die Emotionen, die dieser Wagen hervorruft, sind bei mir tief verwurzelt in Nostalgie und Bewunderung. Für viele von uns war es der Moment, in dem wir uns in Autos verliebten, in das Versprechen von Freiheit und Abenteuer, das sie symbolisieren. Der Esprit S1 steht für eine Ära des Optimismus, in der Technologie und Stil Hand in Hand gingen, um etwas wirklich Einzigartiges zu schaffen. Und jetzt steht der Lotus bei mir zu Hause.

Freundschaft, Mut und Heimatverbundenheit am heutigen Hobbit Tag

22. September 2024

Viele Leute kennen den Star Wars Tag (4. Mai), etwas weniger vielleicht den Handtuch-Tag Towel Day (25. Mai) und wohl die Hardliner feiern den Hobbit Tag am 22. September.

Als Verehrer von J.R.R. Tolkien und seinem Werk muss ich einfach diesen Ehrentag von Bilbo und Frodo Beutlin begehen. Der Hobbit Day – International Hobbit Day wird immer am 22. September begangen. Laut den Romanen Der kleine Hobbit und Herr der Ringe wird der 22. September als Geburtstage von Bilbo Beutlin (engl. Bilbo Baggins) und Neffen Frodo Beutlin (engl. Frodo Baggins) angegeben.

Als Jugendlicher habe ich von dtv der kleine Hobbit gelesen und inzwischen einige Ausgaben dieses Buches erworben, Fan bleibt schließlich Fan. Und auch die Sammlung an Herr der Ringe Bücher ist beträchtlich angewachsen. Und wer seinen HdR ordentlich gelesen hat, dem ist das große Fest zu Beginn dies Buches in Erinnerung.

Wie begehe ich also den Gedenktag. Ich greife auf die Verfilmung von HdR zurück und zwar auf die Zeichentrickversion von Ralph Bakshi zurück. Ich höre mir den Soundtrack von Leonard Rosenman zurück. Ich habe ihn als Picture Disc und als klassische Doppel-Vinyl und CD. Das musikalische Thema finde ich großartig.

Und ich lese dabei den Filmroman – das Buch zum Film mit 400 Fotos von HdR. Das Taschenbuch ist 1979 bei Bastei Lübbe erschienen. Es gab mehrere Bücher aus der Reihe wie Grease. In teueren Zeiten des Super 8-Films war dies eine finanzierbare Erinnerung an Kinofilme.

Zurück zum Hobbit-Tag. Bilbo Beutlin wurde am 22. September 2890 D.Z. (Drittes Zeitalter) geboren, und Frodo Beutlin kam genau 78 Jahre später, am 22. September 2968 D.Z., zur Welt. Dieser Tag wird oft mit verschiedenen Aktivitäten wie dem Lesen der Bücher, dem Ansehen der Filme, Kostümwettbewerben, Feiern im Hobbit-Stil und sogar „Hobbit-Mahlzeiten“ begangen. Es gibt in der Welt der Fans eine Tradition, die Essgewohnheiten der Hobbits zu feiern, die bekannt dafür sind, mehrere Mahlzeiten am Tag zu sich zu nehmen.

Der Hobbit-Tag ist Teil der “Tolkien-Woche”, die die gesamte Woche um den 22. September umfasst und ebenfalls J.R.R. Tolkiens Literatur und sein umfangreiches Fantasy-Universum würdigt. Tolkien-Fans nutzen diese Zeit, um die epischen Abenteuer, die Kultur der Hobbits und die Werte wie Freundschaft, Mut und Heimatverbundenheit zu feiern, die in seinen Geschichten eine große Rolle spielen. Also lasst uns feiern.

Der schwarze Falke – Western-Matinee am Sonntag, 22. September im Scala

20. September 2024

Nach meiner erfolgreichen phantastische Matinee im Scala Kino Fürstenfeldbruck wollen Geschäftsführer Markus Schmölz und ich einen weiteren Weg des Community-Aufbaus beginnen und starten im Scala-Kino eine Western Matinee. Der Auftakt macht John Fords wichtigster Western Der schwarze Falke von 1956. Wir besprechen und zeugen den Film am Sonntag, 22. September um 10:45 Uhr im Scala. Karten gibt es hier.

John Fords 1956 veröffentlichter Western „Der schwarze Falke“ („The Searchers“) gilt als eines der bedeutendsten Werke des amerikanischen Kinos. Der Film, der auf Alan Le Mays gleichnamigem Roman basiert, bietet nicht nur eine fesselnde Geschichte, sondern auch eine vielschichtige Charakterstudie und eine kritische Auseinandersetzung mit Themen wie Rassismus, Obsession und Identität.

Zentrale Themen
Die Geschichte folgt Ethan Edwards (gespielt von John Wayne), einem verbitterten Bürgerkriegsveteranen, der nach dem Mord an seiner Familie und der Entführung seiner Nichte Debbie durch Comanchen eine jahrelange Suche nach ihr beginnt. Begleitet wird er von Martin Pawley, einem jungen Mann mit indianischen Wurzeln, der von Ethans Familie adoptiert wurde. Die Suche entwickelt sich zu einer obsessiven Jagd, bei der Ethans rassistische Vorurteile und sein innerer Konflikt zunehmend in den Vordergrund treten.

Motive und Charakteranalyse
Ethan Edwards ist eine komplexe Figur, die von Rache und Hass getrieben wird. Seine rassistischen Einstellungen gegenüber den Native Americans sind tief verwurzelt und beeinflussen seine Handlungen maßgeblich. Ethans Obsession, Debbie zu finden, ist weniger von familiärer Liebe motiviert als von dem Wunsch, das zu zerstören, was er als „verunreinigt“ betrachtet. Seine innere Zerrissenheit wird durch seine Unfähigkeit symbolisiert, sich in die Gesellschaft zu integrieren, was ihn zu einem ewigen Außenseiter macht.

Martin Pawley verkörpert das moralische Gegenstück zu Ethan. Trotz seiner indianischen Abstammung ist er fest entschlossen, Debbie zu retten und sie unversehrt zurückzubringen. Martins Loyalität und Menschlichkeit stehen im starken Kontrast zu Ethans unerbittlicher Härte. Seine Figur repräsentiert die Hoffnung auf Versöhnung und die Überwindung von Vorurteilen.

Debbie Edwards dient als zentrales Symbol für Unschuld und Verlust. Ihre Entführung und Assimilation in die Comanchen-Gemeinschaft werfen Fragen nach Identität und Zugehörigkeit auf. Debbies Charakter stellt die Dichotomie zwischen Zivilisation und Wildnis infrage und fordert die Vorstellungen von Reinheit und „Anderssein“ heraus.

Bedeutung innerhalb von John Fords Werk
„Der schwarze Falke“ markiert einen Wendepunkt in John Fords filmischem Schaffen. Während seine früheren Western oft heroische Narrative und klare moralische Linien zeichneten, präsentiert dieser Film eine düstere und ambivalente Sicht auf den amerikanischen Westen. Ford dekonstruiert den Mythos des edlen Cowboys und stellt die Gewalt und Vorurteile der Pionierzeit in den Vordergrund.
Der Film zeichnet sich durch seine technische Brillanz aus, insbesondere durch die Verwendung von Cinemascope und die eindrucksvollen Landschaftsaufnahmen des Monument Valley. Die visuelle Pracht steht im Kontrast zur moralischen Ambiguität der Handlung und verstärkt die emotionale Wirkung.

Darüber hinaus beeinflusste „Der schwarze Falke“ zahlreiche Filmemacher und wurde zu einem Referenzwerk für das Genre. Seine komplexe Charakterzeichnung und die kritische Auseinandersetzung mit gesellschaftlichen Themen waren wegweisend und trugen zur Weiterentwicklung des Westerns bei. Innerhalb von Fords Oeuvre nimmt der Film eine zentrale Rolle ein, da er traditionelle Genregrenzen sprengt und neue erzählerische Wege beschreitet. Seine anhaltende Relevanz und sein Einfluss auf die Filmgeschichte unterstreichen seine Bedeutung als Meisterwerk des Kinos und ist damit der ideale Auftakt unserer Western-Matinee, die wir einmal pro Quartal durchführen und auf Interessierte hoffen. Karten gibt es hier.

Filmkritik: The Substance von Coralie Fargeat – Body-Horror auf den Spuren von Cronenberg

19. September 2024

Wenn Sie den drastischen Body Horror von David Cronenberg, ein wenig Kubrick, etwas Lynch, eine Prise Carpenter mögen, dann werden Sie The Substance feiern. Wenn Sie keine Satire verstehen oder sogar etwa einen empfindlichen Magen haben, dann sollten Sie um The Substance einen Bogen machen, einen ganz großen Bogen. Der Streamingdienst Mubi sicherte sich die Vertriebsrechte noch bevor der Film in Hauptwettbewerb des 77. Filmfestivals von Cannes lief. Bei uns läuft der Film ab 19. September 2024 in den Kinos.

Der Streifen ist ein Film über Frauenkörper, wie die Regisseurin Coralie Fargeat verlautbaren ließ. Es ist ein Statement darüber, wie der Körper einer Frau im öffentlichen Raum unter die Lupe genommen wird, zum Fantasiebild gemacht und bewertet wird.

Das Genre ist mir nach dem Film nicht ganz so klar, Vielleicht so: The Substance ist ein satirischer, feministischen Body-Horrorfilm mit harten Gore-Effekten, einer nachdenklichen und wichtigen Botschaft, die mit faszinierenden Kamerabildern in Szene gesetzt, zum Nachdenken und Kotzen anregt, etwa vorhersehbar ist und von großartigen Schauspielern wie Demi Moore, Margaret Qualley und Dennis Quaid, der dich 2 Std. 20 Min fesselt, unterhält, anwidert, fasziniert und anekelt.

Der Inhalt ist schnell erzählt: Der Ruhm des einstmals großen TV-Stars Elisabeth Sparkle (Demi Moore) bröckelt, weil das Fernsehpublikum neue, jungen Nachwuchs sehen will. Daher wird sie von ihrem schmierigen Network-Produzenten Harvey Dennis Quaid an die Luft gesetzt. Durch einen Zufall gehört sie an das Wundermittel The Substance. Das Produkt The Substance verspricht, eine jüngere, schönere und vollkommenere Version ihrer selbst zu erzeugen. Bedingung ist, dass man mit diesem zweiten „Ich“ die verfügbare Zeit teilt – eine Woche für sich selbst, eine Woche für die neue Version. Hält man diese 7-Tage-Regel nicht ein, droht ein Verlust der „perfekten Balance“. Das jüngere, attraktive Ich Sue, gespielt von Margaret Qualley, hält sich natürlich nicht an diese Regel und der Verfall der Körper beginnt bis zum Ende in schönster Braindead-Manier von Peter Jackson oder de Palmas Carrie.

Und der Film liebt es zu zitieren. Der Filmfreund wird sein Gefallen an diesem Kabinettstück haben. In zahlreichen Einstellungen erweist Coralie Fargeat Kameramann Benjamin Kracun erweist das Team dem Regiegott Stanley Kubrick die Ehre, sei es in Mustern, Badezimmer, Blut aus Türen oder fauligen Damen. Eindeutig wird es dann mit dem Zarathustra-Thema und dem großen Auftritt. Wir sehen immer wieder Alfred Hitchcocks Psycho mit 1:1 Einstellungen der Duschsezenen, wir genießen Effekte wie einstmals von Rob Bottin bei Carpenters The Thing, wir reisen in die Zeit zurück zu den schrecklichen Achtziger als wir uns MTV und Werbeclips von Tony Scott ansahen und überlegten, ob Jane Fondas Fitness-Welle eine Eintagsfliege bleiben wird, Meine Kinder sehen in Sue (Margaret Qualley) vielleicht eher das Fitness-Talent Pamela Reiff und ich sehe in der Geschichte eine Interpretation von Dr. Jekyll und Mr. Hyde.

Leider ist manches in diesem Film vorhersehbar, trotz hervorragender Inszenierung. Eine halbe Stunde weniger hätten aus meiner Sicht dem Film gut getan. Bis es zur Steigerung in die Unkenntlichkeit und die Eruption von Innereien, Blut und Haut kommt, ist es ein langer Weg. Immer wieder wird Freak gerufen und Erinnerungen an den 1932 traurigen Film Freaks – Missgestaltete) kommen hoch. Tod Browning schuf hier ein Werk an dem sich Coralie Fargeat orientiert. Und die Moral von der Geschichte: Schöne Mädchen sollten immer lächeln. Nochmals Coralie Fargeat zum Schluss: „Ich kenne keine einzige Frau, die kein gestörtes Verhältnis zu ihrem Körper hat, die nicht irgendwann in ihrem Leben eine Essstörung hatte und ihren Körper und sich selbst nicht abgrundtief gehasst hat, weil sie nicht so aussah, wie die Gesellschaft es ihr vorschrieb.“

Orlok, Dracula und Frankenstein samt Braut von Funko

18. September 2024

Gut, dass ich kein wirklicher Sammler von Funko Figuren bin. Funko Figuren sind Sammlerstücke, die von der US-amerikanischen Firma Funko Inc. produziert werden. Besonders bekannt sind sie für ihre Pop! Vinyl-Linie, die charakteristische Figuren mit übergroßen Köpfen und großen schwarzen Knopfaugen umfasst. Diese Designs sollen den Figuren einen charmanten und erkennbaren Stil verleihen, der sie von anderen Sammlerobjekten abhebt. Ich bin wie gesagt ein wirklicher Fan der Figuren, geschweige denn ein Sammler.

Aber natürlich bin ich schwach geworden als es zum 100. Geburtstag eines meiner Lieblingsfilme Nosferatu – eine Symphonie des Grauens den Grafen Orlok 1267 als Figur gibt. Den musste ich mir für kleines Geld einfach anschaffen. Und weil ich schon dabei war, wanderte Dracula 1634 in der Version von Belga Lugosi als Universal Monster gleich hinterher. Und weil ich gerade einen Vortrag über Frankenstein gehalten habe, kaufte ich auch Frankenstein 1630 und Frankensteins Braut 1631– und nun ist Schluss.

Ein Hauptgrund für die Beliebtheit von Funko Figuren ist die enorme Bandbreite an lizenzierten Charakteren. Funko hat Partnerschaften mit zahlreichen Franchises aus Film, Fernsehen, Comics, Videospielen, Sport und Musik. Ob Superhelden aus dem Marvel-Universum, Charaktere aus Harry Potter, Figuren aus Star Wars oder Ikonen der Popmusik – die Auswahl ist ziemlich groß. Diese Vielfalt ermöglicht es Fans, ihre Lieblingscharaktere in einer einheitlichen und sammelbaren Form zu besitzen. Ich hab noch ein paar Figuren, vor allem aus den Filmen von Stanley Kubrick, meinen Regie-Gott.

Im Vergleich zu anderen Sammelfiguren sind Funko Pops relativ erschwinglich. Sie bieten Fans die Möglichkeit, hochwertige Sammlerstücke zu erwerben, ohne ein Vermögen ausgeben zu müssen. Dies senkt die Einstiegshürde für neue Sammler und macht das Hobby für ein breites Publikum attraktiv. Ich habe meiner Frau versprochen, keine teueren Figuren grundsätzlich mehr anzuschaffen. Die 2001-Serie von Exekutive Replica liebe ich, sie waren auch teuer genug.

Limitierte Auflagen und Exklusivität
Funko veröffentlicht regelmäßig limitierte Auflagen, Sondereditionen und exklusive Figuren, die nur auf bestimmten Veranstaltungen oder in ausgewählten Geschäften erhältlich sind. Diese Seltenheit steigert den Reiz und den Wert der Figuren für Sammler. Aus dieser Reihe stammen meine Kubrick-Figuren, denn hier bin ich ein wirklicher Sammler. Natürlich sind die Figuren komplett verpackt und haben nie Luft zum Atmen bekommen. Mein Sammeln wird so zu einer persönlichen Reise durch die eigene Popkulturgeschichte.

Die USS Enterprise (NCC-1701-D) als Corgi CC96611-Modell

16. September 2024

Endlich komme ich dazu mir die Serie Picard komplett auf Bluray anzusehen. Dabei erinnere ich mich, wie begeistert ich damals Star Trek: The Next Generation verschlungen habe. Als Trekkie liegen mir die Raumschiffe der verschiedenen Kapitäne am Herzen. Jean-Luc Picard nimmt eine ganz besondere Rolle in meinem Herzen ein.

Da freute ich mich, dass Corti die USS Enterprise (NCC-1701-D) als Sammlermodell aufgelegt hat. Die Nummer ist Corgi CC96611. Die USS Enterprise (NCC-1701-D) ist eines der berühmtesten Raumschiffe im Star-Trek-Universum und dient als Schauplatz der Serie Star Trek: The Next Generation (TNG), die zwischen 1987 und 1994 ausgestrahlt wurde. Das Modell sieht detailreich aus, kann aber nichts anderes als nett auszusehen.

Enterprise-D
Und jetzt wird es Hardcore und nur für Fans. Das Schiff gehört zur Galaxy-Klasse, wurde 2363 in Dienst gestellt und steht unter dem Kommando von Captain Jean-Luc Picard. Mit einer Länge von 641 Metern bietet es Platz für etwa 1.000 Personen, darunter Sternenflottenoffiziere, Zivilisten und deren Familien. Die Enterprise-D ist nicht nur ein militärisches Schiff, sondern auch für friedliche Erkundungs- und diplomatische Missionen ausgelegt. Zu ihren besonderen Merkmalen gehört die Fähigkeit, sich in zwei Sektionen aufzuteilen: die Untertassensektion und die Kampfsektion, was im Ernstfall flexible Manöver ermöglicht. Besonders bekannt ist die Enterprise-D für das Holodeck, eine Technologie, die realistische Simulationen für Training und Unterhaltung bereitstellt. Das Schiff ist mit Phaserbänken, Photonentorpedos und starken Deflektorschilden ausgerüstet, die es gegen Bedrohungen wie die Borg oder Romulaner verteidigen. Der leistungsstarke Warp-Antrieb ermöglicht Reisen schneller als das Licht, mit einer Höchstgeschwindigkeit von Warp 9.6.

Während ihrer Laufbahn nahm die Enterprise-D an zahlreichen bedeutenden Missionen teil, bei denen sie entfernte Sternensysteme erforschte und an wichtigen diplomatischen und militärischen Auseinandersetzungen teilnahm. Ihre Besatzung, darunter ikonische Figuren wie William Riker, Data, Worf und Deanna Troi, spielte eine Schlüsselrolle in der Verteidigung der Föderation.

Zerstörung der Enterprise-D
Doch im Jahr 2371, während des Films Star Trek: Treffen der Generationen, wurde die Enterprise-D zerstört. Dies geschah in einem Kampf gegen die klingonischen Duras-Schwestern Lursa und B’Etor, deren modifizierte Waffe einen Defekt im Warpkern des Schiffes verursachte. Trotz der Zerstörung gelang es der Crew, sich durch eine Notlandung der Untertassensektion zu retten. Die Enterprise-D wurde später durch die USS Enterprise (NCC-1701-E) ersetzt, die in den nachfolgenden Filmen eine zentrale Rolle einnimmt.

Das Corgi-Modell hat selbstverständlich die intakte Enterprise. Mann kann keine Untertassektion lösen. Corgi hat auf der Verpackung einen AI-QR-Code angebracht, so dass das Raumschiff ein bisschen bei uns im Wohnzimmer geflogen ist. Das war es dann auch schon.

Die USS Enterprise-D gilt für mich bis heute als Symbol für den Entdeckergeist und die Ideale der Föderation. Sie steht für die Vision einer Zukunft, in der unterschiedliche Spezies friedlich zusammenarbeiten, um die Geheimnisse des Universums zu erforschen und den Frieden zu bewahren. Das Schiff und seine Missionen haben das Science-Fiction-Genre nachhaltig geprägt und Star Trek zu einem kulturellen Phänomen gemacht.