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Musikritik: Peter Thomas: Derrick & Der Alte aus den Jahren 1974 bis 1984

21. Dezember 2024

Wahrscheinlich hab ich die Musik als Kind rauf und runter gehört, aber nicht richtig geschätzt. Jetzt aber höre ich sie bewusst und erfreu mich daran. Das Stuttgarter Label Allscore ist immer für eine Überraschung gut und veröffentlichte rechtzeitig zum Jahresende weitere Musik von Peter Thomas. Dieses Mal zu den TV-Serien Derrick & Der Alte aus den Jahren 1974 bis 1984.

Natürlich musste ich hier zugreifen und mir die TV-Beats meiner TV-Jugend anschaffen. An den Wochenenden saß ich mit meinen Eltern vor dem Grundig-Fernseher im Wohnzimmer und zog mir die braven Krimis aus deutscher Fabrikation rein. Derrick & Der Alte waren im Grunde harmlose Krimis, nicht so dramatisch wie die US-Serien Starsky & Hutch oder die britische Serie die Profis. Beide Serien verkörpern klassische Kriminalunterhaltung und sind aus der Geschichte des deutschen Fernsehens nicht wegzudenken.Derrick und Der Alte gehören zu den bekanntesten deutschen Krimiserien, die seit den 1970er Jahren das Fernsehen prägten und internationale Erfolge feierten.

Peter Thomas, einer der bekanntesten deutschen Film- und Fernsehkomponisten, hat die Musik für zahlreiche Produktionen geschaffen, darunter auch die Krimi-Serien „Derrick“ und „Der Alte“. Seine unverwechselbaren Kompositionen prägten das musikalische Ambiente dieser Serien maßgeblich und trugen entscheidend zur besonderen Atmosphäre bei.

Derrick
Die Serie Derrick wurde von 1974 bis 1998 im ZDF ausgestrahlt und umfasst 281 Folgen. Hauptfigur ist Kriminaloberinspektor Stephan Derrick, dargestellt von Horst Tappert, der zusammen mit seinem loyalen Assistenten Harry Klein, gespielt von Fritz Wepper, Mordfälle in München und Umgebung aufklärt. Im Mittelpunkt der Serie stand weniger actionreiche Ermittlungsarbeit als vielmehr psychologische Spannung und Dialoge. Derrick agiert ruhig, überlegt und oft mit moralischer Klarheit, um die Täter zu überführen. Die Serie zeichnete sich durch ihre besondere Atmosphäre aus – geprägt von gedämpfter Musik, klarer Bildsprache und einem Fokus auf die zwischenmenschlichen Abgründe der Figuren.
Derrick wurde international erfolgreich, besonders in Ländern wie Frankreich, Italien und sogar China. Horst Tappert wurde durch seine Rolle zur Ikone und prägte das Bild des stillen, analytischen Ermittlers für Jahrzehnte.

Der Alte
Der Alte startete 1977 im ZDF und ist bis heute eine der langlebigsten deutschen Krimiserien. Die Serie folgt ebenfalls Ermittlern der Münchner Mordkommission, die mit Ruhe und Präzision komplexe Fälle lösen. Im Gegensatz zu Derrick wechselten hier die Hauptfiguren im Laufe der Jahrzehnte, aber für mich war der Alte immer Erwin Köster (Siegfried Lowitz, 1977–1986) Köster war der ursprüngliche Ermittler – erfahren, zäh und einfühlsam. Seine ruhige, väterliche Art gab der Serie ihren Namen.
Der Alte konzentriert sich stärker auf die Ermittlungsarbeit im Team und betont die klassische, unaufgeregte Polizeiarbeit. Dabei steht oft der Täter und dessen Motiv im Zentrum der Erzählung. Für diese drei Jahre später, 1977, gestartete Fernsehkrimiserie Der Alte schrieb Peter Thomas sogar die Titelmusik der ersten 100 Folgen sowie die Musik zu vier Folgen, inklusive der ersten, „Die Dienstreise“.

Musik in Derrick
Für Derrick komponierte Peter Thomas ab 1978 bis in die 1980er Jahre hinein mehrere Stücke, die den charakteristisch zurückhaltenden und dialoglastigen Stil der Serie unterstrichen. Die Titelmelodie stammt von Les Humphries. Frank Duval komponierte die Musik für 105 Folgen und steuerte einige Lieder (unter anderem Love, 1977, Angel of Mine, 1980 und Face to Face) bei, die zu Hits in den Charts aufstiegen. Die Musikuntermalung der ersten Folge („Waldweg“) stammt von Peter Thomas. Thomas’ Musik zeichnet sich hier durch eine Mischung aus Jazz, Orchesterklängen und dezenten Funk-Elementen aus. Die Stücke sind meist minimalistisch und melancholisch gehalten und reflektieren damit die psychologische Tiefe der Serie. Von Peter Thomas und seinem Sound Orchester stammt bereits die Musik zur ersten Derrick-Folge »Waldweg« (1974). Sechs weitere folgten. Der Komponist und Musiker hatte sogar einen Cameo-Auftritt in der Derrick-Folge »Tod des Trompeters« (1976), wo er sich im Publikum der Sängerin Sabrina (Emy Cesaroni) befindet und kurz mit ihr interagiert. Das entsprechende Stück „Ohne Dich ist es Nacht“ war einstmals eine erfolgreiche Single und ist auf diesem Album zu hören.

Derrick wird in diesem Jahr 50. Es ist ruhig geworden um die überaus populäre und äußerst erfolgreiche deutsche Krimiserie. Das ist des Oberinspektor-Darsteller Horst Tapperts posthum bekanntgewordener NS-Vergangenheit geschuldet.

Musik in Der Alte
Auch für Der Alte komponierte Peter Thomas die frühe Musik, vor allem in der Ära des ersten „Alten“ Erwin Köster (gespielt von Siegfried Lowitz). Die Musik ist hier dynamischer und oft spannungsgeladener, spiegelt aber ebenso die typische Zurückhaltung des deutschen Krimis wider. Im Vergleich zu Derrick setzt Thomas bei Der Alte etwas stärker auf dramatische Akzente und orchestrale Elemente, um die Spannung der Ermittlungen zu begleiten.

Ein zentrales Merkmal von Thomas’ Musik ist seine Fähigkeit, Emotionen und Atmosphäre subtil zu erzeugen, ohne sich in den Vordergrund zu drängen. Seine Kompositionen für beide Serien sind klar strukturiert, minimalistisch und dennoch einprägsam, was zur ruhigen Erzählweise der Krimis hervorragend passt. Ich mag das Album und kann es empfehlen.

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Captain Future als Sammlerfigur

17. Dezember 2024

Kaum höre ich die fantastische Musik von Prof Christian Bruhn, da kehre ich zurück in meine Jugend vor dem Fernseher meiner Eltern, um mir meine Serie Woche für Woche reinzuziehen: Captain Future

Captain Future ist weit mehr als eine Science-Fiction-Serie – für viele ist sie ein emotionales Stück Kindheit und ein Tor zu unendlichen Abenteuern im Weltraum. Die japanische Anime-Serie, die in den 1980er Jahren im deutschen Fernsehen lief, fasziniert bis heute mit ihrer Mischung aus spannenden Geschichten, unvergesslichen Charakteren und einem Hauch von Nostalgie. Daher musste ich mir einfach die Figur des Captains als Weihnachtsgeschenk kaufen. Diese Figur besteht aus Vinyl und PVC. Sie ist ca. 23 cm groß und wird in einer Fensterbox geliefert. Hier das Unboxing der Figur von Toei Animation.

Zugegeben, die Figur ist nicht perfekt. Sie wirkt etwas blas und die Farben weichen vom Original etwas ab. Aber mir geht es erst einmal um das Symbol Captain Future mit dem ich positive Kindheitserinnerungen verbinde.

Captain Future, der mutige Held mit seinem treuen Team – Grag, der Roboter, Otto, der Androide, und Professor Simon Wright, das „lebende Gehirn“ – verkörpert den Pioniergeist und die Sehnsucht nach den Sternen. Die Serie ließ uns träumen, dass Wissenschaft, Freundschaft und Mut die Schlüssel zur Lösung aller Probleme sein könnten. Die Abenteuer, die Captain Future in den Tiefen des Universums erlebte, waren nicht nur fantasievoll und actionreich, sondern auch voller philosophischer Fragen über das Leben, die Menschlichkeit und den Fortschritt.

Ein besonderer Zauber ging von der legendären Musik von Christian Bruhn aus. Die Synthesizer-Melodien gaben der Serie eine Atmosphäre, die uns bis heute in ihren Bann zieht – eine Mischung aus Hoffnung, Weite und Melancholie, die perfekt zu den Bildern fremder Planeten und technischer Wunder passte. Ich hatte das Glück mit Prof. Bruhn ein langes Interview zu führen, ein großartiger Mann.

Captain Future ist nicht einfach nur Fernsehen, sondern ein Kultphänomen, das die Vorstellungskraft einer ganzen Generation geprägt hat. Es war eine Serie, die uns lehrte, an das Gute zu glauben, Grenzen zu überwinden und den Mut zu haben, neue Welten zu entdecken. Auch Jahrzehnte später bleibt Captain Future ein Symbol für Abenteuerlust, Träume und die unendlichen Möglichkeiten, die der Blick in den Sternenhimmel eröffnet.

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Gremlins (1984) – Phantastische Matinee am Sonntag, 15. Dezember im Scala

13. Dezember 2024

“Gremlins,” ein Kultklassiker aus dem Jahr 1984, unter der Regie von Joe Dante und produziert von Steven Spielberg, kombiniert Elemente von Horror und Komödie mit einer Prise Weihnachtszauber. Der Film ist gut gealtert und feiert dieses Jahr seinen 40. Geburtstag. Es ein Mix aus Grusel und Humor, der sich sowohl an ein jugendliches als auch erwachsenes Publikum richtet. Doch was macht diesen Film auch fast 40 Jahre später noch so ikonisch? Dies untersuche ich in meiner Phantastische Matinee am Sonntag, 15. Dezember im Scala Fürstenfeldbruck. Karten für die Veranstaltung gibt es hier.

Die Geschichte beginnt mit Randall Peltzer, einem liebenswerten Erfinder, der in Chinatown ein mysteriöses Wesen namens Mogwai als Weihnachtsgeschenk für seinen Sohn Billy erwirbt. Das Wesen, das er “Gizmo” nennt, kommt mit drei einfachen Regeln:
1. Halte es von hellem Licht fern.
2. Lass es nicht nass werden.
3. Füttere es niemals nach Mitternacht.

Natürlich werden diese Regeln verletzt, und das Chaos nimmt seinen Lauf. Gizmo bleibt zwar liebenswert und unschuldig, aber die anderen Mogwai, die durch Wasser entstehen, verwandeln sich in fiese, boshafte Kreaturen – die titelgebenden Gremlins. Was folgt, ist eine Reihe von unheimlichen und gleichzeitig urkomischen Vorfällen, als die Gremlins die Kleinstadt Kingston Falls ins Chaos stürzen.

“Gremlins” brilliert durch seinen gelungenen Genre-Mix. Der Film ist nicht nur ein Gruselfilm, sondern auch eine bissige Gesellschaftssatire und eine dunkle Komödie. Die humorvollen Einlagen – wie die Gremlins, die eine Bar übernehmen und ihre absurde Party feiern – sind ebenso unterhaltsam wie die gruseligen Momente.

Die handgefertigten Puppeneffekte von Gizmo und den Gremlins sind auch heute noch beeindruckend. In einer Zeit, in der CGI oft dominiert, wirken die praktischen Effekte des Films nostalgisch und authentisch. Gizmo ist ein Paradebeispiel dafür, wie man eine Figur so gestaltet, dass sie sofort Sympathie weckt.

Der Film ist durchzogen von satirischen Kommentaren zur Konsumkultur und den Gefahren von Unachtsamkeit. Besonders die grotesken Eskapaden der Gremlins verdeutlichen, was passiert, wenn Chaos auf den American Dream trifft.

Zach Galligan als Billy und Phoebe Cates als Kate liefern solide Leistungen ab, aber der wahre Star des Films ist Gizmo. Die Stimme von Howie Mandel verleiht dem Mogwai Persönlichkeit, ohne dass er sprechen muss. Die menschlichen Figuren sind bewusst etwas klischeehaft, was den Fokus auf die Gremlins verstärkt. Karten für die Veranstaltung gibt es hier.

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Filmkritik: Nosferatu – der Untote

3. Dezember 2024

Nein, ein Murnau ist und kann es nicht geworden sein, dazu war die Sinfonie des Grauens für die Filmgeschichte einfach zu wichtig. Aber Robert Eggers hat aus dem Thema einen angsteinflößenden, obzessiven Vampirfilms gemacht, der mich auf vielfältige Weise intellektuell und emotional berührt hat. Eggers Nosferatu – der Untote ist ein eindringlicher Film nach den Motiven Bram Stokers geworden, der sexualisierter als Murnnau oder Herzog das Drama in Szene setzt. Premiere fand übrigens in Berlin statt, wie zuvor Murnaus Film vor 102 Jahren. Leider hab ich keinen Interviewslot bekommen.

Die Kamera von Jarin Blaschke setzt konsequent auf eine Zentralperspektive und fängt so das Schauspielkino in faden, fast schwarzweißen Bilder ein. Color Grading macht es möglich. Oft werden Bilder der Romantik gezeigt, ein Kamerabild des Expressionismus wie in der Vorlage wird nicht angestrebt. Die Optiken haben sich in den vergangenen Hundert Jahren verbessert. Bis der Graf zu erkennen ist, wird viel auf eine geringe Tiefenschärfe eingesetzt, bei dem einzig die langen Finger mit alten Nägeln fokussiert sind. Das Symbol der Hände zieht sich durch ganzen Film, suchende Hände, verlangende Hände, grausame Hände, oft in Begleitung der mahnenden Worte „er wird kommen“.

Von Beginn an verbreitet der Film eine depressive Stimmung der Angst und der Hoffnungslosigkeit. Obwohl der Stoff ja allbekannt ist, gelingt es Eggers immer wieder neue Szenen des Grauens zu erzeugen. Wer sich wirklich Zeit nimmt für die Geschichte, wer sich die Zeit nimmt, sich auf die Bilder, die Musik einlässt, wird einen Schauerfilm mit gotischen Elementen entdecken und eine besondere Faszination zum Film entwickeln. Und es werden Motive verwendet, die wir Fans des Schauerfilms so lieben. So beginnt und endet der Film mit der schwarzen Katze Greta und wird auch bei dem Besuch beim okkulten Wissenschaftler Prof Albin (!) Eberhart von Franz (hervorragend Willem Dafoe) wieder aufgenommen. Albin Grau lässt grüßen.

Eggers ist ja Vertreter des Folk-Horrors und so dürfen die folkloristischen Elemente nicht fehlen, wie die Suche nach einem Vampir auf einem Friedhof durch eine nackte Schönheit auf dem Pferde. Das Pferd kann nicht über das Grab eines Untoten steigen und so wird ein begrabener Vampir entdeckt und gepfählt – eine schöne Interpretation des Themas durch Eggers,

Natürlich interessiert den Fan die Rolle des Vampirs, des Untoten. Hier muss sich Bill Skarsgárd mit Max Schreck und Klaus Kinski als Orloks Namensvetter messen lassen. Skarsgárd macht nicht mit Eggers den Fehler und versucht eine Kopie dieser Darstellungen zu erreichen, sondern er bringt eine tierische, brutale, untote Version des Vampirs auf die Leinwand. Im englischen Original kommt die Stimme Skarsgárd aus den tiefen eines Grabes, die deutsche Version habe ich (noch) nicht gehört. Es ist ein grausamer, unbarmherziger Ton mit schweren Atmen. Der Vampir wird nicht edel dargestellt wie in den Dracula-Versionen von Bela Lugosi, Christopher Lee oder Frank Langella oder Gary Oldman. Von deren Eleganz ist bei Bill Skarsgárd keine Spur zu sehen und auch das Leiden von Kinski weicht dem brutalen Terror und dem Wahn der Worte „du kannst nicht lieben.“ Der Vampir wird hier zum Tier und nicht zum Gentleman. Das zeigt sich auch in der Opferszene. Der Vampir beißt nicht in den Hals, wie seine filmischen Vorgänger, sondern saugt das Blut, die Energie aus der Brust der Schönheit. Dabei wird der Körper aufgerissen, wie bei der Attacke eines Tieres.

Ellen Hutter, dargestellt von Lily-Rose Deep, ist Opfer und Heldin zugleich. Verletzlich und schockiert erkennt sie das Schicksal ihrer Mission der Opferung und lockt den Grafen bis zum Hahnenschrei in ihr Bett. Sie gibt sich hin und rettet dadurch ihre rattenverseuchte Heimatstadt Wisbourg. Versteckt und offen wird hier eine Sexualität gezeigt, wie sie ins viktorianische Zeitalter nur schwerlich vorstellbar war, Hier schafft es Eggers die verklemmte Sexualmoral von Bram Stokers in den Fokus zu stellen, die in Wahrheit eine triebgesteuerte Obsession ist, obwohl von Liebe gesprochen wird.

Auf der anderen Seite verbeugt sich Eggers vor den großen Bildern der Vorgänger. Wir finden Motive von Murnau und Herzog. Der Spaziergang durch die mit Kreuzen versetzten Dünen sind das eine, die Fahrt mit der Kutsche am Borgo-Pass ist die erste Schlossszene bei Tod Browning. Das Motiv der Ratten erschreckt heute keinen mehr, wie noch zu Murnaus Zeiten als Symbol der Wirren von Weimar oder bei Herzog als Zeichen des kalten Kriegs. Das ist vielleicht ein Manko des Films, dass die Symbole der Vergangenheit in dieser Neuinterpretation nicht mehr funktionieren, trotz der Analogien Spanische Grippe oder Aids mit Corona oder Inflation des Geldes. Daher legt Eggers wohl eher seinen Schwerpunkt auf den inneren Kampf der Darsteller mit Besessenheit, Liebe und schlechter Träume.
Das Betreten des Schlosses, das erste Mahl mit dem Grafen, überall zitiert Eggers ohne zu kopieren. Der Fan sitzt im Kinosessel, erkennt, nickt und genießt. Eggers hätte so gerne seinen Film im Zeitalter des Expressionismus gedreht, aber dafür kommt er 102 Jahre zu spät, obwohl er seine Bilder in Szene zu setzen weiß.

Die Motive der Hand, die nach der Weiblichkeit sucht, waren bei Murnau, bei Herzog und nun auch bei Eggers zu sehen und zu genießen. So macht Kino Spaß, wenn Vorgängerfilme zitiert und interpretiert werden. Eggers ist ein Könner seines Genres.

Persönlich war mir die Interpretation von Exozist, auch schon 50 Jahre alt, zu weit gegangen. Wenn Art Professor von Franz die besessen Ellen untersucht und sich der Dämon zeigt, sehe ich in erster Linie Linda Blair und Max von Sydow und nicht Lily-Rose Deep und Willem Dafoe.

Also Nosferatu – der Untote kommt nicht an Friedrich Wilhelm Murnaus Vorbild Nosferatu – eine Sinfonie des Grauens heran, steht mindestens gleichberechtigt neben Werner Herzogs Nosferatu – Phantom der Nacht. Es ist eine schaurige Verbeugung vor der Kathedrale des deutschen Films, wie Herzog einsmals Murnaus Meisterwerk bezeichnet hat. Und es ist endlich wieder ein Vampirfilms, der richtig Angst macht. Mein Tipp: Lasst euch auf Nosferatu – der Untote ein, lasst euch nicht ablenken vom Popcorn und vom Smartphone und genießt einen grauenhaften Kinofilm (und das meine ich positiv)

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Filmkritik zu Konklave

26. November 2024

Für mich steht mein Oscar-Gewinner als bester Film schon heute fest: Es ist eindeutig Konklave, ein Thriller nach dem Roman von Robert Harris. Harris, den ich eigentlich als Autor eher überschätzt finde, liefert hier jedoch eine hervorragende Vorlage für einen noch besseren Film von Edward Berger. Der in Deutschland geborene Filmemacher hat daraus ein eindrucksvolles Stück Schauspielkino gemacht. Ich habe mir den Film in meinem Lieblingskino, dem Scala in Fürstenfeldbruck, angesehen.

Edward Berger hatte mich bereits 2022 mit seiner Regiearbeit zu Im Westen nichts Neues begeistert. Mit Konklave beweist er erneut sein Können, indem er Schauspieler ohne große Spezialeffekte eindrucksvoll in Szene setzt. Außerdem zeigt er, dass er eine Geschichte auch für Nicht-Katholiken spannend und zugänglich erzählen kann. Dennoch bleibt Berger seinem zentralen Thema aus Im Westen nichts Neues treu: Dieses Mal spielt der Krieg jedoch nicht auf den Schlachtfeldern der Westfront, sondern innerhalb der Mauern der Sixtinischen Kapelle. Besonders schmunzeln musste ich, als Richard Nixon und seine Tonbänder erwähnt wurden.

Im Film geht es um die Papstwahl – einen Entscheidungsprozess voller Intrigen und erbarmungsloser Wortgefechte unter den heiligen Männern. Von den Kardinälen lässt sich einiges darüber lernen, wie man Dreck und Schmutz unter dem Mantel des Glaubens wirft. Beeindruckend ist, wie Bescheidenheit und Machthunger hier inszeniert werden.

Alle Schauspieler liefern intensive Performances ab, allen voran Ralph Fiennes als Kardinal Lawrence. Der Roman von Robert Harris wurde von Peter Straughan für den Film adaptiert. Ich schätze Straughan sehr, da er auch das intelligente Drehbuch zu einem meiner Lieblingsfilme, Dame, König, As, Spion, geschrieben hat.

Die Musik von Volker Bertelmann enttäuscht ebenfalls nicht. Sie knüpft an den großartigen Score seiner Arbeit für Im Westen nichts Neues an. Bereits viermal hat Bertelmann, auch bekannt als Hauschka, mit Berger zusammengearbeitet, und Konklave ist ihre fünfte Zusammenarbeit. Dieses Mal ist die Musik noch vielschichtiger, da verschiedene Figuren eigene Leitmotive haben. Zudem ist sie sakraler, passend zur zentralen Rolle des Katholizismus. Bertelmann erklärt, dass er für den Film ein besonderes Instrument namens Cristal Baschet verwendet hat, das 1952 in Frankreich entwickelt wurde. „Man spielt es ähnlich wie ein Weinglas mit Wasser, bei dem man den Glasrand kreisen lässt. Hier sind es jedoch Stäbe, die man mit angefeuchteten Fingerkuppen reibt. Das erzeugt einen leicht verzerrten, fast schon Synthesizer-artigen Klang“, so Bertelmann im Interview mit dem NDR.

Natürlich ist klar, dass Konklave keine Dokumentation, sondern ein Spielfilm ist. Auch als Nicht-Katholik habe ich dramaturgische Freiheiten erkannt, die es bei einer echten Papstwahl nicht geben würde. Für Interessierte hat die Website katholisch.de einen Faktencheck erstellt. Ich persönlich kann mit den künstlerischen Freiheiten des Regisseurs gut leben. Die Bilder sind großartig, die Schauspieler exzellent, die Musik passend – insgesamt ist Konklave ein grandioser Film.

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50 Jahre Münchner Geschichten – München zwischen Tradition und Fortschritt: Ois Chicago

21. November 2024

Lassen Sie uns auf eine Zeitreise gehen – in eine Zeit, die ich selbst nur als kleiner Bub erlebt habe und erst später richtig genießen konnte. Heute jährt sich der 50. Geburtstag der Münchner Geschichten.

Die Serie Münchner Geschichten, die erstmals 1974 im Bayerischen Rundfunk ausgestrahlt wurde, ist eine Hommage an das Leben in München und gilt als eines der herausragenden Beispiele der deutschen Fernsehlandschaft der 1970er Jahre. Unter der Regie von Helmut Dietl, der später mit Serien wie Monaco Franze und Kir Royal weitere Kultklassiker schuf, zeichnet die Serie ein liebevolles, aber auch kritisches Bild des Münchner Alltags.

Ich bin in dieses München als Kind hineingewachsen, ohne es wirklich zu realisieren. Erst durch verschiedene TV-Wiederholungen konnte ich später den Wert dieser famosen Serie schätzen. Der Ausdruck Ois Chicago ist sogar in meinen Wortschatz übergegangen. Je nach Situation bedeutet er so etwas wie „alles Risiko“, „alles Witz“ oder „alles ist möglich“.
Die Serie erzählt Geschichten rund um Karl „Tscharlie“ Häusler (gespielt von Günther Maria Halmer), einen charmanten, aber oft ziellosen Lebemann, der sich durch das Leben im München der Nachkriegszeit schlägt. Mit Witz und Leichtigkeit beleuchten die Münchner Geschichten die kleinen und großen Sorgen der „kleinen Leute“ – von finanziellen Nöten bis hin zu familiären Konflikten.

Regiestar Helmut Dietl gelingt es, ein authentisches Bild seiner Stadt und ihrer Bewohner zu zeichnen, das weit über die Klischees der „Schickeria“ hinausgeht. Die Serie spielt vor allem in den Arbeitervierteln, an Stammtischen und in den Wirtshäusern der Stadt und fängt den Charme des „alten Münchens“ ein.

Als ich mir zum Jubiläum die neunteilige Serie auf Blu-ray ansah, fielen mir die Stärken der Serie wieder auf – und es sind die Stärken von Helmut Dietl. Die Dialoge, Figuren und Schauplätze wirken lebensnah und unverfälscht. Die Charaktere sprechen im bayerischen Dialekt, was der Serie einen unverwechselbaren Charme verleiht. Neben humorvollen Szenen zeigt die Serie auch die Schattenseiten des Lebens – etwa die Probleme der Mittelschicht oder die Diskrepanz zwischen Tradition und Moderne. Die Serie fängt den Geist der 1970er Jahre ein und gibt Einblicke in eine Ära, in der München sich zwischen Tradition und Fortschritt befand.

Und dann sind da noch die Darsteller: Günther Maria Halmer brilliert in der Rolle des Tscharlie Häusler. Seine Darstellung ist einfühlsam, witzig und facettenreich. Auch die Nebenfiguren sind liebevoll gestaltet und von starken Schauspielern verkörpert.

Die Serie bietet nicht nur Unterhaltung, sondern auch ein Fenster in eine vergangene Zeit – und lässt den Zuschauer mit einem Schmunzeln zurück. Nach 50 Jahren ist es höchste Zeit, sich die Münchner Geschichten wieder anzusehen. Ich empfehle außerdem das Buch Helmut Dietl – Der Mann im weißen Anzug von Claudius Seidl.

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Katja Brandis (Woodwalkers) begeistert ihre Fans im Scala Fürstenfeldbruck

18. November 2024

Dass Kino mehr sein kann als nur Filme schauen und Popcorn essen, habe ich neulich wieder in meinem Lieblingskino Scala Fürstenfeldbruck erlebt und war begeistert. Kino ist auch eine Eventarena, ein Ort der Zusammenkunft und bestenfalls ein Treffpunkt der Community.

Soeben geschehen: Die Jugendbuchautorin Katja Brandis hat im Kino Station gemacht, um den Film Woodwalkers zu präsentieren, der nach ihren Romanen entstanden ist. Sie verriet, dass es auf jeden Fall einen zweiten Teil geben wird und bei guten Publikumszahlen sogar einen dritten Teil. Doch nicht nur ein wenig Filmgespräch mit donnerndem Applaus gab es, sondern auch Smalltalk mit den zumeist jugendlichen Fans. Der örtliche Buchhandel nutzte die Chance und verkaufte Bücher der Autorin, die sofort signiert wurden. Hunderte Fans stellten sich brav an. Durch das gesamte Kinofoyer zog sich die Schlange der Fans, die ein Autogramm ergattern und ein paar Worte mit der Spiegel-Bestsellerautorin wechseln wollten.

Katja Brandis, die gerade von der Frankfurter Buchmesse kam, war voll im Flow: Sie plauderte, posierte für Fotos und unterschrieb Bücher. Gelegentlich wagten es auch mutige Nachwuchsautoren, sich Ratschläge einzuholen. Einige Clevere brachten sogar ihre Manuskripte mit und übergaben sie an Katja Brandis in der Hoffnung auf Unterstützung bei der Verlagssuche. Ihr klarer Tipp: „Baut euch eine Community auf und bringt das erste Werk als BoD (Book-on-Demand) oder E-Book heraus. So kann man seinen Marktwert am besten testen.“ Genau so hat auch Katja Brandis begonnen, bevor sie den Durchbruch bei einem Verlag schaffte.

Katja Brandis, geboren 1970, gilt als eine der erfolgreichsten deutschen Autorinnen, die sich vor allem mit ihren Jugendbüchern einen Namen gemacht hat. Ihre Werke, darunter die Woodwalkers– und Seawalkers-Reihe, begeistern Leserinnen und Leser mit fantasievollen Geschichten, starken Charakteren und einem besonderen Fokus auf den Schutz der Natur. Brandis, die Germanistik, Amerikanistik und Anglistik studierte, begann ihre Karriere als Journalistin, bevor sie sich dem Schreiben widmete. Ihre Bücher zeichnen sich durch spannende Handlungen und eine fesselnde Mischung aus Fantasy und realitätsnahen Themen aus, die junge Leser nicht nur unterhalten, sondern auch zum Nachdenken anregen.

Die Woodwalkers-Reihe, in der Jugendliche mit der Fähigkeit, sich in Tiere zu verwandeln, Abenteuer erleben, vermittelt wichtige Botschaften über Freundschaft, Toleranz und den Umgang mit der Natur. Brandis’ Schreibstil ist zugänglich und bildhaft, was ihre Werke sowohl für junge als auch für ältere Leser attraktiv macht. Mit ihrem Engagement für Umweltthemen und ihrer kreativen Erzählkunst hat Katja Brandis einen festen Platz in der Welt der Jugendliteratur eingenommen und inspiriert mit ihren Geschichten eine neue Generation von Lesern.

Markus Schmölz, der Geschäftsführer des Scala-Kinos in Fürstenfeldbruck, war sichtlich stolz auf den prominenten Besuch in seinem Kino. Das Feedback der Fans für solche Aktionen abseits von Film und Popcorn war überwältigend.

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Leichen pflastern seinen Weg – Western-Matinee am Sonntag, 17. November im Scala FFB

16. November 2024

“Leichen pflastern seinen Weg” ist ein Italo-Western aus dem Jahr 1968, inszeniert von Sergio Corbucci, der als einer der bedeutendsten Regisseure des Genres gilt. Der Film, international bekannt als “Il grande silenzio” oder “The Great Silence”, zeichnet sich durch seine düstere Atmosphäre und unkonventionelle Herangehensweise an das Western-Genre aus. Ich bespreche diesen Film in unserer Western-Matinee am Sonntag, 17. November im Scala Fürstenfeldbruck. Karten gibt es hier. Auch das Wetter passt ideal zu diesem Film.

Was diesen Film besonders macht, ist seine radikale Abkehr von den typischen Western-Konventionen. Statt staubiger Wüsten dienen verschneite Berglandschaften als Kulisse, was eine kalte und unerbittliche Stimmung erzeugt. Die beeindruckende Kameraführung von Silvano Ippoliti fängt die eisige Atmosphäre meisterhaft ein und verstärkt die bedrückende Stimmung des Films.

Die Handlung spielt in den schneebedeckten Bergen Utahs während eines strengen Winters im späten 19. Jahrhundert. Der stumme Revolverheld Silence, verkörpert von Jean-Louis Trintignant, wird von verfolgten Gesetzlosen angeheuert, um sie vor skrupellosen Kopfgeldjägern zu schützen. Klaus Kinski brilliert in der Rolle des eiskalten Kopfgeldjägers Loco, der ohne Gewissensbisse Jagd auf die Flüchtigen macht. Zwischen Silence und Loco entspinnt sich ein tödlicher Konflikt, der von Rache, Habgier und moralischer Ambivalenz geprägt ist.

Die Charaktere sind vielschichtig und brechen mit stereotypen Darstellungen. Silence ist kein klassischer Held, sondern ein gebrochener Mann mit eigener tragischer Vergangenheit. Seine Stummheit verleiht ihm eine mysteriöse Aura und macht seine Handlungen umso ausdrucksstärker. Klaus Kinski liefert eine intensive Performance ab, die die Grausamkeit und Unberechenbarkeit seines Charakters eindringlich vermittelt.

Der Soundtrack von Ennio Morricone unterstreicht die melancholische und düstere Stimmung des Films perfekt. Die musikalischen Kompositionen sind zurückhaltender als in anderen Western dieser Zeit, aber gerade dadurch äußerst wirkungsvoll und einprägsam. Ein besonderes Merkmal von “Leichen pflastern seinen Weg” ist sein kompromissloses und überraschendes Ende, das die Erwartungen des Publikums bewusst unterläuft. Diese mutige Entscheidung verleiht dem Film eine zusätzliche Tiefe und regt zum Nachdenken an. Corbucci nutzt den Film, um Themen wie Ungerechtigkeit, Korruption und die Sinnlosigkeit von Gewalt zu thematisieren.
Ich freue mich auf Sie und den Film. Karten gibt es hier.

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Filmkritik: Gladiator 2

13. November 2024

Wenn eine Fortsetzung eines Films gedreht wird, um die Story interessanter zu machen, freue ich mich und kaufe mir gerne eine Kinokarte. Wenn jedoch eine Fortsetzung nur gedreht wird, um ausschließlich die Fans abzukassieren, fühle ich mich hinters Licht geführt. Nun kann man selbst entscheiden, was bei Gladiator 2 zutrifft.

Die Story, die uns Ridley Scott hier präsentiert, ist recht dünn. Er entscheidet sich für fettes Popcorn-Kino à la Michael Bay. Bei den Kampfszenen ist Scott in seinem Element, wie er auch bei Napoleon bewiesen hat. Allerdings blieb bei Napoleon die Geschichte auf der Strecke, was zu einem schwachen Film führte. Bei Gladiator 2 hat er offenbar nichts aus dem Napoleon-Desaster gelernt, dennoch wird der Film wohl kein Flop, da eine starke Fan-Base dahintersteht. Hier meine spontanen Eindrücke nach der Pressevorführung.

Die dünne Geschichte des Sandalenfilms zieht sich über eine Spielzeit von 2 Stunden und 30 Minuten – eine Katastrophe für Kinobetreiber, die den Film unterbringen müssen. Die Spielzeit wird nicht mit Story gefüllt, sondern mit Effekten und Kämpfen – klar, wir sind ja im alten Rom. Ridley Scott schreckt dabei nicht davor zurück, CGI-Haie im Kolosseum einzusetzen. Geht es noch absurder? Ein Fokus auf die politischen Intrigen in Rom hätte dem Film sicher gutgetan. Stattdessen gibt es nur den Austausch von Plattitüden, sorgenvollen Gesichtern, und dann folgt die nächste Klopperei mit Schwert und Schild.

Wenn die insgesamt überzeugenden Schauspieler miteinander agieren, lassen sie pathetische Phrasen ab. Immer wieder wird von Ehre und Stärke gefaselt. Der Ausdruck „Stärke und Ehre“ leitet sich vom lateinischen „Virtūs et Honos“ ab. „Virtūs“ lässt sich wörtlich mit „Stärke, Mut, Exzellenz“ übersetzen, und „et Honos“ bedeutet „und Ehre“. In der römischen Gesellschaft bezog sich „virtus“ nicht nur auf körperliche Stärke, sondern auch auf moralische Vortrefflichkeit. Diese Worte scheinen eine Zielgruppe anzusprechen, die dafür empfänglich ist, obwohl sie kaum den lateinischen Ursprung kennt. „Stärke und Ehre“ ist übrigens auch der Name einer politischen Partei in der Ukraine, die am 26. Oktober 2009 gegründet wurde.

Im Kino erinnerte ich mich an „Meine Ehre heißt Treue“, den Wahlspruch der nationalsozialistischen Schutzstaffel (SS), die mit solchen Parolen Menschen köderten. Und da wir schon beim Thema Nationalsozialismus sind: Hollywood hat keinerlei Berührungsängste vor der Bildsprache von Leni Riefenstahl. Immer wieder werden diese gefährlichen Bilder in Hollywood-Filmen verwendet, sei es in Star Wars oder Gladiator 1. Im zweiten Teil wird diese teuflische Bildsprache von Macht und Kraft nochmals verstärkt von Scott eingesetzt.

Paul Mescal spielt unseren Helden Lucius. Der eher unbekannte, 28-jährige irische Schauspieler macht seine Sache gut, bleibt jedoch im Schatten von Filmpapa Russell Crowe und kann daraus nicht hervortreten. Besonders gefallen haben mir die beiden verrückten Kaiser Caracalla (Fred Hechinger) und Geta (Joseph Quinn); vielleicht sind irre römische Kaiser ein gutes Betätigungsfeld, wie man schon bei Peter Ustinov (Quo Vadis) oder Malcolm McDowell (Caligula) sah. Denzel Washington brilliert als Macrinus, und sein Schauspiel ist ein Genuss.

Insgesamt wird der Film sein Publikum finden – Menschen, die nicht von allzu viel Geschichte abgelenkt werden möchten. Hatten wir im ersten Teil noch eine schöne Schlacht in realen germanischen Wäldern, so verliert man sich im zweiten Teil in einer CGI-Seeschlacht bei der Eroberung einer Stadt. Gut gemacht, aber der Auftakt im ersten Teil hatte mehr Zug. Dieses Mal ist zwar alles größer und mächtiger, doch es berührt mich weniger als im ersten Teil.

Wie zu hören ist, hat Scott bereits Ideen für einen dritten Teil. Mein Rat: Ridley, such dir einen neuen Stoff, der dein Talent zu schätzen weiß, und ruiniere nicht deinen guten Ruf.

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Der schwarze Falke (1956) – Rückblick auf meine Western-Matinee

12. November 2024

Wir haben es gewagt und wir hatten aufs richtige Pferd gesetzt. Nach meiner erfolgreichen phantastische Matinee im Scala Kino Fürstenfeldbruck starteten wir eine Western-Matinee und waren skeptisch, ob es noch ein Publikum für den Wilden Westen gibt.

Und siehe da: Es gibt es und der Auftakt war John Fords wichtigster Western Der schwarze Falke von 1956. Hier meine Einführung zum Film.

John Fords 1956 veröffentlichter Western „Der schwarze Falke“ („The Searchers“) gilt als eines der bedeutendsten Werke des amerikanischen Kinos. Der Film, der auf Alan Le Mays gleichnamigem Roman basiert, bietet nicht nur eine fesselnde Geschichte, sondern auch eine vielschichtige Charakterstudie und eine kritische Auseinandersetzung mit Themen wie Rassismus, Obsession und Identität – alles Themen unserer Zeit.

Ethan Edwards, gespielt von John Wayne, ist eine komplexe Figur, die von Rache und Hass getrieben wird. Seine rassistischen Einstellungen gegenüber den Native Americans sind tief verwurzelt und beeinflussen seine Handlungen maßgeblich.

„Der schwarze Falke“ markiert einen Wendepunkt in John Fords filmischem Schaffen. Während seine früheren Western oft heroische Narrative und klare moralische Linien zeichneten, präsentiert dieser Film eine düstere und ambivalente Sicht auf den amerikanischen Westen. Ford dekonstruiert den Mythos des edlen Cowboys und stellt die Gewalt und Vorurteile der Pionierzeit in den Vordergrund.

Die nächste Western-Matinee ist am Sonntag, 17. November um 10:45 Uhr. Wir besprechen und zeigen den hervorragenden Italo-Western Leichen pflastern seinen Weg. Karten gibt es hier.

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