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Filmkritik: the Invite – Ein Abendessen, das Leben und Liebe für immer verändert

30. Juli 2026

Olivia Wildes The Invite ist ein Film, der sich jeder einfachen Genrezuordnung entzieht. Für mich ist die Frau sympathische, lebensbejahende Version von Ingmar Bergman und des ernsten Woody Allein, Was zunächst wie eine Beziehungskomödie beginnt, entwickelt sich zu einer klugen, pointierten und zunehmend unangenehmen Studie über Liebe, Sehnsucht, Monogamie und die kleinen Lügen, mit denen Menschen ihre Beziehungen zusammenhalten. Basierend auf dem spanischen Film Sentimental von Cesc Gay verlegt Wilde die Handlung in ein elegantes New Yorker Apartmenthaus und inszeniert daraus ein ebenso intimes wie hochunterhaltsames Kammerspiel.

Im Mittelpunkt stehen Joe (Seth Rogen) und Angela (Olivia Wilde), deren Ehe längst von Frust und Sprachlosigkeit geprägt ist. Als sie ihre schillernden Nachbarn Hawk (Edward Norton) und Piña (Penélope Cruz) zu einem Abendessen einladen, wird aus einem harmlosen Dinner ein emotionales Minenfeld. Flirt, Provokation und schonungslose Ehrlichkeit vermischen sich, während jede Figur gezwungen wird, ihre eigenen Vorstellungen von Liebe und Begehren zu hinterfragen.

Olivia Wilde beweist dabei ein feines Gespür für Timing und Dialoge. Der Film lebt fast ausschließlich von seinen Figuren und ihren Gesprächen. Die Kamera bleibt häufig dicht an den Gesichtern, beobachtet kleinste Gesten und lässt die Spannung weniger aus spektakulären Ereignissen als aus Blicken, Pausen und unausgesprochenen Wahrheiten entstehen. Dass der Film fast ausschließlich an einem Ort spielt, wird dabei nie zur Einschränkung, sondern verstärkt die klaustrophobische Atmosphäre.

Seth Rogen überrascht mit einer der differenziertesten Leistungen seiner Karriere. Hinter seiner gewohnt sympathischen Ausstrahlung verbirgt sich ein Mann, der zwischen Unsicherheit, Eifersucht und Selbstzweifeln schwankt. Olivia Wilde spielt ihre Angela mit einer Mischung aus Verletzlichkeit und unterdrückter Wut. Die eigentlichen Glanzlichter setzen jedoch Edward Norton und Penélope Cruz. Norton verleiht Hawk eine faszinierende Mischung aus Intellekt, Charme und unterschwelliger Provokation, während Cruz als Piña jede Szene mit einer spielerischen Leichtigkeit dominiert. Sie wirkt gleichzeitig verführerisch, geheimnisvoll und überraschend verletzlich. Das Zusammenspiel aller vier Darsteller gehört ohne Zweifel zu den größten Stärken des Films, ein wunderbares Kammerspiel und starkes Schauspielkino.

Besonders gelungen ist, dass The Invite seine Themen nie moralisch bewertet. Der Film stellt Fragen nach Treue, sexueller Freiheit und emotionaler Ehrlichkeit, ohne einfache Antworten zu liefern. Stattdessen entsteht eine intelligente Beziehungskomödie, die ihre Figuren ernst nimmt und dem Publikum Raum für eigene Interpretationen lässt. Das ist auch mal unbequem für das Publikum. Dabei wechseln sich pointierter Humor und schmerzhafte Wahrheiten in schneller Folge ab, sodass Lachen und Beklemmung oft unmittelbar nebeneinanderstehen.

Nicht jede Wendung wirkt vollkommen überzeugend, und einige Dialoge sind bewusst so geschliffen formuliert, dass sie eher an Theater als an Alltag erinnern. Gerade diese Künstlichkeit passt jedoch erstaunlich gut zum Konzept des Films. Wilde inszeniert kein realistisches Beziehungsdrama, sondern ein modernes Kammerspiel, in dem jede Bemerkung wie ein Zug in einem psychologischen Schachspiel wirkt.

The Invite ist damit weit mehr als eine romantische Komödie. Es ist ein intelligenter, hervorragend gespielter Film über die Fragilität moderner Beziehungen, über Sehnsüchte, die man sich selbst kaum eingesteht, und über den Mut, eingefahrene Lebensmodelle zu hinterfragen. Olivia Wilde gelingt ein ebenso eleganter wie bissiger Ensemblefilm, der von vier hervorragend aufgelegten Hauptdarstellern getragen wird und noch lange nach dem Abspann zum Nachdenken anregt. Einer der überraschendsten und reifsten Beziehungsfilme des Kinojahres 2026.

Filmkritik: Like A Complete Unknown

3. März 2025

BioPics von lebenden und verstorbenen Musikern gehören zum Filmgeschäft dazu. Sei es Spielfilme mit biografischen Hintergrund wie von Freddie Mercury, Elvis Presley, Elton John oder Johnny Cash. Nun kommt mit Like A Complete Unknown eine weitere verfilmte Biografie hinzu: Sie dreht sich um die Anfangsjahre von Bob Dylan bis zu seinem Auftritt in Newport 1965, als Dylan seine Gitarre an einen Verstärker anschloss.

Und anders als viele andere Biopics wird Dylan von Starregisseur James Mangold durchgehend als egoistischer Eigenbrödler gezeigt, der konsequent seinen Weg geht, wohl als Künstler seinen Weg gehen muss und seine Umwelt damit oftmals vor den Kopf stößt. Freunde, Freundinnen und Förderer werden oft beiseite gestoßen. Dylan will sich nicht vereinnahmen lassen und bricht mit ehemaligen Wegbereitern. Immer wieder wird im Film klar, dass sich Dylan nicht vor den Karren anderer spannen lassen will, nicht vor die US-Bürgerrechtswegung, den Folktraditionalisten, der Herzdame Joan Baez, die ihn den Weg auf die großen Bühnen bereitet hatte und Dankbarkeit erwartete. Die einzigen denen Dylan im Film treu ergeben sind, sind sein Idol Woody Guthrie und Country-Outlaw Johnny Cash.

Dylan bleibt der A Complete Unknown, wie der weitaus bessere Originaltitel des Films heißt. Der deutsche Verleih hatte wohl ein wenig zu viel Like a Rolling Stone gehört und führt den Zuschauer auf die falsche Fährte. Dylan ist ein Künstler mit tausend Masken, tausend Gesichtern, die nicht fassbar sind. Das zeigt der Film hervorragend, geht dabei einen anderen Weg als das Biopic I’m Not There von 2007. Sympathisch ist das nicht, aber so ist der Mann nun eben mal und trägt damit seine eigene Bürde. Das wird dem Zuschauer, der sich mit dem Phänomen Dylan nicht so auskennt oder gar ein hardcore Dylanolge ist, nicht gefallen: Kein PR Märchen mit versöhnlichen Abschluss. Dylan zerlegt das Folkfestival in Newport, wendet sich elektrisch gegen die Puristen und streut noch mit Songs wie I don’t work on Maggies Farm noch Salz in die Wunde.

Freunde wie der linke Liedermacher Pete Seeger oder Folkqueen Joan Baez oder der US-amerikanischer Folklore- und Musikforscher Alan Lomax bleiben mit Tränen und geplatzten Illusionen zurück. Der einzige, der sich wirklich freut ist Dylans Manager Albert Grossman (wunderbar dargestellt von Dan Fogler), der das Talent von Dylan erkennt und auch das große Geld darin.

Im Film selbst spielt sich Hauptdarsteller Timothée Chalamet die Seele aus dem Leib. Er hat jahrelang Studien über Dylan vorgenommen und er singt – wie die anderen Darsteller auch – die Songs selbst. Der Soundtrack ist hervorragend. Der 29-Jährige brilliert in der Rolle und es ist ein Genuss sich seinem Schauspiel hinzugeben. Ganze fünf Jahre bereitete er sich auf die Rolle des Bob Dylan vor, nahm Musikunterricht und zehn Kilo zu.
Um Timothée Chalamet versammelt Erfolgsregisseur James Mangold („Indiana Jones und das Rad des Schicksals“, „Walk the Line“, „Cop Land“) einen kreativen Cast: Edward Norton spielt Pete Seeger, Elle Fanning als Sylvie Russo, Monica Barbaro als Joan Baez, Boyd Holbrook als Johnny Cash und Scoot McNairy als Woody Guthrie.

Bei den Oscars 2025 fiel der Film (unverständlicherweise) durch und auch im Kino wird dem Film in Deutschland auch kein großer Erfolg beschert sein. Und dennoch sollte man sich ihn unbedingt ansehen. Ich hab den Genuss in meinem Lieblingskino Scala Fürstenfeldbruck erlebt und kann den Film auch den Nicht-Dylan-Fans absolut empfehlen.