Robert Moog gehört ein Denkmal gesetzt. Für mich hat er mit seinen Erfindungen die Musikwelt revolutioniert. Bands wie meine Liebslingsband Emerson, Lake and Palmer wären ohne Robert Moog und seinem Moog-Synthi nie möglich gewesen.
Ich kam neben ELP auch über Wendy Carlos zum Moog und träumte immer davon so ein Wunderwerk an Elektronik zu besitzen. Nun, heute habe ich die Smartphone-App vom Moog, die ähnliches leistet, aber natürlich nicht an die Faszination des Moog herankommt.
Im Deutschen Museum München traf ich auf den ersten Moog, der in Deutschland gespielt wurde. Er wurde von Eberhard Schoener gestiftet. Leider war ich damals bei der Übergabe nicht dabei, denn auch Schoener ist einer meiner musikalischen Helden. Zu den frühesten Synthesizern zählt der Moog IIIp. Der Physiker Robert Moog entwickelt ihn 1967. Das Instrument besteht aus vielen einzelnen elektronischen Funktionseinheiten, den Modulen. Diese können über mehrere Kabel beliebig miteinander verbunden werden. Dadurch bietet dieser analog-modulare Synthesizer maximale Flexibilität, ist aber schwierig zu bedienen. Die Beatles verwenden einen Moog IIIp für ihre Schallplatte „Abbey Road“. Das Exponat kauft der Komponist Eberhard Schoener 1969 in den USA. Es war der erste Moog-Synthesizer in Deutschland.
Später kam dann der Synthesizer Minimoog, Typ D. „Here it is!“ – so kündigt die Firma Moog 1970 ihren ersten preiswerten Mini-Synthesizer an. Die kompakte Bauweise macht ihn zu einem völlig neuen Instrument. Die Signalwege sind fest verdrahtet, so dass nur die grundlegenden Klänge eines modularen Synthesizers möglich sind.
Das Konzept zielt auf einfache Bedienbarkeit und Verwendung auf der Bühne. Bis 1981 werden insgesamt über 12 000 Exemplare des vierten Modells, des Typs D, in Serie gebaut. Durch Keith Emerson wird der Minimoog zum Standardinstrument der Rockmusik.
Der Moog-Synthesizer verkörpert eine entscheidende Phase in der Evolution der Rockmusik und hat diese nachhaltig geprägt. Entwickelt von Robert Moog in den frühen 1960er Jahren ermöglichte dieser Synthesizer erstmals die Erzeugung und Manipulation elektronischer Klänge. Seine markante Fähigkeit, vielfältige Klänge von warmen Bässen bis zu experimentellen Tönen zu erzeugen, eröffnete Musikern eine neue Welt kreativer Möglichkeiten.
Insbesondere im Progressive Rock und Psychedelic Rock der 1960er und 1970er Jahre etablierte sich der Moog-Synthesizer als Instrument der Wahl. Bands wie Pink Floyd und Emerson, Lake & Palmer integrierten seine expressiven Möglichkeiten, um epische Klanglandschaften zu schaffen. Dies trug zur Entstehung von Musik bei, die nicht nur hörbar, sondern erlebbar war.
Der Moog-Synthesizer beeinflusste nicht nur das Klangspektrum, sondern prägte auch das Sound-Design und die Innovationskraft in der Rockmusik. Künstler experimentierten mit dem Instrument, schufen einzigartige elektronische Texturen und erweiterten so die kreative Palette der Rockmusik.
Darüber hinaus hatte der Moog-Synthesizer einen maßgeblichen Einfluss auf die Entstehung der elektronischen Tanzmusik und Ambient-Musik. Die Integration des Moog in Produktionen von Bands wie Kraftwerk ebnete den Weg für die elektronische Musikrevolution der 1980er Jahre.
In der Rockgeschichte hat der Moog-Synthesizer einen unverkennbaren, ikonischen Sound hinterlassen. Sein warmer, analoger Klang wurde zu einem Markenzeichen für viele Bands und trug dazu bei, einige der unvergesslichsten Songs zu schaffen. Kurz gesagt, der Moog-Synthesizer ist nicht nur ein Instrument, sondern ein kreativer Meilenstein, der die Grenzen der Rockmusik erweitert und eine neue Ära des Klanges eingeleitet hat.
zum Download bereit steht. Was heißt da neues Album? Es handelt sich um ein Dreifach-Album von His Bobness mit 30 Aufnahmen klassischer amerikanischer Songs. Hier führt Bob Dylan die Serie fort, die er mit seinen beiden Vorgängeralben „
“ (2015) und „
“ (2016) begonnen hat.
höre und kaum davon lassen kann.
mit neuem Equipment einspielte, obwohl es Genesis-Klassiker (und vier neue Songs) enthält. Flexibilität sei eben wichtig. Um den genauen technischen Fragen der Fans auszuweichen, glitt er immer wieder in die Vergangenheit ab. „Die sechziger Jahre waren die Gitarren-Ära, die siebziger die Ära der Keyboards und die achtziger Jahren waren die Drums-Ära!“ Als er nach dem Einsatz von Mikrofonen gefragt wurde, las er brav Sennheiser und Neumann ab, gab aber zu: „Ich bin glücklich zu lernen. Es gibt hier viele Leute, die mehr Ahnung davon haben, als ich.“ Ungefiltert und live kommt so eine Aussage bei den Fans an – das hätte es in alten Zeiten vor dem Internet nicht gegeben. PR-Strategen wären dazwischen gegangen und hätten das Image des Stars aufrecht erhalten. Weg mit dem Ego, weg mit dem Starrummel durch das Netz und so kommt ein Steve Hackett wunderbar herüber.
. Dieses Album gilt als eines der wichtigsten Blues-Alben überhaupt und war für Hackett „die Geburt des Feuers“, ebenso wie für die Gitarristen Steve Howe (Yes) und Brian May (Queen). Es sei die Geburtsstunde des Guitarheros gewesen. Als weitere Einflüsse nannte Hackett das Beatles-Album 
und – die Jugend staune – Johann Sebastian Bach mit seiner mathematischen Musik.
redaktion42's Weblog 